MIENTRAS DUERMES (2011)

   La inquietud se apodera del espectador poco a poco, sin prisa pero sin pausa, viendo a un personaje vil y sádico, que ejerce como portero de un lujoso edificio del centro de Madrid. Está a punto de suicidarse porque ya nada hay que merezca la pena seguir viviendo, es un ser infeliz, incapaz de sentir. Pero entonces llega Clara. Ya ha elegido una nueva víctima para su colección poniendo en marcha el ritual, su enfermiza obsesión por las mujeres jóvenes, en este caso su obsesión por Clara ( Marta Etrura).  El obseso, pervertido y malévolo portero es César ( Luis Tosar), la verdadera encarnación de la vileza, podría ser un perfecto enemigo público número uno, solo que sutil y actuando con alevosía y nocturnidad. César destila maldad por todos sus poros, está obsesionado con Clara y puede penetrar a diario en su apartamento, antes de que llegue de su trabajo, esconderse debajo de la cama y esperar a que el sueño profundo le permita realizar su ritual, con el cloroformo preparado para dormirla anestesiándola, poseyéndola en su propia cama.

    Por la mañana Clara está aturdida, cada día se encuentra peor. Al descender el rústico ascensor  camino del trabajo allí está César sonriente, alegre, retomando en su interior nuevas esperanzas. Visita a su madre en estado casi vegetativo, desconocemos si la enfermedad es natural o forzada por su hijito. César le cuenta lo que va haciendo con Clara que no es más que una de sus víctimas, a la que le ha tocado en gracia, es un decir, padecer el suplicio de este obseso. Sin embargo una no menos malvada vecina, un niña pequeña pero tremendamente diabólica le ha descubierto entrando y saliendo de su casa y lo chantajea  aunque ella también probará la terrible medicina de César.

    La tensión crece cuando vemos al desaprensivo poner larvas de cucaracha para provocar una infección en el piso de Clara o cuando pone en todo su maquillaje droga que la va aturdiendo más y más. Después surgirá como salvador, luchando contra la plaga, creyendo ingenuamente que ya hay algo más que un simple hola y adiós entre vecina simpática y  un portero de paso.  Pero lo peor está todavía por llegar, sobre todo cuando aparece Clara con su novio Marcos ( Alberto San Juan). Entonces rabia de celos, porque cree que es suya, que solo él tiene derecho a poseerla.

   Pero todo  está en su imaginación y cuando ve a Marcos la locura se apodera de su ser. Entonces estará dispuesto a todo por no perderla. Una noche Clara y Marcos llegan por sorpresa al piso y César ya está allí, el depravado está debajo de la cama dispuesto a su ritual diario. Entonces debe aguantar una gran humillación y, tras estar a punto de ser descubierto por la mañana, logra evadirse de una manera típicamente criminal, con una habilidad magistral. Pero Marcos no lo ve claro, ¿por qué se había dejado una bolsa debajo de la cama?.¿Cómo es que puede entrar y salir del apartamento de Clara?. El drama estará servido, el asesinato, la culpa, el destrozo de una vida, la de Clara  marcará la segunda parte de la película.

   Lo cierto es que el guión de Alberto Marini consigue crear un muy convincente suspense durante todo el metraje y tenernos muy despiertos, ojo avizor, no sin provocar en nosotros un inquieto malestar. El director, Jaume Balagueró, teje una obra maestra negrísima, una película que no puede dejar a nadie indiferente, un thriller psicológico con todas sus características. Plano a plano nos sumerge un paso más en esa mente enfermiza incapaz de ser feliz, que solo vive para causar el mayor daño posible a las personas.

   Luis Tosar realiza de nuevo una extraordinaria interpretación, que destila maldad por todos sus poros. Ya lo habíamos visto como Malamadre e incluso en aquel abyecto papel de maltratador en Te doy mis ojos. Si en aquellas ocasiones bordaba su papel como villano, como escoria de la socidad, en este ejercicio de drama aterrador, bate todos los récords demostrando todas las caras de la psicopatía. Es que no se puede ser más malo. Pero Tosar no está solo, Marta Etrura se muestra como una extraordinaria partenaire, frágil y vulnerable ser que desconocerá en todo momento la verdadera identidad del psicópata César y cuya vida quedará terriblemente marcada por el abyecto criminal. Por último una banda sonora muy acertada de Lucas Vidal redondea esta obra maestra del último cine español. Un cine negro negrísimo que afortunadamente cada vez mejor el cine de casa está siendo capaz de abordar con mucha solvencia. Después de ver esta película pocas personas podrán dormir tranquilas si a su comunidad de vecinos llega un nuevo conserje o portero. Ese es el gran triunfo de esta película.

