LA HERIDA (2013)

   Una gran interpretación de la enfermedad es lo que Marian Álvarez exhibe en esta película sencilla y sufrida de Fernando Franco. No es un film que atrape o apasione sino que, por el contrario, se torna por momentos sinceramente desagradable ya que nos sitúa a Ana, una mujer que trabaja en una ambulancia ayudando a los demás, como centro de su propia enfermedad mental y de su autodestrucción. Tanto es así que el director sitúa la cámara en el cogote de la actriz protagonista y, por momentos, sentimos que estamos persiguiéndola, como si huyera despavorida, no como una manía persecutoria sino de la propia enfermedad psiquiátrica que padece, el conocido como trastorno límite de la personalidad. Pero no puede salir de su infierno particular, es consciente de ello y por eso se hiere, se castiga a sí misma, en secreto, sin que su madre lo pueda siquiera percibir.

   Todo en su vida se derrumba en su interior: su padre se marchó de casa y ahora se va a casar con otra mujer, su novio ya no le responde al teléfono y ha decidio cortar, carece de amistades fuera del trabajo, se sinte sola y culpable de todo lo que le sucede. La depresión la desborda y pronto llega la herida o, mejor dicho, las heridas que ella misma se inflige en una espiral autodestructiva.

   La película es como un documental de la enfermedad mental, que desborda el todo de la narración. El conjunto del guión está dedicado a describir la decadencia, la soledad, el infierno que vive Ana. Pero quizás por eso la historia no es tal, es decir, no hay historia o esta es tan endeble que acaba por mostrarse tediosa e irremediablemente intrascendente aunque en cierta medida conmueve por su realismo y crudeza. Y es que todo gira entorno a la descripción de unos síntomas que van a más, que son incurables e irremediables.  

  El director Fernando Franco, montador profesional que realiza aquí su primer largometraje, utiliza reiterativamente el plano secuencia, en un interminable seguimiento de todos los movimientos de su actriz que, dicho sea de paso, da sentido a esta historia, la llena y desborda por completo. Su interpretación es suficientemente contundente como para justificar su visionado, es desbordante, sorprendente, su rostro refleja el enorme sufrimiento que padecen este tipo de personalidades límite, el dolor y la frustración por no poder controlar su propia existencia. Merecido el premio del cine español a su interpretación.

    Una película obligatoria para los que disfrutamos de grandes interpretaciones aunque el contexto de la película no sea excesivamente atractivo. Un cine de desolación sin límite, sin alharacas ni pretensiones, de bajo presupuesto y alta calidad aunque no apto para personas poco acostumbradas a sufrir, a pasarlo mal viendo cine casi documental. También óptima para estudiosos de la psiquiatría y para los que, en general, sufren con el sufrimiento ajeno.

MUERTE EN VENECIA ( 1971)

  Lenta, cadenciosa, sutil y hasta un tanto exasperante en ocasiones. Así podríamos definir, a vuela pluma, una de las más afamadas obras maestras de Lucchino Visconti. Aunque ha sido objeto de numerosas controversias a lo largo de las décadas incluso entre los propios seguidores del maestro italiano, no cabe duda de que resultan inolvidables esas evocadoras imágenes de una decadente Venecia bajo la impresionante melodía del Adagietto de la quinta sinfonía de Mahler.

     Es una película pausada, a fuego lento pero es de esas ocasiones en las que no resulta  tan tediosa esa lentitud, sobre todo si se sabe apreciar la belleza vaporosa de la arquitectura veneciana. Podríamos hablar de un auténtico documental, un viaje iniciático a la ciudad italiana bajo el pesado prisma de un anciano compositor que, enfermo, sabe de la cercanía de su viaje final y que busca desesperadamente el mejor final posible: el que proporciona la contemplación de la auténtica belleza, la belleza sublime de una melancólica ciudad y de una juventud que trata de ser aprehendida por su protagonista, que intenta ser atrapada y que se escapa finalmente en un mundo que se derrumba. Partiendo de esta visión general podemos entrar a valorar algunos aspectos que generaron y siguen generando una viva polémica.

