TE DOY MIS OJOS ( 2003)

 Una de las mejores películas de la excelente creadora Izízar Bollaín. En este caso aborda el espinoso asunto de la violencia de género. Pilar (Laia Marull) debe huir de su domicilio un noche con su hijo pequeño. Acosada por su marido, Antonio ( Luis Tosar), humillada, maltratada, decide escapar después de mucho tiempo de vejaciones. El matrimonio lleva junto 9 años y los malos tratos han sido contínuos: insultos, faltas de respeto, humillaciones hasta llegar a la violencia física. Pilar se refugia en casa de su hermana  ( Candela Peña) pero pronto Antonio irá a buscarla y con falsas promesas de buen conportamiento ( "Pilar....yo te doy mis ojos")  logrará que ella regrese al domicilio conyugal.

  A partir de ese momento vemos como la sociedad todavía no tiene muy claras las cosas, incluso la madre de Pilar ( Rosa Mª Sardá), que debío ser maltratada de alguna manera por su marido, el padre de Pilar, parece que la incita a que su deber es regresar con su marido. Una moralina muy oscura que parece subyacer incluso en nuestros días y que en aquel momento estaba muy en boga todavía.

   La película, muy bien dirigida por Bollaín, asemeja a un documental, tiene escenas de mucha dureza aunque en general no peca de morbo o búsqueda de efectismos que llamen mucho la atención, que destaquen mucho la brutalidad de Antonio. Es un verdadero drama donde el centro de toda la narración es Pilar, con una extraordinaria Laia Marull, en una de sus mejores interpretaciones, realista y cruda, dejando un poso tremendo en el espectador que verdaderamente sale de la sala de cine totalmente impactado y conmovido con la actuación. Por su parte Luis Tosar no le va a la zaga y realiza una convincente interpretación, es el villano y lo borda, sobre todo en el tramo final de la película donde la bestialidad llega a su culmen.

    La película funciona muy bien como alegato contra la violencia machista, aunque utilice un estereotipo demasiado sobado y consigue salir airosa en su objetivo de golpear en las conciencias de las personas que la vean. Como panfleto es excepcional y como obra de arte también. Hay excepcionales escenas, de gran dramatismo y tensión emocional y la directora deja bien claro el mensaje que quier transmitir. Una buena película para padecer y sufrir, pero en ocasiones el cine es eso: la cruda realidad que nos pega un bajonazo en el vientre, pero necesario para despertar, para darnos cuenta de lo que ya sabíamos que pasaba pero que, quizás, mirábamos para otro lado. ¿Hay posibilidad de reinserción de estos individuos malnacidos que se atreven a pegar a una mujer?. También eso se plantea en la película y es algo que no queda muy claro. Películas así son necesarias, siguen siendo necesarias, por mucho que el telediario nos diga día si, día también que han matado a una mujer en Quintanilla de Abajo ( y que el marido se ha suicidado). ¿Por qué no se suicidó antes el malnacido?. Estas cosas están fenomenalmente abordadas en la película, que tuvo gran éxito en los Goya. Imprescindible.

FANNY "PELOPAJA" ( 1984)

    Sin duda una sorpresa encontrar un buen policíaco en el cine español. Y mucho más dentro de la filmografía de un director tan irregular como Vicente Aranda. A pesar de que la factura técnica de la obra no sea especialmente brillante, la historia es más que aceptable y la narración  satisfactoria aunque el rodaje y el timing de la película pueda producir, visto hoy, cierto aspecto cutre y desfasado. Sin embargo, si nos olvidamos de eso, mantiene al espectador en vilo casi todo el metraje y se va desarrollando con mucha acción, sin olvidarnos de alguna escena de sexo explícito, imposible de evitar en el director catalán. Se trata de uno de los mejores policíacos de nuestro cine. 

  Incluso la ambientación en una cutrísima Barcelona en los años de la transición, anterior al lavado de cara olímpico, una ciudad oxidada, sucia, sin ímpetu sirve de excepcional escenario para la historia truculenta de la que Fanny, Estefanía Sánchez ( Fanny Conttençon) va a ser la  protagonista principal en un thriller sin muchas contemplaciones, un auténtico juego de venganza. Ella, una bellísima mujer rubia, participa en un atraco a un banco ( hay muchas referencias al cine "quinqui" de la transición, como al comienzo en su faceta de navajera) y después se esconde de un cruel policía, Andrés Gallego ( Bruno Cremer), que la persigue pero también la desea. Este sádico policía, que después será apartado del cuerpo por su corrupta y violenta conducta, asesina a su novio y la deja sin dentadura en una brutal paliza. Por eso Fanny, tan joven todavía, utiliza dentadura postiza, la cual se nos muestra en la primera escena, donde ya se presume cierto destape, propio de esta época.

   El hecho es que nuestra protagonista se pega bastantes años en la cárcel, víctima de su verdugo y por sus propios méritos, aderezados con algún que otro homicidio ( se cargan a un policía en su huída) pero esos años en la cárcel no son en balde, sino que va urdiendo su venganza, pensando un día sí y otro también en cómo ejecutarla. Al pisar la calle, tras la condena, trabaja en una gasolinera para ganarse la vida, pero un día recibe una llamada de un ex-compañero retirado, Julián ( Francisco Algora) que le propone el atraco de un furgón y la perfecta venganza de su cruel y sádico verdugo, el ex-policía corrupto Gallego. 

   La película está trufada de los pertinentes flash-backs precisos para poder explicarnos toda la historia. Utiliza Aranda de manera bastante oportuna frecuentes planos picados y contrapicados para resaltar los momento de máxima tensión, la cámara se mueve, como se mueve toda la acción dramática.  Otro aspecto interesante es esa relación amor-odio entre los dos contendientes, un amor trufado de cierto masoquismo y escenas con alto contenido erótico-pornográfico que añade interés a la narración. Es como si hubiera un cierto síndrome de estocolmo, como que ella no pueda escapar a la atracción del violento policía que la persigue. En cuanto a las interpretaciones, destaca especialmente la de Bruno Cremer, para enmarcar. No tanto la de Fanny Cottençon, pero sale airosa del envite.