EL SIRVIENTE ( 1963)

    Película rara, extraña, en ocasiones incomprensible por la infinidad de matices que van apareciendo en una historia que por momentos resulta siniestra y retorcida. El guión del dramaturgo Harold Pinter transmite un gran desasosiego, inquietud y suspense y nos acerca a un relato  de dominio y sumisión psicológica y sexual muy sutil, en el que las convenciones sociales saltarán por los aires. A destacar esas pausas, esos silencios que dicen mucho más que cualquier diálogo, un clásico en el autor británico. Hugo Barret ( Dirk Bogarde), mayordomo, entra a servir en la casa de un joven de buena posición social, soltero pero comprometido,  arquitecto lleno de proyectos, vivaz y trabajador, en el sofisticado barrio londinense de Chelsea. El joven, Tony ( James Fox) parece seguro de sí mismo, con una personalidad arrolladora, conquistadora. Y, sin embargo la llegada de este extraño mayordomo va a ser clave en un descenso a los infiernos en los que Tony será un simple títere en manos de Barret. Tony es lo que se dice un triunfador y pertenece al establishment londinense, se codea con la aristocracia británica y presenta sus proyectos arquitectónicos para la India a varios de sus protectores.  Goza con el privilegio de una bella pareja a la que ama y respeta. Pero no puede ni imaginar que el sirviente que ha contratado para su apartamento se va a ir apoderando de su vida. Este personaje oscuro solo es percibido en su completa personalidad por Susan (Wendy Craig), la novia de Tony. El ambiente opresivo que se respira en la casa es otro de los protagonistas clave, un ambiente que se percibe, casi se respira a lo largo del metraje.

   Tony será sutilmente diseccionado por Barret, como si de un animal de laboratorio se tratase. Incluso logrará eliminar a la molesta Susan introduciendo en la casa a una supuesta hermana que en realidad es su amante. Esta dulce pero tosca chica llamada Vera( Sarah Miles) seduce al dueño de la casa, lo atrapa como una araña en su red. Finalmente Tony será reducido a cenizas y convertido en el monigote que Barret deseaba, un servidor de sus deseos más oscuros. Poco podrá ya hacer Susan cuando encuentra a una persona destruida, vilipendiada, humillada y sumisa  a los designios del malévolo Barret. Aunque tampoco cabe desdeñar la propia fragilidad del dominador, que será ostensible en diversos momentos del film, en el que el sirviente sufre ataques de ira e irritación ante su propia debilidad.

  Partiendo de este intenso drama psicológico, el director, Josep Losey, consigue durante buena parte del metraje tenernos en vilo, sufriendo por los avatares de la pareja protagonista. Sin embargo la película, que recibió excelentes críticas en su momento se hace bastante tediosa por momentos y excesivamente previsible llegando a la parte final en un estado casi comatoso que no consigue remontar el vuelo. Todo lo contrario, es un final ambiguo donde no sabemos de verdad si lo que vemos es más un relato onírico o real, en todo caso poco convincente. Porque hay momentos en los que parece que el varonil Tony está perdiendo los papeles por el mismísimo Barret. Esa ambigüedad suponemos que estará bien recogida en Pinter, pero en la película no está bien lograda, es demasiado corriente y simple.

  Su trabajo de dirección es más que correcto porque consigue con esta película su obra más representativa y creativa. La mayoría de escenas en interior, sabe manejar la cámara en innumerables situaciones de riesgo, con planos y encuadres hiperexpresivos, muy atractivos. A ello se añade la acertada fotografía en blanco y negro de  Douglas Slocombe, que juega con la luz y la sombra, la sinuosidad de los movimientos de cámara y los espejos circulares que distorsionan las figuras y que están presentes durante toda la película.  Se consigue de esta manera esa atmósfera de vicio y claustrofobia que hemos comentado. La música de Jonny Dankworth acentúa ese ambiente casi irreal que se crea en la casa de dos plantas.

   Destaca también en la película el excelente trabajo de los actores, en especial un Dirk Bogarde en el papel del sirviente, el mayordomo Hugo Barret que posiblemente interpreta el papel de su carrera, a pesar de otras apariciones estelares. Es significativa su mirada, en este caso anticipándose a las líneas de diálogo y, en ocasiones, contradiciéndolas. Esta película no sería la misma sin la interpretación de Bogarde y sin su mirada, inquietante y febril.  Como curiosidad mencionar que Bogarde dirigió personalmente partes de la película en sustitución de Losey, enfermo temporalmente .Jamex Fox está también soberbio en su papel, interpretando a esa personalidad que se va moldeando y acaba sucumbiendo a los designios de Barret. Sharah Miles también borda su actuación con un papel en el que el componente provocador y erótico está presente en todo momento.

  

  Temas como la sumisión, el deseo e incluso la homosexualidad son abordados de manera muy sutil y en exceso ambiguo, sin mucha valentía aunque hay que tener en cuenta la época en la que nos encontramos. No obstante Losey consiguie así firmar una obra que tal vez sea una rara avis dentro del cine británico de los sesenta. Quizás se podría esperar más, sobre todo con ese final tan ambigüo pero quizás la obra de Pinter busque deliberadamente esa premisa.  Un cine tremendamente decadente, extraño y transgresor en ese sentido que nos puede dejar perdidamente indiferentes ante lo que acabamos de presenciar.