   Hay un debate entre los que afirman que es una obra maestra total, inigualable y los que piensan que es una auténtica pérdida de tiempo, una película amanerada y sin sentido. Y posíblemente ambos bandos entén en lo cierto porque de todo eso se compone la obra de Visconti.    Para entender un poco la película quizás hata que haber visto alguna otra del director milanés, conocer su trayectoria desde el neorrealismo a un cine más aristocrático, cercano a su propio origen social. Paradigmática sería su incursión en el mundo del nazismo en la caída de los Dioses, donde introduce otra de sus grandes pasiones: la ópera. 

   La llegada de Gustav ( Dirk Bogarde) a Venecia, escenario del drama, define mucho lo que veremos a continuación. Es una escena inacabable, montado en un bote de pasajeros para acercarlo a la isla donde se encuentra su hotel, sufre ya ciertas humillaciones dentro del mismo viéndose su estado de extrema debilidad, de enfermedad terminal, al mismo tiempo que su enorme sensibilidad para apreciar la belleza de la puesta de sol en el gran canal veneciano. El hotel es la residencia de buena parte de la aristocracia europea del momento, principios del siglo XX. Esa nobleza que representa un mundo que está a punto de derrumbarse en la Primera Guerra Mundial y que nunca más volverá a ser lo que había sido.

   Allí el avejentado compositor acude para reponerse de su precedente fracaso artístico, del rechazo que provoca su última obra al mismo tiempo que aliviar su delicado estado de salud. Paseando por la playa descubre la belleza quasi angelical de Tadzio, un joven adolescente de largos y ondulados cabellos rubios que encarnan para él todo un compendio de la belleza irresistible y carnal. Por él se sentirá inexorablemente atraído y será el leitmotiv del resto de su vida, su pasión e inspiración a pesar de que sea un deseo se tornará en neurosis enfermiza y por ese motivo se agravará su salud irremediblemente. Acabará siendo un pelele en manos de un niño de mamá un tanto juguetón que advierte muy pronto las intenciones del hombre maduro. En realidad no llegará nunca a establecer con él un contacto real y toda la relación se sustentará en miradas y silencios, en juegos un tanto infantiles a los que el vetusto compositor accederá para alimentar más si cabe su pasíon.


   Una relación homosexual a pesar de que la película nos equivoca al apuntarnos en una sutil regresión temporal que Gustav tuvo una familia heterosexual anteriormente. Durante la película Gustav recorre Venecia al compás quasi musical que marca el  bello Tadzio, fenomenalmente caracterizado por un actor que pasó a la fama por este papel, Björn Andrésen, un andrógino joven que puede representar esa dualidad sexual del protagonista, que será cruel con el anciano compositor, haciéndole sufrir de manera gratuita en sus andanzas  con sus compañeros más jóvenes en diversos escenarios: el hotel, la sucia y decadente ciudad y la playa.

  Este juego perverso nos permite admirar la belleza de una Venecia asolada por una epidemia de Tifus que compromete la vida de los veraneantes. Quizás podríamos decir que la ciudad de los canales sea la principal protagonista de esta historia de amores imposibles truncada por la muerte en un final tremendo, en el que Gustav sufre el colapso fatal en la playa mientras contempla a ese amor puro y virginal que jamás pudo alcanzar, esa belleza enigmática que tan solo regala una mirada esquiva al anciano agonizante. La música de Mahler provoca un podereso efecto conmovedor , más poderoso que cualquier evocación en nuestra  mente.