    La música, para olvidar, esa música- sintonía ochentera y discotequera que no hace más que recordarnos lo antigua que es la cinta. Quizás lo menos destacable de una muy destacable cinta de Aranda.

 
 

RESTLESS ( 2011)

  Partiendo de un argumento y situaciones interesantes, la película resulta bastante fallida. Van Sant no acierta en esta ocasión con casi nada. La película nos cuenta una historia de amor, unos romeo y julieta contemporáneos. La chica ( Mia Wasikowska) tiene un cáncer terminal y, en esos momentos tan duros pero tan bien llevados por ella, conoce al chico ( Henry Hopper). 

  

    Él tiene la curisosa afición ( cuando no manía) de asistir a todos los funerales que puede. Había perdido a sus padres no hace mucho pero parece que no acababa de aceptarlo y por eso acude a otros funerales. En ocasiones alguien se da cuenta de que no es de la familia y  lo ponen de patitas en la calle. En otras pasa desapercibido. Verdaderamente es una afición extraña. En uno de ellos se conocen y parece que saltan chispas, se enamoran. A partir de ahí se irán conociendo y gustando cada vez más, comenzarán a salir. 

  Entre medias de  esta difícil relación aparece un piloto de guerra japonés de la II Guerra Mundial, que se le aparece, que le hace compañía al protagonista masculino, que la verdad, no sabemos muy bien que pinta en todo este embrollo, es como su conciencia. Se trata de un esquema ya visto en muchas películas, machacón, que no nos sorprende lo más mínimo.

      

  Sin embargo si que se observan  aspectos posivos en el film. En primer lugar la propia situación de ambos personajes que no deja de ser algo morbosa y tierna pero no induce a la lágrima fácil. El tema del amor y la muerte y cómo a través de esta se conocen , como el chico no acepta que a ella le queden solo 3 meses de vida. Ella lo tiene muy asumido, no para de hacer cosas que le interesan, la biología y Darwin, la ornitología, el dibujo de animales y pájaros. 

    Todo eso genera un contraste interesante entre los dos amantes. También tiene momentos de humor negro que no están nada mal. Además, los dos personajes están mal, están perjudicados y por eso quizás surge esa necesidad de apoyarse, de ayudarse en tan penosos momentos.  El desarrollo del argumento es positivo, es esperanzador a pesar del drama que hay de fondo, los diálogos entre ambos son ingeniosos y todos esos momentos resultan muy conmovedores sabiendo como saben que les queda tan poco tiempo para vivir.

   Pueden incluso surgir algunos debates morales como hasta que punto somos felices y como lo sabemos o si eso depende de la duración o intensidad de nuestra relación de pareja.  Sin embargo, como decía al principio, la película no termina de convencer. Esperamos más, mucho más de este director y sus historias. Esta idea de hacer un cine independiente que lo aleje de las etapas comerciales como con "El indomable Will Hunting" , un cine indie, que no acabo de creérmelo. Parece que no tiene claro a dónde quiere llegar con esta película, que ha perdido el rumbo porque hay situaciones absurdas, que no tienen porqué aparecer. Finalmente decir que hay una grave falta de ritmo, la película se llega a hacer muy tediosa y lenta y es pretenciosa porque, en el fondo, se da ínfulas de que va a profundizar mucho en la psicología de los personajes y al final no llega a nada, no llega a buen rumbo.

EL PEQUEÑO SALVAJE ( 1970 )

     

   Una de las grandes obras maestras del genial cineasta francés François Truffaut, interpretada por el propio director que da vida a la persona de Jean Itard, médico y pedagogo de inicios del siglo XIX, que certificó con su testimonio histórico la realidad de los hechos que se nos ofrecen. El director francés teje un relato plagado de enseñanzas de gran trascendencia. El eje central de la historia se centra en la lucha de Truffaut-Itard, por insertar en la sociedad a un pequeño niño que ha vivido en completo desconocimiento de la civilización, salvaje, en los bosques franceses, en abandono total. Es por tanto un pequeño salvaje el personaje del que será después Victor de Averyron, que así será bautizado por Itard. Este  conseguirá la completa educación del niño, acreditando ante la psiquiatría de aquella época que el chico podía llegar a ser civilizado e independiente. 

     El pedagogo pone en marcha un plan educativo para rehabilitar socialmente al salvaje de Aveyron, que como decíamos había sido abandonado en la naturaleza a una temprana edad y había logrado sobrevivir en ella. Víctor ( Jean Pierre Cargol ), el pequeño, desconoce la civilización, no sabe hablar ni comportarse, es un ser sin civilizar. Y va a ser como un conejillo de indias para Itard, ya que se va a valer de él para demostrar y contrastar las ideas filosóficas de su época, planteando la transformación del hombre natural de rousseau por el hombre civilizado, capaz de discernir y llegar a adquirir el sentido de la justicia.

   
La historia además es conmovedora por la humanidad con la que el protagonista trata al salvaje y por algunas escenas que son verdaderamente antológicas y todo ello a pesar de que utilice métodos expeditivos, de cierta dureza, para conseguir su objetivo.  Al principio aparece el pequeño, es descubierto accidentalmente y causa verdadera conmoción, llegando a ser exhibido en París como un monstruo de feria, internado en un hospicio y tomado por idiota absoluto. Allí será maltratado y es entonces cuando aparace el médico y  lo rescata de esa barbarie, lo rescata de la civilización para civilizarlo, demostrando así los frágiles límites que separan esta presunta civilización y lo salvaje que representa el mundo natural.  Abandonado a su suerte, la ciencia lo deshaucia, lo considera retrasado mental. Pinel, el maestro de Itard así lo cree, pero este irá demostrándole con pruebas evidentes su error y que realmente era la falta de educación y los malos tratos los responsables de su retraso que no era mental, sino que al haber estado privado del contacto con la civilización, vivía completamente separado de los individuos de su especie.