LA CAJA DE MÚSICA (1989)

   Esa maldita caja de música esconde un secreto terrible, tras su mecanismo y  tintineo machacones.   Nos encontramos ante una película de intriga familiar, histórica y judicial realmente impactante y emocionante que me ha planteado muchas inquietudes, algo que dice mucho en favor de su argumento. Es una película de inquietudes flagrantes y descorazonadoras. Logra crear ese necesario nudo en el  estómago cuando estamos ante una gran película de suspense y misterio. Descartemos lo obvio: no es una película más de juicios, a pesar de que buena parte del metraje se desarrolla en una sala del tribunal. Va muchísimo más allá: es una película de emociones familiares que van in crescendo cuando las dudas razonables se tornan en temores y las pruebas en sospechas inquietentes, en quasi certezas.

     ¿Puede que nuestro anciano y venerable padre, todo bondad, todo amabilidad, un "padrazo" que nos ha criado como buenas personas, como personas íntegras y sociables y que nos ha dado una carrera y nos ha entregado lo mejor de su vida para criarnos un mal bicho, un ser capaz de lo peor que puede dar el ser humano?. La duda estará presente a lo largo de todo el metraje, es su leiv motiv.

   Si bien es cierto que el tema de un emigrante húngaro anciano acusado de haber sido un nazi durante la ocupación alemana de Hungría podría resultar un tanto manido, aunque hay que tener en cuenta su datación, de 1989 y la trayectoria del director, Costa-Gavras, siempre valiente en sus películas, decidido a denunciar los males de nuestra sociedad, las injusticias capitalistas y los crímenes contra la humanidad, sean o no de nuestro tiempo.

    Este personaje, Mike Lazslo, fantásticamente interpretado por Armin Mueller- Stahl, actor alemán de larguísima trayectoria y que intervino en alguna de las películas-icono de la cinematografía alemana además de en numerosas películas en Estados Unidos en los que demostró su buen hacer ( sobre todo para determinados papeles digamos "siniestros") es el enmigrante húngaro que va a ser acusado por la fiscalía de ser en realidad otra persona, de haberse "colado" en los EEUU después de la Segunda Guerra Mundial bajo otra personalidad, de haber ocultado su identidad engañando a todo el mundo. Ahora es reclamado por el gobierno Húngaro, comunista ( aún no había caído el telón de acero) como criminal de guerra nazi. Por tanto deberá ser extraditado y, más adelante, ser juzgado como tal. 

  Su hija Anne Talbot( Jessica Lange), separada con un hijo, abogada de prestigio, lo va a defender de todas las acusaciones, siempre confiando en la palabra de su padre, de que todo es un cúmulo de insidias indignantes. ¡¡Cómo un honrado ciudadano, cumplidor con su país de acogida, patriota como ninguno, anticomunista, un auténtico yankie, puede ser ahora puesto en duda por esa misma administración!!!. Ese es el argumento de Lazslo, sus hijos y nietos lo creen, ¿cómo se pueden atrever a dudar de su honorabilidad?.¿Cómo va a ser el mismo personaje que Hungría, ese país comunista, reclama como integrante de un grupo parapolicial que asesinaba judíos y gitanos?. La interpretación de Jessica Lange es estremecedora, primero como fiel hija y leal abogada ( aunque no conviene mezclar a la familia en asuntos profesionales y eso también se ve en la película). Esa complicidad traerá más de un problema a Anne. Ella, siempre creyente de la veracidad e identidada actual de su padre obtiene informaciones que desmienten que Laszlo sea el de la foto, el del carnet policial que todos los testigos van reconociendo, se agarra a las argucias propias de un buen abogado, el carnet puede haber sido falsificado, los testimonios son equívocos....ella no quiere creer tampoco como persona, como hija, todo lo que va apareciendo. Tampoco su nieto, Mikey cree a los que maledicen de su abelo, se pelea en el colegio y ha escuchado de él que el holocausto fue una gran metira...eso escucha Anne y lo reprende...¿quién te ha contado eso?...el abuelo...entonces será el otro abuelo.

   Lo que va a ser clave en el desenlace son las flexiones de Misha ( que así era conocido Lazslo). Este comenta a su nieto que el siempre hace flexiones antes de acostarse, porque el físico es tan importante como la mente. Estas flexiones unidas a un  macabro juego con la bayoneta jugarán un papel decisivo no en el juicio, sino en la moralidad de Anne, que se irá desplomando como una mosca, poco a poco, conforme le llegan certezas cada vez  más palmarias. Pero el juicio prosigue y Anne como decía recibe ayudas desconocidas que echan por tierra los testimonios de todos los que, presuntamente, habían recibido abusos de Misha. ¿Será todo un complot comunista contra su padre?.

   La presencia de una Budapest majestuosa pero decadente, con esa luz plomiza, esos coches anticuados tomará un protagonismo decisivo. Juez, fiscal y  abogado viajan a la bella ciudad húngara para tomar testimonio a un viejo anciano agonizante. Esta persona dice haber sido testigo de las violaciones y matanzas de Lazslo. Pero en el hotel, Anne recibe una carta (volvemos a la red de ayuda de los criminales nazis) que desacredita al anciano. El juez irritado manda regresar y el juicio parece visto para sentencia. Pero entonces Anne pide a sus taxistas que detengan el coche en el puente sobre el Danubio. Pasea por el lugar en el que los testimonios decían que su padre había convertido el Danubio en rojo y se imagina todo lo que pudo haber pasado 40 años antes. Por si fuera poco, decide visitar por su cuenta y riesgo a la hermana de un hombre que parece que chantajeaba a su padre en EE.UU. Está deseosa de saber la verdad aunque en lo más profundo de su corazón desea que todo sea mentira.

