LOS DUELISTAS (1977)

   El color, una magistral exhibición de color, de luces y sombras, de escenarios muy cuidados, de cuadros románticos a lo Constable, bucólicos quedarán indelebles en nuestra retina al margen de todo lo demás, de la extraordinaria puesta en escena, de los decorados y exteriores, del atrezzo y el cuidadísmo maquillaje y, sobre todo, de la historia propiamente dicha. Porque es una película histórica que exuda poesía, centrada en la era napoleónica y su precipitado final, en donde dos militares franceses del mismo rango, tenientes, se enzarzan en un duelo a muerte ininterrumpido en el tiempo, nunca del todo resuelto y que se va eternizando, que no culmina hasta que, precisamente, francia cambia de época, Napoleón es derrotado y comienza la etapa del nuevo rey Luis (XVIII). Un odio infinito, un encono, que podría perfectamente haber estado representado en otra época y circunstancias, si bien no en todas las sociedades la disputa por el honor se dirimía en un duelo a espada o pistola.

   Deja helado saber que esta película es una ópera prima y que el director es el renombrado Ridley Scott. Su buen hacer está presente a lo largo de una película bien rodada, con una estética como decíamos muy lograda, de época, un tanto esteticista, que utilizará en otras de sus grandes producciones. Scott hace todo un alarde de capacidad técnica en la dirección cinematográfica, planos secuencia, primeros planos, trávelings y muchos más elementos técnicos. En este caso toda la acción dramática está dominada por la lucha, el duelo constante entre dos personas que reflejan dos mundos paralelos y contradictorios: El teniente de húsares, noble y realista Armand D'Hubert (Keith Carradine) y el teniente Ferraud (Harvey Keitel), de un estrato social inferior y retorcidamente bonapartista.

  Todo comienza con el soberbio e iracundo Ferraud diputándo el honor ultrajado del emperador, un duelo de honor que será reprobado por la superioridad. Entonces entra en escena D'Hubert, que es enviado para detenerlo y meterlo entre rejas. Sin embargo no es capaz de apresarlo y por el contrario acaba batiéndose a duelo con el propio Ferraud, irreverente e irrespetuoso, dando comienzo a un periplo por toda Europa, según avanzan las guerras napoleónicas, donde se batirán en duelos que siempre acaban en tablas, si bien es siempre Ferraud el que obsesivamente busca a D'Humbert para finalizar su disputa de honor. Esos duelos son como combates dentro de una guerra, como algo personal entre un ser decadente y acabado y otro que ha de resistir a toda costa, un ser digno que debe aceptar con resignación vivir con dignidad. Scott nos traslada al contexto de las guerras napoleónicas distribuyendo la película en capitulos según avanzan hacia Rusia, en donde quedarán terriblemente congelados y destruídos, uno de los momentos más sobrecogedores del film.

    Vaughan-Hughes entreteje el guión que basado en un relato de Joseph Conrad recoge esta dicotomía del honor que no es personal sino ideológico y esa lucha eterna a la que finalmente no se pueden resistir ambos contendientes, por mucho tiempo que haya pasado desde las últimas tablas. La imagen final de la película nos transmite la idea de la derrota bonapartista en Santa Elena y además nos remite a la pintura bucólica de  Friedrich. La fotografía de Frank Tidy merece capítulo aparte y, como decíamos al principio, es magistral.  El color y la luz se entremezclan en interiores y exteriores. En los primeros la claridad emana desde las ventanas y en los vegetales exteriores los cielos grises se entremezclan con la luz y las sombras creando una magnífica sensación cromática. Por otro lado todo está perfectamente cuidado en la película, incluído el atrezo y el vestuario, generando un verismo sorprendente. Creemos habernos trasladado a aquella época, mucho más cuando vemos esos duelos de honor, con esos sables y espadas resonando en nuestra cabeza machaconamente. 

    La música de Howard Blake consigue traladar ese toque de época decadente, de final de un mundo y comienzo de otro, que tanto nos recuerda esta película. Magnífico ejercicio cinematográfico de Ridley Scott en la que fue su primera obra, una película inolvidable que logra trasladarnos como si dispusiésemos de una máquina del tiempo a una época en la que el honor y la lealtad estaba por encima de todo.