   El protagonista, que se hace cargo del pequeño y lo lleva a su propio hogar, nos muestra detenidamente sus técnicas vanguardistas de trabajo, apoyado por una sirvienta, para conseguir que Víctor salga de su estado y consiga hablar y socializarse. Pero será un camino duro y tortuoso para el pequeño, lleno de avances y progresos rápidamente perdidos por su regreso a la naturaleza y   rechazo a todo lo que le están enseñando.  Finalmente Itard conseguirá que Víctor se convierta en un ser humano como otro cualesquiera y, con su historia, Truffaut nos enseña que la educación es la herramienta esencial para el progreso del ser humano. Sin educación no somos nada. 

 El director deja traslucir, como hace también en los 400 golpes, parte de su dificultosa infancia. Y lo hace con un lenguaje cinematográfico próximo al documental que se hace muy atractivo por la rápida sucesión de los acontecimientos y la escasa duración del largometraje. Utiliza conscientemente el blanco y negro con el objetivo de sumergirnos en la época postrevolucionaria francesa. Y obviamente lo consigue,  creemos que estamos en ese momento tan trascendental para la historia de la  humanidad, curiosamente una etapa en la que se estaba definiendo el concepto de derechos humanos.

  A destacar una escena memorable en la que el pequeño salvaje es castigado injustamente por Itard y el niño, que no comprende lo que está pasando, comienza a chillar, podemos decir que se rebela. Esto sirve a la narración cinematográfica para demostrar la humanidad del salvaje y lo que verdaderamente nos diferencia de los animales: el espíritu de rebeldía ante la injusticia. Entonces puede afirmar Itard auténticamente que ese pequeño homínido, que poco se asemejaba a un ser humano, lo es verdaderamente. 

INTOCABLE ( 2011 )

   

  Intocable es una historia conmovedora del encuentro de dos hombres que en principio no guardan ningún tipo de conexión: son dos personas totalmente opuestas, tanto a nivel cultural, social e incluso racial. Philippe ( François Cluzet) es un rico y excéntrico  millonario que ha quedado tetrapléjico tras un desgraciado accidente de parapente.  Driss ( Omar Sy) es un ex-convicto de raza negra que pertenece a los bajos fondos de París, inmigrante en un barrio de inmigrantes. Pero de repente, el azar los va a unir. A través de una historia muy bien contada, con un gran sentido del humor, los co-directores  Nakache y Toledano logran crear una obra de un valor humano y cómico muy notable. 

    Tras varios intentos de contratar a un cuidador a domicilio, que se haga cargo de su limpieza, vestido y cuidado ( hay que tener en cuenta que Philippe necesita una persona casi exclusivamente para él) aparece casi por casualidad Driss. El no parece la persona más adecuada para el puesto, por su carácter y formación, amén de que no tiene experiencia como cuidador de personas discapacitadas. Tampoco parece que pudieran encajar personalidades tan divergentes: el rico aristócrata es un melómano empedernido, amante de los grandes clásicos de la música, el negro inmigrante es rapero. Uno viste de etiqueta y el otro solo ha utilizado chándals.

   Narrativamente arranca con una escena que pertenece al final, una escena impactante, de una persecución policial forzada por Driss para goce y disfrute de su fiel Philippe, que finge una enfermedad grave para justificar ante los agentes del orden su velocidad. A partir de ahí, la historia nos ofrece un salto temporal hacia atrás, cuando estos dos personajes se conocen y comienzan a forjar su amistad. Después la historia transcurre a través de diferentes escenas  que están muy bien entretejidas sobre la narración principal, es una comedia genial, una de las grandes comedias de los últimos años, que merece la pena ver y disfrutar en un metraje que jamás se hace largo a pesar de sus 120 minutos.

  La película es muy honesta porque no utiliza el asunto de la discapacidad como excusa para crear un ambiente dramático. Eso queda descartado desde el principio. Muy al contrario, se aborda ese tema de una manera fresca y divertida, con gran energía y lucidez. Philippe era un hombre muy vital y lo sigue siendo a pesar de su enorme minusvalía. Su alter ego es un hombre muy enérgico y con una fuerte personalidad pero ambos llevan a cabo una simbiosis perfecta y, aunque Philippe necesita a Driss, puesto que su minusvalía es total y absoluta, no es un monigote en sus manos. Tiene su propio espacio en la narración, destilando un humor clasista que en ciertos momentos enfada a Driss, sin embargo, el cuidador le devuelve enseguida el golpe con un humor más burdo, más típico de su posición social, pero que se hace verdaderamente agradable en el desarrollo narrativo de las diferentes peripecias que van a ir viviendo juntos.

   El guión es excepcional, basado en una historia real, sabe sacar lo mejor de todas las situaciones en las que se ven inmersos los dos protagonistas.A destacar escenas como la de la ópera, que roza la hilaridad: Philippe intenta introducir a Driss en el bel canto, pero el intento parece resultar imposible y, sin embargo, la comicidad que desprende desborda al espectador. Las interpretaciones de los dos personajes son excepcionales. Omar Sy lleva a cabo una una conmovedora y brillante actuación, llena de matices, resultando una verdadera sorpresa. Intercala situaciones de gran dramatismo con momentos de gran comicidad.  Cluzet no le va a la zaga, aunque su papel sea el de una práctica inmovilidad, utiliza una gestualidad maravillosa a lo largo de toda la película.  

  Para finalizar una muy destacable banda sonora que no va a la zaga del conjunto de la película, que posiblemente va a pasar a la historia del cine y no solo francés, será recordada durante mucho tiempo. Verdaderamente los franceses saben hacer grandes comedias y convertirlas en éxitos universales hasta en taquilla. Conmovedora, divertida, extraordinaria. Absolutamnte recomendable e imprescindible.