  Su padre había pagado a un señor un dinero durante varios meses. Este individuo, Tibor Zoldan, también húngaro, había muerto atropellado. Pero había dejado una nota y una dirección que habían llegado a manos de Anne. Esta dirección le remitía a la casa de su hermana en Budapest. Allí, Anne, deseosa de saber la verdad real, no la judicial que ya se ha sustanciado, recoge un billete de una casa de empeños americana. Podría haber arrugado ese papel y haber continuado su vida pero el ansia de saber la verdad puede más que la tranquilidad de vivir atemorizada el resto de sus días, pensando que su padre era ese abyecto criminal de guerra. En la casa de empeños recoje una caja de música. Cuando acciona el mecanismo se oye una dulce melodía. Pero la maldita caja esconde un secreto terrible.                

     Estamos pues ante una extraordinaria película que recuerda a las tramas de Hitchkock, sabemos de la admiración de Costa-Gavras por el director británico de suspense...y como ya comentábamos la historia sirve al director Greco-francés para denunciar algo que jamás debería de prescribir: los delitos contra la humanidad, las redes pronazis y anticomunistas que existieron ( y posiblemente existan todavía) en los años 80 del siglo pasado. También nos permite acercarnos a la reflexión de si es conveniente para una sociedad poner una tupida y densa capa de silencio, de olvido consciente sobre hechos abominables acaecidos en el pasado o si conviene siempre tener presente la historia, sobre todo cuando todavía las heridas permanecen abiertas, cuando todavía hay víctimas vivas o familiares dispuestos a no permitir que su memoria, la de todos ( esa memoria histórica), sea pisoteada o ensalzada. Yo me inclino por la segunda opción: no olvidar y, a ser posible, perseguir penalmente, ante la justicia crímenes que jamás deberían prescribir: los crímenes contra la humanidad. Costa-Gavras no duda por un momento tampoco: a pesar de que los verdugos sean venerables ancianos ocultos bajo una máscara de respetabilidad e integración social, los crímenes no deben prescribir. Esto sirve para todos los países en los que han sucedido estos delitos y que han quedado sin castigo, no solo la Alemania nazi o sus satélites durante la guerra sino que es un mensaje universal, válido para cualquier lugar y tiempo, ya sean países latinoamericanos ( donde por cierto sí se han perseguidos esos crímenes) como otros en los que se violaron sistemáticamente los derechos humanos, caso español, por no irnos muy lejos.

   En cuanto a las interpretaciones hay que señalar a una portentosa Jessica Lange que hace un papel duro y desgarrador, difícil. Obtuvo una nominación a los Óscar de la academia. Y el ya comentado actor alemán Armin Mueller- Stahl que sabe jugar muy bien con un papel a su medida: da pena y compasión pero cuando mira al público durante el juicio vemos la mirada de la fiera, la mirada del mismísimo diablo.

   La banda sonora  de Philippe Sarde está interpretada por la Sinfónica de Hungría y es excepcional. El guión es extraordinario, basado en la novela homónima, sabe crear esos momentos de tensión y de relajación dentro de la exhasperación que supone la visión del peor de los dramas humanos y de la eterna duda existencial.  La fotografía sirve para aumentar ese suspense, describiendo los presentimientos que todos vamos teniendo, esa luz tenue nos da muy bien el tono general de la película, ese Budapest decadente es extraordinario.

  Una reflexión final: la injusticia muy frecuente de la "verdad judicial" que poco o nada tiene que ver en ocasiones con la realidad y que solo la historia es capaz de desentrañar. Muchas veces quedarán impunes gravísimos delitos y miserables delincuentes no pagarán por ellos por defectos de formas, contradicciones y falsos testimonios o incluso, algún juez corrupto. No digo nada del jurado popular, al que respeto, porque en esta película no existe y, sin embargo, el juez de origen judío es de una pulcritud espectacular, que casi hiere.

 

EL CLUB DE LA LUCHA (1999)

    El club de la lucha es una película que marcó el final de siglo suponiendo un punto y seguido en ese cine hipnótico y psicológico tan fin de época constituyendo una de las mejores películas de David Fincher. No en vano es una auténtica joya del cine de culto porque su guión es de una gran densidad y potencia. Se puede hablar de un exceso de violencia, que si violencia gratuíta, etc. pero yo solo veo la historia, el guión,  y me atrapa, no me importa tanta violencia sino que existan los ingredientes necesarios para contar lo que se quiere contar. A pesar de las malas críticas que obtuvo en su estreno para mi no cabe duda que es una obra revisable y con muchos mensajes que en un primer momento pasan desapercibidos. Además, el humor negro que destila me pirra.