           
Obligado resulta reseñar el trabajo de Dirk Bogarde, ese mayordomo nazi sádico de Portero de Noche, que en esta ocasión resulta impagable en el papel del músico agonizante, buscando desesperadamente una Venecia enigmática y confusa donde encontrará a su Tadzio, a su amor platónico, que lo llevará a la dulce muerte en un bello ocaso a la orilla del adriático. Bogarde resulta creíble a pesar del aparatoso maquillaje que todo el tiempo nos recuerda una vejez fingida. El joven actor Andersen también es de destacar a pesar de ser prácticamente su única interpretación. Es su papel y ese su momento: apareció para ser Tadzio. En otro plano Silvana Mangano, mayor y con un papel con poca relevancia aunque su sola presencia es inspiradora.  

   La ambientación y el vestuario son magníficos y destacables, reflejando perfectamente el barroquismo que nos habla de ese fin de ciclo, de ese final de época que en el fondo es el argumento principal del film.

 

RESTLESS ( 2011)

  Partiendo de un argumento y situaciones interesantes, la película resulta bastante fallida. Van Sant no acierta en esta ocasión con casi nada. La película nos cuenta una historia de amor, unos romeo y julieta contemporáneos. La chica ( Mia Wasikowska) tiene un cáncer terminal y, en esos momentos tan duros pero tan bien llevados por ella, conoce al chico ( Henry Hopper). 

  

    Él tiene la curisosa afición ( cuando no manía) de asistir a todos los funerales que puede. Había perdido a sus padres no hace mucho pero parece que no acababa de aceptarlo y por eso acude a otros funerales. En ocasiones alguien se da cuenta de que no es de la familia y  lo ponen de patitas en la calle. En otras pasa desapercibido. Verdaderamente es una afición extraña. En uno de ellos se conocen y parece que saltan chispas, se enamoran. A partir de ahí se irán conociendo y gustando cada vez más, comenzarán a salir. 

  Entre medias de  esta difícil relación aparece un piloto de guerra japonés de la II Guerra Mundial, que se le aparece, que le hace compañía al protagonista masculino, que la verdad, no sabemos muy bien que pinta en todo este embrollo, es como su conciencia. Se trata de un esquema ya visto en muchas películas, machacón, que no nos sorprende lo más mínimo.

      

  Sin embargo si que se observan  aspectos posivos en el film. En primer lugar la propia situación de ambos personajes que no deja de ser algo morbosa y tierna pero no induce a la lágrima fácil. El tema del amor y la muerte y cómo a través de esta se conocen , como el chico no acepta que a ella le queden solo 3 meses de vida. Ella lo tiene muy asumido, no para de hacer cosas que le interesan, la biología y Darwin, la ornitología, el dibujo de animales y pájaros. 

    Todo eso genera un contraste interesante entre los dos amantes. También tiene momentos de humor negro que no están nada mal. Además, los dos personajes están mal, están perjudicados y por eso quizás surge esa necesidad de apoyarse, de ayudarse en tan penosos momentos.  El desarrollo del argumento es positivo, es esperanzador a pesar del drama que hay de fondo, los diálogos entre ambos son ingeniosos y todos esos momentos resultan muy conmovedores sabiendo como saben que les queda tan poco tiempo para vivir.

   Pueden incluso surgir algunos debates morales como hasta que punto somos felices y como lo sabemos o si eso depende de la duración o intensidad de nuestra relación de pareja.  Sin embargo, como decía al principio, la película no termina de convencer. Esperamos más, mucho más de este director y sus historias. Esta idea de hacer un cine independiente que lo aleje de las etapas comerciales como con "El indomable Will Hunting" , un cine indie, que no acabo de creérmelo. Parece que no tiene claro a dónde quiere llegar con esta película, que ha perdido el rumbo porque hay situaciones absurdas, que no tienen porqué aparecer. Finalmente decir que hay una grave falta de ritmo, la película se llega a hacer muy tediosa y lenta y es pretenciosa porque, en el fondo, se da ínfulas de que va a profundizar mucho en la psicología de los personajes y al final no llega a nada, no llega a buen rumbo.