DEXTER

No es habitual encontrar en este blog reflexiones acerca de series de television, pero esta serie norteamericana, que comencé a ver hace unas semanas, merece comentario aparte. Dexter ( Michael C. Hall) puede ser uno de nosotros, uno cualquiera, que albergue en su interior a otra persona diferente de la que representa, un magnífico investigador de muestras de sangre en la policía de Miami. En realidad, en el fondo de su alma, es un despiadado asesino en serie, que disfruta troceando a sus víctimas con una precisión digna de Jack el destripador. Sin embargo no es un ser malvado porque gracias a su padrastro, que descubrió en él cuando lo adoptó al psicópata que llevaba dentro, supo entrenarlo, dirigirlo para que toda su rabia contenida se dirigiese únicamente contra la peor escoria de la sociedad. 

   Dexter es un asesino de asesinos, un justiciero, pero muy diferente a ese Clint Eastwood pistolero. Es un hombre joven y atractivo, guapo, que cae bien a la gente porque es un buen profesional y no es para nada una persona que se pavonee de sus logros en la policía. Es un policía asesino, ejecutor de ejecutores, pero es buena gente. Sabe controlar muy bien sus instintos psicópatas e incluso, con el paso de los capítulos, vamos descubriendo que, a pesar de que el mismo, en su voz en off ( constante en toda la serie) se ve como alguien vacío que no es capaz de sentir ni expresar emociones, si que logra caer bien a la gente, hacer el bien a muchas personas y eso lo va cambiando muy lentamente.

    Encuentra a Rita ( Julie Benz), una preciosa mujer divorciada con dos  niños, víctima de malos tratos, que se tiene que enfrentar a la salida de la cárcel de su exmarido que irá a reclamar su derecho a ver a sus hijos. Dexter no sabe exactamente si la quiere, pero piensa que es la mujer perfecta: una persona destruída que, como él, se siente humillada por la sociedad e incluso incapaz de volver a practicar el sexo con nadie, puesto que fue también víctima de violación. Dexter cree encontrar, por egoísmo, su pareja perfecta: el no quiere implicarse emocionalmente con  nadie y puede estar con una persona que no le va a pedir nunca algo que el no puede dar. Sin embargo Rita, con su dulzura y buen hacer, conseguirá ir moldeando el corazón de Dexter, llegando incluso a entregarle su bello sexo.

    Además la relación con los niños es magnífica, aunque en todo momento el protagonista refiere esa falta de empatía propia del psicópata, nos habla contínuamente de que no siente nada, que no siente alegría, que no es capaz de alegrarse y reirse ante la risa de los demás. Sin embargo con el exmarido de Rita la cosa ya cambia de matiz, en principio se muestra distante y frío pero finalmente dará un pequeño pero notable empujón para que regrese a la cárcel, donde desaparecerá definitivamente.

    En la primera temporada aparece, junto a los típicos casos de asesinatos en los que debe participar como investigador, un sádico asesino en serie que congela a sus víctimas después de desangrarlas como a corderos en un matadero. A Dexter le motiva este caso, ya que él también es un asesino con pocos escrúpulos. Y todavía le va a motivar más cuando descubre que el asesino del hielo conoce su secreto. Juega con Dexter, entra en su domicilio y le deja pistas, pequeñas muñecas troceadas y perfectamente empaquetadas, tal y como hace con sus víctimas. Naturalmente no dice nada en la policía ni a su hermanastra ( también policía) porque sería descubrir su secreto. Poco a poco iremos viendo la evolución de la primera temporada y esa lucha titánica entre sombras y luces entre Dexter y el asesion del hielo, con un final verdaderamente sorprendente.

   Aunque la serie parece la típica serie de policías americana contiene un conjunto de virtudes que hace casi adictivo su seguimiento. Los capítulos son cortos y con muchas revelaciones nuevas, casos intrincados y esa actitud que solo el espectador y Dexter conocen, ese secreto, del que hace uso en ocasiones para salvar vidas quitando algunas manzanas podridas. Las regresiones a su infancia y pasado están muy bien trabajadas, así como su voz en off, muy reveladora en determinados momentos. La primera temporada se sigue con atención. A partir de la segunda las cosas se clarifican en ciertos sentidos aunque surgen nuevas tramas que lo enredan todo, incluído a nivel sentimental. También aparece algo que lo cambia todo: aparecen los cuerpos que Dexter ha ido diseminando en bolsas de plástico en la bahía, y ahora Dexter es, sin que nadie lo sepa, el asesino de la bahía.¿ Debe investigarse a sí mismo? ,Recomendable aunque yo solo llevo una temporada y media, desconozco las tramas de las siguientes temporadas, pero reconozco que me identifico con él. Me he enganchado a este tipo siniestro y frío, que se siente vacío. Todos podemos ser Dexter porque todos podemos albergar en el fondo de nuestro corazón el instinto asesino que nos empuje a eliminar a todos aquellos que hacen daño a los que más queremos.

LA DELICADEZA ( 2011 )

    Película de sentimientos, encontrados en ocasiones, de dramas y de romances. La película se puede dividir claramente en tres bloques bien definidos. En la primera parte Nathalie, una notable Audrey Tatou, vive su apasionada historia de amor. Es el amor de su vida, viven en pareja y todo es perfecto. Pero se desencadena el terrible drama: su amor sale a la calle para un asunto trivial y muere en un accidente trágico. Todo cambia de repente para Nathalie: ahí comienza el segundo capítulo, por así decirlo: el duelo. Es un duelo terrible, porque la protagonista ha perdido algo que realmente amaba, se aisla, no quiere vivir, pero poco a poco irá saliendo del agujero. Hasta aquí el drama romántico. Y después, la tercera parte: la comedia romántica, donde Nathalie conoce de nuevo el amor, pero un amor diferente al primero, completamente opuesto, un torpón y grandote tipo sueco que, con su ternura y timidez la sacará del atolladero de una manera ciertamente delicada.