   He descrito la película de hipnótica y casi onírica porque todo lo que vemos, en un entorno de una gran ciudad, o gran parte de ello, tiene mucho de paradoja, de sueño de un demente, en un entorno ciertamente hostil, oscuro, casi diabólico que deja bastante desconcertado la primera vez que la ves. En mi caso no pude terminarla en su día por un exceso de somnolencia bien es cierto que era a altas horas de la madrugada y mi sueño en aquella época atravesaba ya severas dificultades. Era una espinita clavada en mi subconsciente, siempre deseando volver a verla. Para esta ocasión me pertreché con una buena dosis de cafeína para no perder ni un ápice de las locuras de un fantástico, como siempre, Edward Norton ( como me gusta este actor) junto a un no desdeñable Brad Pitt ( para mi, una de sus mejores interpretaciones).

   Pues bien, hay que decir que podemos ver la película como una crítica social o, al menos, como una lucha contra ella,  contra sus convencionalismos, contra el aburrimiento y apatía de un trabajo de oficinista regularmente remunerado u otra ocupación cualquiera. Y también una lucha contra el interior de las personas, contra nuestro sistema límbico, ese que está en la frente y mantenemos desde que éramos animales. Pero una lucha fallida pues este se impone en una orgía delirante de violencia, sangre y autodestrucción.  Se podría hablar de una película antisistema, que pretende derribar los muros de nuestro modelo, que derrumba grandes rascacielos de oficinas y derrumba el interior de nuestra propia alma.

   Todo es un cúmulo  de brutalidad y autodestrucción con diálogos impactantes entre Norton y su alter ego, Pitt, una especie de Jeckyl y Hyde postmodernos con situaciones indescriptibles e insólitas. La música de Dust Brothers  acompaña a ese tremendo desquicie de manera muy efectiva. Y que coño, me sentí muy reflejado en Norton, esas noches interminables sin dormir, ese médico que se niega a recertarte nada porque puedes hacer ejercicio y una vida sana y demás sandeces. Este pobre hombre se va a ir volviendo loco aunque asistiendo a terapias de grupo, cuando se desahoga de sus incomprensiones, sobre todo en las tetazas gigantescas de un castrado y hormonado grandullón, consigue dormir. Pero algo ha estado ya larvando en su cabecita que le llevará al paroxismo. La figura de Tyler Durden es icónica y paradigmática y, como alter ego de Norton, consigue arrastrarlo a esa espiral de autodestrucción , a ese antihéroe que tanto nos fascina.  

   

Como crítica negativa es cierto que la historia puede cojear por muchos lados, las costuras se rompen pero, ¿en cuál no?. Si hasta Hitchkock tiene fallos de guión. Pues bien, es cierto que no se entiende muy bien como consigue convencer a tan enorme número de adeptos al club de la lucha, como lo hace en un local tan escondidas sin que nadie se entere ( hasta el final) y otros "peros" que se le pueden hacer como que su jefe no se de cuenta antes, a la vista de las magulladuras con las que siempre acude al trabajo, del camino a la perdición que ha emprendido. Pues todo eso a mi me da igual,  habrá quién diga que la película es de crítica social hacia el consumismo y el sucio mundo capitalista, sobre los problemas de nuestra sociedad, etc. Otros dirán que "nanái del peluquín", que ellos no compran este subproducto, pseudoprogre o psudointelectual. Yo también pensé como ellos por momentos, pero me quedo con la película en conjunto, con sus diálogos, su velocidad endiablada, con esa casa mugrienta y abandonada donde malviven de lujo los dos protagonistas y con esa primera parte de humor negro acudiendo a todo tipo de terapias, incluída la de los castrados por cáncer de testículos, una enfermedad muy difundida hoy día.

     El proyecto Mayhem es el responsable de sembrar el terror por toda la ciudad, disponiendo en los pilares de un gran número de rascacielos de las cargas de explosivo necesarias para convertirla en un infierno. Este terrorismo es el que prefigura ese pequeño club generado en torno a un grupo de insomnes descontentos con sus vidas y dispuestos a autolesionarse para sentirse mejor, en un gigantesco acto de sadomasoquismo. Cada espectador, por tanto, debe dejar de lado sus valores o escoger los que más le interesen para llegar a su propia conclusión. Para mi es un terror delicioso, como ya he señalado. Un gran trabajo del duo Northon- Pitt, no tanto de Boham-Carter, pero sí de Fincher, que realiza otra obra sublime del nihilismo, como ya hiciera con Seven.

  

SÉ QUIÉN ERES ( 2000)

   Curioso thriller nacional con connotaciones políticas aceptablemente dirigido por la directora Patricia Ferreira, en su ópera prima, y que pasó bastante desapercibido en su momento pero que nos ofrece una buena trama policíaca y unas espléndidas interpretaciones, en especial la del argentino Miguel Ángel Solá, que consigue actuar sin deje lingüístico materno con la dificultad que eso entraña. Ana Fernández tambíen brilla a gran altura, aunque a menor nivel que este primero. 
    Evidentemente el mayor lastre que tiene la película es su nacionalidad, puesto que la producción, de haber sido hollywoodiense posiblemente estaríamos hablando   de una estimable obra de  cine negro, aunque últimamente en la industria californiana también han metido mucho la pata.