VACAS (1992)

    Ópera prima de Julio Médem, ya es una obra maestra, es una película que no puede dejar indiferente a nadie. Película de culto (al menos para mí) representa ya desde este primer eslabón una cadena que esperemos que dure todavía décadas. La genialidad de Médem en retratar obsesiones de una manera única comienza con buen pie desde el momento en el que Manuel, el aizkolari cobarde, queda completamente alucinado con el ojo de una vaca. Ese ojo lleno de moscas que es el único testigo ( al menos para él) que sabe de su bajeza. Más tarde, ya anciano, pintará obsesivamente vacas, que no dejan de ser alegorías de su remordimiento.  Porque Manuel Irigibel, buen leñador vasco, no puede superar un atávico terror a las armas, a la muerte y queda completamente paralizado en las trincheras mientras los liberales han masacrado a toda la columna carlista a la que pertenece,  incluído Carmelo Mendiluce, también aizkolari, esto es, el que corta troncos con un hacha,  rival en el noble deporte de cortar leña a destajo, la aizkolaritza, tradición vasca y de otras regiones españolas y europeas. Estamos en plena 3ª Guerra Carlista, el frente vasco como siempre, lugar carlista por antonomasia (ver las gorritas rojas de la ertzaintza). Manuel se embadurnará con la sangre todavía fresca de Carmelo, que suplica ayuda moribundo. Pero su miedo le hará hacerse pasar por muerto amontonado en una amalgama informe de cadáveres camino de la fosa común. Aunque un carro le destroza la rodilla, sigue muerto, sin pulso, sin vida aparente. Y ya nunca recuperará su vida normal, será un muerto en vida pintando vacas y soñando con un tronco destrozado y sin vida que es el agujero que conduce al mismísimo infierno.

     De repente veremos a una nueva generación de vascos, las mismas familias (o quizás la misma) con ese odio, unos 35 años después. Manuel anciano y cojo de por vida  pintando vacas junto a sus nietas, ¿influencia daliniana en el autor?. Su hijo, fiel retrato suyo de adolescente, un siempre apabullante Carmelo Gómez que realiza tres papeles en uno. Ahora es Ignacio y la disputa se traslada al terreno que ya anuncia el inicio de la película: la tala de troncos y las apuestas entre vecinos y viandantes. Ignacio contra el vecino Juan, un muy notable Cándido Uranga, que interpreta dos valiosos papeles. Aunque parece que la disputa va más allá del deporte, vemos el odio entre caseríos tan cercanos. Triunfa Ignacio, que se hace popular y recorre las tierras euskaldunas en loor de multitudes mientras Juan se resiente de su derrota, se aisla del mundo, hasta de su familia: se vuelve loco y tendrá una relevancia en el desenlace de la trama de suma importancia, en un regreso al carlismo de su padre, ya en plena Guerra Civil Española.

    Otros personajes son de gran importancia, no solo el abuelo que continúa obsesionado por las vacas y por el agujero profundo, sino sus nietos y los habitantes del caserío contiguo: Pilar Bardem, como Paulina es como la mamma siciliana de su clan, dominando a todos, incluso a Juan, ya derrotado. Aparece también una todavía prometedora Ana Torrent a pesar de su carrera infantil con Saura. Ella es Catalina, la hermana de Juan.  Aquí aparece una especie de aventura shakesperiana, ya que ella se enamora del rival de su familia y, en particular de su hermano, el fortachón Ignacio y van a procrear en un adulterio que destruirá el matrimonio. Sin embargo, el fruto de su infidelidad recurrente, es su hijo Peru Irigibel que siente una admiración por su medio hermana Cristina ( Emma Suárez). Ambos se idolatran, ambos se quieren, ella 15 años mayor que él, pero estarán muy unidos.