     Markus ( François Damiens) carece de dotes de seducción, es poco atractivo, muy reservado y tímido, torpe en casi todos los aspectos y tampoco es una persona brillante que escriba bellas cartas de amor, pero transmite una ternura y bondad enormes y eso es suficiente para que Nathalie recupere su vida y se abra de nuevo al amor.  Sin embargo surgirán dificultades para que cuaje esta nueva relación, la gente no lo ve normal: ¿cómo va a ser posible el amor entre dos personas tan diferentes?. Ella, guapa y buena profesional, con dotes de mando en su empresa. Él, feo y carente de atractivo, empleado subalterno. Pero surge y he ahí el misterio del amor. Personajes tan aparentemente distintos, descubren que son almas gemelas y aunque el mundo que los rodea no los vea con buenos ojos ( solo su abuelita, en la campiña sabe desentrañar en un segundo la bondad de Markus) ellos acaban por salir adelante, no sin las típicas dificultades del personaje inseguro que interpreta Damiens.

    El jefe de Nathalie, un hombre poderoso, triunfante en la vida ( aunque no en el amor) intentará seducirla pero ella se resistirá y cuando observa que un hombre menos agraciado que él, sin poder alguno, un fracasado en muchos aspectos, ha conseguido enamorarla  montará en cólera  pero ella sabrá sacar lo mejor de sí misma para convertir la situación en un enfado pasajero y en un triunfo de su  amor.

   Los directores, hemanos y autores también de la novela, resuelven la película de manera más que favorable, con un ritmo pausado pero sin discontinuidades, saben introducir muy bien el drama y la comedia, de manera conmovedora en ocasiones, pero sin dejar de lado la profundidad a través de esa crítica social de la superficialidad, del mirar solo lo que se ve externamente y prejuzgar antes de conocer el fondo de las personas. 

  

   Hay escenas de gran comicidad, como cuando Markus, que ya se cree un galán de postín, seduce a bellas modelos, aunque sea solo un pensamiento. Esa parte cómica se hace más llevadera que toda la parte dramática, pero en conjunto es una película que rezuma dulzura y sensibilidad. Es, efectivamente, la delicadeza. 

CRÓNICAS ( 2004)

  Película verdaderamente interesante aunque de muy difícil digestión por la temática que aborda, no apta para todas las sensibilidades. Hay que advertirlo porque esta cinta colombiana trata sobre un asesino en serie que disfruta secuestrando, violando y asesinando niños. La película aborda muchas cuestiones que pueden estar candentes a nivel socio-político como la perversidad del ser humano, el sistema penitenciario y policial en estos países latinoamericanos, los límites que debe tener la prensa y la propia ética de sus profesionales. También debates de índole moral como si debemos proteger con todos los medios legales a abyectos criminales en serie que sabemos que van a volver a actuar una vez recuperen su libertad. Otro aspecto que queda patente es la pobreza y miseria  de estos países que está extraordinariamente retratada por el director. Todos estos temas y muchos más se abordan en esta magnífica película producida por Cuarón y Guillermo del Toro. 

   En un pequeño pueblo ecuatoriano unos reporteros mejicanos, junto a una española ( Leonor Watling) están rodando un documental sobre unas misteriosas desapariciones de niños, a manos de un asesino conocido como el  monstruo de Babahoyo. El primer día que llegan está siendo enterrado el último de los niños encontrados. La familia está sufriendo mucho, toda la aldea está aterrada y en una gran tensión. De repente, a punto de terminar el entierro, aparece un convecino que, acompañado de su hijo, sufre un accidente con su camioneta con tan mala fortuna que atropella a uno de los hijos de la familia que acababa de enterrar al pequeño. 

     Entonces, el padre del niño, que acaba de morir atropellado, deja escapar toda su cólera y, junto a otros de la aldea, tratan de linchar al conductor de la camioneta. Las fuerzas del orden tratan de impedirlo, pero están a punto de no poder hacerlo. Mientras, el periodista sensacionalista Manolo Bonilla ( John Leguizamo), testigo del suceso, obliga a su cámara a grabar toda la cruel escena. 

  Durante toda la película se aborda el problema de la ética del periodismo y si, efectivamente, hay límites éticos que no se deben atravesar. El protagonista se los salta todos, con el fin de lograr un reportaje sensacionalista, en el que cree estar entrevistando al asesino, el misterioso hombre que había estado a punto de ser linchado por su fortuíto atropello. Muchas pruebas, que oculta a la policía con el único fin de conseguir el estrellato en la televisión sensacionalista de Miami, le conducen irremediablemente a este personaje al que le dejan entrevistar en la cárcel. 

   El espectador no sabe a ciencia cierta si este hombre ( fabulosa interpretación de Damián Alcázar, como Vinicio Cepeda) es el asesino. Tiene mujer y un hijastro, trabaja de viajante, está poco tiempo con su mujer, que además está a punto de tener un hijo suyo. ¿Quién puede pensar que esta persona esté detrás del psicópata criminal?. Pero en las entrevistas se revelan aspectos que sólo alguien muy cercano al asesino puede saber.  Pero no lo podemos saber. Sin embargo, Vinicio revela a Bonilla que ha conocido en persona al carnicero y que este le señaló el lugar donde tiene enterrado su siguiente víctima. El periodista, intrigado, descubre el lugar, pero lo oculta a la policía porque antepone sus intereses profesionales a cualquier otra cosa. ¿Es Vinicio el asesino?. No lo podemos afirmar. El objetivo de este es salir en televisión como la víctima del lichamiento y conseguir salir así de prisión ( en la que está por el atropello mortal del principio) y para ello se vale de Bonilla y su equipo.

   Muy bueno el retrato de este presentador o Showman televisivo, ambicioso y trepa ,también acompañado de una ayudante, nuestra Leonor Watling que hace un papel casi testimonial aunque pone cordura en ciertos momentos. Verdaderamente es un thriller muy bien dirigido y construido, aderezado de magníficas interpretaciones, sobre todo la de Alcázar, que ofrece una exhibición interpretativa. Altamente recomendable, aunque no apta para personas muy sensibles, como ya decíamos.