   La acción transcurre en diversos escenarios.El primero es un psiquiátrico gallego, bastante destartalado por cierto, al cual llega una joven psiquiatra, ávida de conocimiento y  con muchas ganas de reciclarse tras su paso por un hospital madrileño, desengaño amoroso incluído. Allí va a conocer al personaje que será el eje de toda la trama: Mario ( Miguel Ángel Solá).  Es un personaje inquietante pues, en principio, nada recuerda desde un punto concreto de su vida, en el año 77, en plena transición política y ese dato será clave para el posterior desarrollo de los acontecimientos. 

   Sufre el síndrome de Kosakoff: sus recuerdos duran segundos, se olvida de todo lo que ha hecho y conocido en la escena inmediatamente anterior, lo cual atrae el interés de Paloma ( Ana Fernández). Pronto el tratamiento comienza a desvelar contradicciones, temores a algo desconocido por él en esos momentos pero que abre la historia a un pasado convulso de la historia de España. Paloma se ve cada vez más intrigada por la historia que Mario consigue ir recordando lentamente gracias a una medicación controlada de anfetaminas ( el mismo tratamiento para la hiperactividad de los niños).  Poco a poco la doctora se ve atraída por la personalidad de Mario. Surgirá así una estrecha relación médico-paciente que pondrá a prueba los afectos mutuos.

    Muy pronto alguien querrá asesinar a Mario,no sabemos bien porqué pero es alguien de la policía o los servicios secretos. Aquí aparece un jovencísimo Luis Tosar de esbirro asesino con su correspondiente gabardina a lo Humprey Bogart. Después de sobrevivir al intento de homicidio Paloma consigue ocultar a Mario en una casa de campo de una amiga íntima y, mientras tanto, investigar qué está pasando. 

   Intenta que Mario recupere su memoria. Él hace unos dibujos a carboncillo sin mucho sentido pero que después serán clave en la resolución del asunto. Y comienza a recordar cada vez más cosas, la protagonista siente que está utilizando demasiada medicación pero él no quiere olvidar de nuevo y  más ahora que ha encontrado a su verdadero amor.  La historia se vuelve un tanto rocambolesca, con poca sensación de verosimilitud, pero que consigue, como mínimo, mantener la atención del espectador ante el desenlace final.

    Podemos enmarcar la película en el período convulso de la transición española, cuando los servicios secretos del régimen tenían que lidiar con todo tipo de extremismos dispuestos a destruir al nuevo régimen naciente ( por la derecha y por la izquierda). El ruido de sables era ensordecedor y alguien se tenía que ocupar de desactivarlo. Los asesinatos contra los altos mandos militares impulsaron toda una guerra sucia amparada por las altas instancias de seguridad. Y la puntilla la puso la legalización del Partido Comunista, en un Sábado Santo donde Suárez, por sorpresa, engaña a toda la cúpula militar a la que había prometido que jamás lo haría. Ello generará que muchas corrientes de extrema derecha traten de paralizar el proceso.

   Ahí aparecerá este grupo parapolicial que tratará de impedir que Mario recupere su memoria porque pondría en peligro un secreto que todos quieren olvidar y un asesinato político dentro de la maraña de relaciones y subterfugios utilizados en la España de la transición.  El relato es un tanto superficial, solo esboza a los personajes, no profundiza mucho más y deja algunos huecos de importancia que no son aclarados. Los saltos temporales tampoco están muy bien explicados  Un desenlace algo frío y previsible que lastra una  película que podía haber dado mucho más de sí teniendo en cuenta el punto de partida inicial. Las amnesias son un recurso un tanto manido para dar emoción a la trama, la forma de curarla es poco creíble y el tramo final nos presenta un personaje clave que no había aparecido en el resto del metraje y que toma el relevo, que margina a los protagonistas a un lugar casi secundario.

     

  Lo mejor como decimos el papel de Solá que salva en gran parte las lagunas que el guión nos presenta. Da coherencia a la película, a una trama negrísima y política que desvela los agujeros de una transición de la que queda mucho todavía por conocer.  Aceptable ópera prima de Ferreira aunque intuimos una falta de medios cinematográficos que no permiten a esta interesante historia llegar a la altura de otras primeras películas de la talla de "Tesis".

AMENAZA EN LA SOMBRA ( 1973 )

   Película dificil de definir, podemos decir que es de un extraordinario suspense con Venecia como telón de fondo. Pero es una película de pérdidas, de amor exaltado,  un drama total y un thriler  psicológico. En realidad es inclasificable. La película fue definida en su día como de culto aunque hay que reconocer que no ha envejecido muy bien y resulta, por momentos, monótona, sobre todo porque los momentos de mayor intensidad se producen distanciados entre sí y el metraje se estira en exceso.

   La historia comienza con una terrible desgracia para una pareja con hijos que vive en la campiña inglesa. Jugando cerca de un estanque la niña se ahoga aunque parece intuirse en el protagonista, momentos antes del fatal accidente, una especie de premonición. Una sensación extraña se produce en este arquitecto y restaurador, John Baxter ( Donald Sutherland), casado con una bellísima mujer, fotógrafa, llamada Laura ( Julie Christie). 