LA PIANISTA (2001)

  Uno de los títulos más controvertidos de Michael Hanecke. La pianista es un viaje hacia el submundo de la enfermedad mental y las obsesiones sexuales, del inconsciente erótico de las personas. La protagonista Isabelle Huppert ( Erika) lleva a cabo una extraordinaria interpretación, llena de matices, de luces y de oscuridades bien trabajadas desde el guión. Ella es una profesora de piano en el conservatorio,  una mujer de mediana edad, sin pareja, muy volcada con su profesión y muy estricta para con sus alumnos.

     Pero en el fondo esconde visitas a cines porno y sex-shops, es una persona que busca encontrar un camino en el sexo, pero en su vertiente más macabra, precisamente para poder evadirse del control e influencia se su madre anciana, con la que vive y que la domina. Vive, por tanto, una doble personalidad. Es una mujer con una belleza a punto de apagarse y una gran profesional del piano, muy admirada por el mundo académico ofreciendo una imagen de gran seriedadad y respetabilidad. En una audición a la que asiste como invitada queda admirada de la maestría del que será uno de sus alumnos, ( Benoit Magimel), mucho más joven que ella, pero que tratará de seducirla, de acercarse y atrevese a entrever a través de  esa estricta máscara de seriedad en la que envuelve sus verdaderas pasiones.

   Observamos las dificultades emocionales de la pareja protagonista, sobre todo Erika. Es un quiero y no puedo contínuo, donde ella parece que no se atreve a dar el paso definitivo mientras fantasea con juegos eróticos demasiado " arriesgados", casi enfermizos. Mientras, el joven amante está buena parte de la película desconcertado, no sabe muy bien cual es el secreto de la pianista. Sin embargo nos vamos adentrando en esa personalidad disfuncional en lo sexual, la relación se vuelve salvaje y violenta.

   

 Es interesante esa relación que observamos entre el mundo del piano, cruel y descarnado con aquel que carece de talento, donde la propia protagonista se muestra extremadamente dura para con muchos de sus alumnos, a los que casi humilla, examinándolos con extremada dureza y su vida personal que esconde ese deseo de dominio y masoquismo. Sin embargo no ofrece situaciones excesivamente morbosas. No esperen ver nada más allá de lo que pueda dejar aparecer su  imaginación. No obstante, el director no deja de ofrecernos unas situaciones que no dejarán indiferente al espectador, al que no se le hace pesado el metraje.

  Los personajes están muy bien trabajados, tanto protagonistas como secundarios. El guión está bien construido, sabe mostrar deseos ocultos que todos podemos albergar pero que jamás nos los hemos planteado. Hay escenas que  quedan en la retina: la bañera, el cine porno, el abrigo) y que nos revelan todo ese interior tormentoso de Erika, la pianista.   Sin embargo, el final deja algo perplejo, como poco convincente, esperaríamos algo más, que no acabase de esa manera, pero eso no desmerece esta película ya considerada de culto.

      Dentro de la segunda etapa de Haneke, la pianista es una de sus mejores obras. Utiliza ese estilo frío y sobrio habitual .  Igual que en otras películas trata de la perversidad de las relaciones humanas. E igual que en toda su filmografía, traza muy bien ese lado anónimo que todos tenemos, que todos podemos albergar en el fondo de nuestro inconsciente: nuestros instintos más salvajes.

   

BESTIAS DEL SUR SALVAJE ( 2012)

   Película sobrevalorada hasta el infinito. Con la vitola del festival de Sundance, aquel de cine alternativo e independiente que creara Robert Redford, me ha decepcionado. Además de la buena interpretación de la niña protagonista, Husspuppy ( Quvenzhané Wallis), nominada al Óscar, que posiblemente sea un nuevo caso de niña prodigio de la que nada sepamos en un futuro, poco más habría que destacar.

  

   La historia suena bien: unos desposeídos, misérrimos, que viven en chabolas, al sur de un gran muro que los separa de la civilización, maligna civilización para ellos, luchan por subsistir en su modo de vida. Pero el calentamiento global está derritiendo los polos y el nivel del agua no hace más que subir, poniendo en riesgo todo su mundo. Se deciden entonces a romper el muro, lo destruyen con explosivos, su mundo comienza a vaciarse de agua pero cometen un error: la feroz civilización de fuera del muro irá a por ellos, los meterán en un lugar donde serán bien alimentados, bien cuidados médicamente, pero ellos no quieren eso. Ellos quieren estar en su mundo, en sus chabolas, en su forma de vida.

    Sin embargo hay algo en la película que no está bien definido por el debutante director. Si son desposeídos, si tienen su forma de vida, ¿ por qué están contínuamente sumergidos en la embriaguez ( buena parte de ellos)?. ¿ Por qué la niña protagonista sufre el abandono de su padre, al que logra recuperar herido, enfermo de muerte?. ¿ A qué vienen esos malos tratos?. ¿O es que lo que nos quiere transmitir el director es que esa forma de vida es la de ellos, y por eso está bien?..  El argumento es incongruente. También la aparición de unas bestias gigantes que regresan a la tierra tras el deshielo, atrapadas durante millones de años en él, y que son una especie de jabalíes siniestros. Sin embargo, cuando van a destruir el pequeño mundo de Husspuppy, se paralizan ante su visión, como  queriendo transmitirnos que sólo van a destruir la civilización, que ha sido mala, muy mala por maltratar a los desheredados y al planeta tierra. Y como colofón una extraña escena en un prostíbulo, al que acceden los niños en un remolcador, buscando la protagonista a la madre que nunca conoció, parece que la ha encontrado, pero que no puede quedarse con ella, no se sabe muy bien porqué.