   La pérdida terrible conduce al mágico escenario de una Venecia brumosa, entre tinieblas, en donde, años después, aparecen nuestros protagonistas en acción: él, restaurando una antiquísima iglesia, ella pasando unos días con su marido. El hijo pequeño permanece en un internado en Inglaterra.

   De repente aparece una pareja de mujeres que, casualmente, coinciden con Laura y John en un restaurante. Son dos hermanas, una de ellas ciega, pero quizás sea la que más ve. En los aseos del restaurante revela a Laura que ha visto a una niña pequeña al lado de la pareja. Parece ser que tiene poderes paranormales. Pero en el espectador aparece  una desasosegante sensación de que hay gato encerrado, que no es posible que su hija les acompañe siempre y en todo momento, pero ¿Cómo estas dos ancianas, que están de paso en Venecia, de turismo, conozcan su secreto y sus vidas privadas?. ¿ Puede ser todo un intrincado complot que quiere acabar con los protagonistas y que estas viejas, feas y con aspecto de brujas forman parte de él ?. Esta sensación no desaparece en todo el metraje. 

   John, ateo, incrédulo, piensa que su mujer está perdiendo los papeles y que debe descansar, dejar de pensar en aquel trágico suceso. Se niega a aceptar lo sobrenatural y discute con Laura. Se produce entonces, en el hotel, una fuerte escena de sexo, casi explícito, que aunque no tiene mucho que ver con la trama, nos mantiene atentos durante largos minutos. Es un sexo que para la época debió ser un auténtico escándalo. La pareja se reconcilia.

   Mientras tanto en Venecia aparece un asesino en serie que deja tras de sí una huella de crímenes horrendos. Las ancianas aparecen paseando por los puentes y canales muy cerca de los crímenes. Baxter sufre algún que otro incidente de gravedad, sigue a las ancianas. Su mujer y él reciben la noticia ( premonitoriamente soñada por Jonh) de que su hijo ha sufrido un accidente. Entonces Laura viaja en avión a Londres.

   Jonh se dirige a su obra, a seguir su tarea de restaurador jefe para un famoso cardenal, a cargo de dicha parroquia. Cree volverse loco cuando, atravesando el gran canal, ve en una lancha a las dos viejas con su mujer. Acude a la policía que no se cree nada. La atmósfera se hace tremendamente agobiante. El espectador no sabe realmente que es lo que está pasando, el complot, la manía persecutoria, las ancianas, los crímenes, la extraña actitud de la policía italiana, el extraño papel del cardenal, los accidentes casi mortales que sufre John en un andamio. 

Venecia como telón de fondo, pero no es la preciosa ciudad surcada de canales, sino una mucho  más fantasmagórica donde el espectador puede esperar que suceda cualquier cosa inesperada a la vuelta de un callejón lóbrego. Un acierto del director es combinar esa Venecia lóbrega con imágenes de la riqueza monumental de la ciudad, pero mostrando un espacio-tiempo auténticamente sórdido e inquietante.  Siendo una película de terror aparente, no se abusa de lo gore, es más sutil, utilizando la cámara, los planos y el montaje, así como el extraordinario papel de los dos protagonistas. La banda sonora acompaña muy bien a esa atmósfera que atrapa, de la que parece no poder haber escapatoria. Recordemos que ella parece no haber podido salir en avión cuando aparece en el gran canal. Venecia se convierte en una cárcel con una muy cuidada ambientación que consigue su objetivo: preparar al espectador para el desenlace.

  Finalmente uno llega a la conclusión de que es una oportunidad perdida, porque si bien el guión es bueno, no acaba de concluir la historia como sería deseable.   Quizás no acaba de ser una pelicula redonda,el montaje es casi elíptico y con saturación de repetición de planos, nos ofrece un velo en ocasiones pretencioso que lastra por momentos la película, un exceso de manierismo que sobra por completo. 

El desenlace final es de un surrealismo tal que el espectador no acaba de procesar, después del metraje, que es lo que ha pasado realmente. Obviamente se responden preguntas que no se querían responder, desde el punto de vista de nuestra lógica cotidiana, pero ese simbolismo tan crudo soñado repetitivamente por el protagonista se invierte de una manera atroz, bajo la impotencia de una bellísima Julie Christie.

  Recomendable si queremos pasar una tarde de suspense bajo la pesada imagen de una decadente Venecia, aunque excesivamente monótona en  ocasiones, no la recomendaría a personas que no quuieran darle vueltas a lo inexplicable. El final puede dejar a más de uno con dos pares de narices, cabrearnos o dejar volar nuestra imaginación. Esta sería la mejor opción.

SECUESTRADOS (2010)

   Impactante película española. Una rara avis dentro de nuestra filmografía ya que es difícil encontrar películas que dejen un sabor de boca tan desagradable dentro de una trama claustrofóbica que parece no tener fin, que provoquen una tremenda descarga de adrenalina.. El espectador desea en todo momento ese fin, aunque sea un mal rato maravillosamente rodado.     Lo que se  narra es un terrible secuestro de una acomodada familia en su propia casa por tres encapuchados. Rodada de manera muy sencilla, con muy poco presupuesto y con muchos planos secuencia, nos introduce el director dentro de esa casa y de ese terrible suceso.