  Hay quien ve en la película una alegoría del desastre del huracán Katrina en los barrios bajos de Nueva Orleans, puesto que los marginados viven en el "sur" y atrapados por un dique. Ahí reside su narrativa, es como un cuento de hadas pero que acaba bastante mal, como la vida misma. Si tiene alguna virtud es su narración pausada ( demasiado, en ocasiones) de la joven protagonista, que nos va conduciendo al drama final, dándole un toque de ingenuidad infantil imprescindible en estos dramas fatalistas.

   Pese a recibir 4 nominaciones a los Oscar, la película, como digo, resulta fallida en diversos momentos. Empezando por lo que comentaba anteriormente, lo pueril del argumento, podríamos calificarlo como  de un Realismo Mágico de baja estopa. Parece traducirse una poesía que no acaba de percibirse bien, es decepcionante. El argumento podría haber dado más de si para lo que nos cuentan en los 90 minutos de película. Es posible que emocione en ciertos momentos, por la fragilidad de la niña, su valentía, la enfermedad de su padre, la terrible inundación, el respeto de las fieras ante este mundo desfavorecido, etc. Pero resulta previsible y poco novedoso en conjunto.  Hasta los contínuos momentos de voz en off de la niña llegan a hacerse pesados. Es el tipo de película que recibe muchos elogios de la crítica pero que dentro de unos años poca gente tendrá en su retina y no por lo modesto de su presupuesto o realización técnica, sino por lo mal contada que está

GARAGE ( 2007 )

   Excelente película, intimista, sencilla y  modesta, llena de sentimientos, pero también de tristezas.  No necesita utilizar efectos especiales, ni trucos de cámara, ni  una historia nada excepcional, para lograr un resultado magnífico, basta con un liviano retrato de vida honestamente filmado. La verdad es que la película pesa en la conciencia, la soledad se representa excepcionalmente, en los lugares que habita el protagonista: las sucias paredes de la gasolinera, el triste pub de esa pequeña aldea irlandesa, la pesca en el lago mientras consume unas latas de cerveza, el tabaco fumado como rutina. Una película repleta de momentos de humanidad que llegan al corazón, sin dramatismos exacerbados, donde en realidad no podemos hablar de personajes malévolos, sino de situaciones cotidianas.

      Todo gira en torno a un personaje que padece un cierto retraso mental, pero que es todo bondad, carece de la malicia de quienes le rodean, especialmente cuando acude al único pub del pequeño pueblo irlandés en el que se desarrolla la acción. Este personaje, Josie ( Pat Shortt) siendo todavía joven, lleva casi toda su vida trabajando en una triste gasolinera. Allí mismo vive, pues carece de familia. Es introvertido y solitario pero, sorprendentemente, es feliz de esta manera. Su mundo es tan pequeño que no concibe nada más allá fuera y, precisamente por eso, es una persona optimista. 

   Desde un primer momento se observa la maldad en el jefe de la gasolinera. Sabe de la discapacidad de Josie y abusa de él en lo laboral. Un día  este jefe malicioso decide ampliar horarios y, con ello, pone en prácticas a un joven adolescente, que hará de ayudante. Se intuye que quiere despedir a Josei. Pero la llegada de este joven, David, provoca una serie de cambios, muy sutiles, pero que para la mentalidad de Josei son revolucionarios. Esa novedad tan pequeña, pero tan grande para él, le llevará a territorios nuevos y desconocidos: la amistad, la consciencia de su propia soledad, el descubrimiento de la auténtica crueldad de las personas, cómo se ríen de él los amigos de borrachera de David, aunque este tiene en todo momento mala  conciencia de ese abuso. Todo ello tendrá terribles consecuencias, aunque la dirección de la película sabe tratar con sumo cuidado la historia, para que no parezca excesivamente descarnada. David, ese adolescente que cambia la vida de Josei, representa el arquetipo de adolescente fracasado en los estudios, obligado a trabajar y con muy poca voluntad de hacerlo: el adolescente tipo.

    Josei irá evolucionando como decíamos, a su manera, con sus torpezas propias de una persona con algún tipo de dificultad autista o quizás asperger, con sencillez, sin grandes pasos que desfiguren la imagen de tranquilidad que en todo momento nos ofrece. Josie es natural y honesto, cuando comienza a llevar unas cervezas al grupo de amigos de David cree que está consiguiendo,  por primera vez en su vida, tener amigos. Pero las risas y las humillaciones continuarán.

   

   Son deliciosas las escenas en el bar donde es frecuentemente humillado, aunque también aparecen personas con corazón que lo defienden. Incluso la chica que opina que Josei ha alterado su eterna amistad de cliente-cajera de una triste tienda de comestibles, por un sencillo baile en una noche de borrachera, se da cuenta con el tiempo de que Josei es puro, es un ser de una inocencia inconmensurable.

  Pero la crueldad de nuestro mundo acaba por destruir a Josei. David, el amigo ayudante, huraño y reservado, complemento perfecto para Josei y que lo cree amigo sincero, acaba por denunciarlo ante la policía. El protagonista tiene la "osadía" ( entiéndase como retórico el concepto) de mostrarle una cinta porno que tenía en la gasolinera. David entiende cosas que no son, sale corriendo ante esa muestra de amistad, inocente, sin pretensiones. Se precipita así el final, triste pero excelentemente narrado  por el director.  Surgen así algunas cuestiones a debatir: hasta que punto se protege a la infancia y la adolescencia, se le  hace creer cosas que en realidad no son problemáticas, infundiendo en los chicos ideas demasiado intrincadas.

    El trabajo del protagonista, Pat Shortt, es extraordinario, es conmovedor, es creíble y realista y, por sí solo, sostiene toda la película. Está muy por encima del resto del reparto, aunque este no desmerece. La labor de la dirección es buena, la fotografía, en ocasiones muy oscura, anticipa el desenlace de la historia, es magnífica. Hay escenas tremendamente conmovedoras, como cuando Josei no es capaz de empatizar, por su asperger, con el dolor de un viejo amigo. 