 El espectador sufre porque siente que está allí y porque  que le puede pasar de un momento a otro. No deja ninguna posibilidad a la compasión, nos inunda de gritos y escenas espeluznantes. Es una película descarnada, sin posibilidad de análisis sociales, es la realidad, la dura realidad. Es como si el director estuviese viendo a través de un cristal el interior de ese chalet y narrando exclusivamente lo que ve, sin dejar lugar a posible interpretaciones.

 Las interpretaciones son bastante creíbles, sobre todo Manuela Vellés y Ana Wagner. Ambas consiguen el objetivo de convencer en sus papeles, en esa ansiedad y frustración trufadas de terror asfixiante. Película muy interesante pero poco recomendable para quien no quiera pasar un mal rato  y levantarse del asiento como si le hubiesen dado una buena hostia.

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Exótica

    Atom Egoyan es de esos directores que siempre dejan su huella en las empresas que llevan a cabo. Exótica fue la película que lo"puso en circulación" en los círculos cinéfilos, que lo dió a conocer.  Ha llevado a cabo otras películas de gran éxito como "Ararat" o "El dulce porvenir". 

    Exótica es un gran puzzle que debemos construir conforme avanza la trama. Todo comienza ( al menos la trama principal) en un club de streptease de algún barrio bajo de Toronto en el cual una chica llamada Cristina baila para los clientes por 5 dólares. Un día llega un inspector de hacienda y solicita sus servicios estableciéndose una relación muy peculiar entre ellos y que sólo al final descubriremos de que cariz es. Igualmente aparecen otras líneas argumentales que aparentemente no nos dicen nada pero que se irán cruzando al final.  El director juega con imágenes fijas, repetitivas, con las que nos quiere decir algo que todavía no acertamos a saber. De igual manera la fotografía y los ambientes son sombríos, oscuros, como anticipándonos el resultado final de toda la trama.  Una película muy recomendable para los que gusten de tramas complejas y para los que no le molesten las regresiones temporales ( no tan exageradas como las de Lynch).   

 Para finalizar señalar que  el erotismo que desprende la película es solamente una excusa para crear un clima perturbador, ayudado de una banda sonora magnífica.

EL INTERCAMBIO

El intercambio es una de las últimas películas de Clint Eastwood. Hay que reconocer que el cineasta norteamericano se ha convertido en uno de los "grandes" del cine. Sin embargo en El intercambio, no logra atrapar al espectador como en otras películas suyas como "Mystic River" o "Gran Torino". La acción transcurre en Los Angeles, año 1928. Christine Collins (Angelina Jolie) es una madre soltera de los suburbios cuyo hijo desaparece sin dejar rastro. Meses después la policía dice haberlo encontrado, pero nada más verlo asegura que ese chico no es su hijo. A pesar de estar segura de ello, y en medio de la confusión, Christine se lleva a casa al niño, pero insiste en que se continue la búsqueda de su verdadero hijo. Tachada de loca e incapacitada por la policía, por fin encuentra un aliado en el reverendo Briegleb (John Malkovich), que la ayudará en su lucha contra la mentira del "intercambio".   “El Intercambio” es una película aceptable si te gustan los dramas.  Pero si no te gustan los dramas probablemente esta película no es para ti. Destacar la actuación del siempre grande Jonh Malkovic.

 

El trailer aquí:

 

CARRETERA PERDIDA

Ayer vi en mi casa "Carretera Perdida", obra del inigualable David Lynch. La verdad es que conocía a este cineasta únicamente por " El hombre Elefante", película que me vi hace muchos años y me impresionó muy gratamente. Carretera Perdida es una película que yo calificaría como " paranoica-crítica" (emulando al genial Salvador Dalí,puro surrealismo). El argumento es completamente circular y tratar de entender lo que ha pasado en el film una vez terminada su visión es labor absolutamente infructuosa. La película comienza siendo un thriller psicológico y acaba siendo una experiencia inigualable para los que la han visto.
El film trata sobre un músico de jazz que vive con su esposa, a los cuales les comienzan a llegar una serie de misteriosos videos con filmaciones del exterior e interior de su casa. Eso es sólo el comienzo y me tiento a contar más, pero como sabrán no me gusta dar muchos detalles sobre la trama, ya que le quita un poco de sentido a lapelícula. Lo que tengo que aclarar es que las actuaciones me parecen excelentes, sobre todo la de Robert Loggia (Mr. Eddy).

Si bien evidentemente no es una película para cualquiera, pienso que a los lectores del blog les puede llegar a gustar y que además a quienes les llegue les va a fascinar, casi podría decir que la van a amar. Recomiendo que no la vean tratando de darle sentido a todo, sino que abran la cabeza y vayan más allá, que interpreten las cosas a su manera.

Es de destacar la magnífica banda sonora, de una extraordinaria fuerza, y el poder de la fotografía y las imágenes con las que David Lynch nos bombardea constantemente.Salvaje,atractiva,desconcertante....pero simplemente genial.