  Un retrato sin más, de la vida de una persona simple que golpeará fuertemente en el hígado del espectador por la crudeza de este mundo sin sentido.  Una película pequeña, carente de grandes aspiraciones, pero que quizás por ello, se vuelve grande, mucho más grande de lo que nadie hubiera pensado. La belleza del final es conmovedora, algo tan sencillo se torna en magistral a nuestros ojos.

AMENAZA EN LA SOMBRA ( 1973 )

   Película dificil de definir, podemos decir que es de un extraordinario suspense con Venecia como telón de fondo. Pero es una película de pérdidas, de amor exaltado,  un drama total y un thriler  psicológico. En realidad es inclasificable. La película fue definida en su día como de culto aunque hay que reconocer que no ha envejecido muy bien y resulta, por momentos, monótona, sobre todo porque los momentos de mayor intensidad se producen distanciados entre sí y el metraje se estira en exceso.

   La historia comienza con una terrible desgracia para una pareja con hijos que vive en la campiña inglesa. Jugando cerca de un estanque la niña se ahoga aunque parece intuirse en el protagonista, momentos antes del fatal accidente, una especie de premonición. Una sensación extraña se produce en este arquitecto y restaurador, John Baxter ( Donald Sutherland), casado con una bellísima mujer, fotógrafa, llamada Laura ( Julie Christie). 

   La pérdida terrible conduce al mágico escenario de una Venecia brumosa, entre tinieblas, en donde, años después, aparecen nuestros protagonistas en acción: él, restaurando una antiquísima iglesia, ella pasando unos días con su marido. El hijo pequeño permanece en un internado en Inglaterra.

   De repente aparece una pareja de mujeres que, casualmente, coinciden con Laura y John en un restaurante. Son dos hermanas, una de ellas ciega, pero quizás sea la que más ve. En los aseos del restaurante revela a Laura que ha visto a una niña pequeña al lado de la pareja. Parece ser que tiene poderes paranormales. Pero en el espectador aparece  una desasosegante sensación de que hay gato encerrado, que no es posible que su hija les acompañe siempre y en todo momento, pero ¿Cómo estas dos ancianas, que están de paso en Venecia, de turismo, conozcan su secreto y sus vidas privadas?. ¿ Puede ser todo un intrincado complot que quiere acabar con los protagonistas y que estas viejas, feas y con aspecto de brujas forman parte de él ?. Esta sensación no desaparece en todo el metraje. 

   John, ateo, incrédulo, piensa que su mujer está perdiendo los papeles y que debe descansar, dejar de pensar en aquel trágico suceso. Se niega a aceptar lo sobrenatural y discute con Laura. Se produce entonces, en el hotel, una fuerte escena de sexo, casi explícito, que aunque no tiene mucho que ver con la trama, nos mantiene atentos durante largos minutos. Es un sexo que para la época debió ser un auténtico escándalo. La pareja se reconcilia.

   Mientras tanto en Venecia aparece un asesino en serie que deja tras de sí una huella de crímenes horrendos. Las ancianas aparecen paseando por los puentes y canales muy cerca de los crímenes. Baxter sufre algún que otro incidente de gravedad, sigue a las ancianas. Su mujer y él reciben la noticia ( premonitoriamente soñada por Jonh) de que su hijo ha sufrido un accidente. Entonces Laura viaja en avión a Londres.

   Jonh se dirige a su obra, a seguir su tarea de restaurador jefe para un famoso cardenal, a cargo de dicha parroquia. Cree volverse loco cuando, atravesando el gran canal, ve en una lancha a las dos viejas con su mujer. Acude a la policía que no se cree nada. La atmósfera se hace tremendamente agobiante. El espectador no sabe realmente que es lo que está pasando, el complot, la manía persecutoria, las ancianas, los crímenes, la extraña actitud de la policía italiana, el extraño papel del cardenal, los accidentes casi mortales que sufre John en un andamio. 

Venecia como telón de fondo, pero no es la preciosa ciudad surcada de canales, sino una mucho  más fantasmagórica donde el espectador puede esperar que suceda cualquier cosa inesperada a la vuelta de un callejón lóbrego. Un acierto del director es combinar esa Venecia lóbrega con imágenes de la riqueza monumental de la ciudad, pero mostrando un espacio-tiempo auténticamente sórdido e inquietante.  Siendo una película de terror aparente, no se abusa de lo gore, es más sutil, utilizando la cámara, los planos y el montaje, así como el extraordinario papel de los dos protagonistas. La banda sonora acompaña muy bien a esa atmósfera que atrapa, de la que parece no poder haber escapatoria. Recordemos que ella parece no haber podido salir en avión cuando aparece en el gran canal. Venecia se convierte en una cárcel con una muy cuidada ambientación que consigue su objetivo: preparar al espectador para el desenlace.

  Finalmente uno llega a la conclusión de que es una oportunidad perdida, porque si bien el guión es bueno, no acaba de concluir la historia como sería deseable.   Quizás no acaba de ser una pelicula redonda,el montaje es casi elíptico y con saturación de repetición de planos, nos ofrece un velo en ocasiones pretencioso que lastra por momentos la película, un exceso de manierismo que sobra por completo. 

El desenlace final es de un surrealismo tal que el espectador no acaba de procesar, después del metraje, que es lo que ha pasado realmente. Obviamente se responden preguntas que no se querían responder, desde el punto de vista de nuestra lógica cotidiana, pero ese simbolismo tan crudo soñado repetitivamente por el protagonista se invierte de una manera atroz, bajo la impotencia de una bellísima Julie Christie.

  Recomendable si queremos pasar una tarde de suspense bajo la pesada imagen de una decadente Venecia, aunque excesivamente monótona en  ocasiones, no la recomendaría a personas que no quuieran darle vueltas a lo inexplicable. El final puede dejar a más de uno con dos pares de narices, cabrearnos o dejar volar nuestra imaginación. Esta sería la mejor opción.