   A lo largo de toda esta trama propia de Cien años de soledad, de esta saga, vemos el deterioro cada vez mayor de Juan, el hermano de Catalina, dictador y violento, se volverá completamente loco no recuperando su cordura hasta su enrolamiento en las filas nacionales, en la guerra del 36. Vemos también el amor cada vez más intenso entre los medio hermanos, vemos las escapadas amorosas, ya con automóvil, de Ignacio y Catalina que tanto disgustan a Madalena ( Klara Badiola), su mujer y madre de sus hijos "legítimos".  Vemos también como la historia nos habla del exilio por razones económicas hacia américa de parte de la familia Irigibel y el retorno de Peru como fotógrafo en la Guerra Civil y cómo, otra vez, surge el amor, un amor fraternal pero real, como la vida misma, quizás imposible, pero no por ello menos intenso. Cristina no ha podido olvidar a Peru y este, casado  y con hijos, regresa al caserío en pleno comienzo de la sublevación militar, como fotógrafo para un periódico inglés. Pero en realidad regresa por Cristina a la que nunca podrá poseer. Los momentos dramáticos son muy intensos pero finalmente el loco tío de Peru le salva la vida.

    Las interpretaciones están a la altura del magnífico y potente guión de Médem, tanto los ya nombrados Carmelo Gómez, Ana Torrent y Emma Suárez. Especial atención al anciano Txema Blasco, que es el primer componente de la saga de leñadores, el que se hace pasar por muerto, el que queda atrapado en el ojo de la vaca y, después, en todo tipo de artilugios que, como una cámara fotográfica, consigan atrapar la realidad a través del interior de un agujero.  Karra Elejalde quizás sea el más flojo pero no desmerece en el conjunto, su papel, espontáneo e intermitente resume todas las tensiones dramáticas del guión.

 

   La mezcla de todos estos efectos visuales y el impacto que producen en el espectador, la música de Alberto Iglesias que desconcierta y aumenta la tensión dramática y el simbolismo ya presente en esta primera obra completa de Julio Médem. En la retina propia quedan elementos como el ya citado tronco muerto del árbol, que es como un descenso a los infiernos tradicionales vascos, el espantapájaros que, mediante un resorte, siega en forma circular todo lo que se atreva a pasar por allí o el muñeco-trampa que, hacha en mano, pretende atrapar a cuantos jabalíes se atrevan a adentrarse en el pequeño mundo que constituyen estos aislados caseríos. Pero es que el mismo bosque, con su maleza, nos conduce a un escenario terrorífico y tensional, emocional que nos mantiene en vilo durante todo el metraje. Una historia original y perturbadora que es simplemente Julio Médem en estado de gracia.

ALBERT NOBBS (2011)

  Glenn Close buscaba con esta producción en la que ella pone también la pasta conseguir su ansiado Oscar y lo cierto es que a punto estuvo de ello. Sin embargo, en esta ocasión no se lo merecía. No digo que no haga un buen papel como el retraído  y pusilánime mayordomo de un viejo hotel dublinés del siglo XIX. Pero el excesivo maquillaje ( no sé porque tanto con sus facciones hombrunas) y su encorsetada manera de actuar ( quizás todo el atrezzo de ir disfrazada de hombre lo necesitaba) le resta mucha credibilidad, aunque como digo, siempre Close está bien, pero deja escapar una oportunidad a huevo. Por otro lado la película ( con varias nominaciones al Óscar) no aporta mucho a la consabida historia de la mujer que tiene que fingir ser hombre para poder subsistir en una sociedad machista y arcaizante. Nobbs atiende desde hace décadas en un hotel aristocrático y, como todo el servicio, habita en las habitaciones del ático. Debajo de un trozo del suelo deposita todos sus ahorros, que han llegado a ser ingentes. Su ilusión sería ahorrar lo suficiente para establecerse por su cuenta pero la soledad le atenaza.

   Un día llega un pintor para reparar algunos desconchones del avejentado edificio. Como debe hacer cama la regente decide que duerma en la habitación de Nobbs. Él se resiste pero finalmente debe dormir con el grandullón pintor de brocha gorda. El problema se suscita cuando una pulga le obliga a desnudarse advirtiendo entoces su compañero que es una mujer. Aterrorizado, Nobbs le promete  el oro y el moro para que no revele su secreto, que le costaría el trabajo y el honor. Sin embargo, sorprendido, descubre que el pintor grandote es también una mujer que se hace pasar por un hombruno obrero, es un travesti. Y para su sorpresa, está casado con una mujer. Esta actriz, Janet McTeer, está soberbia en su papel. Ella ( o él) consiguen animar a Nobbs, que sueña con tener también esposa y regentar un pequeño estanco. La elegida por Albert parece ser una de las camareras, muy mona ella (  Mia Wasikowska), en un nuevo papel a su medida. El problema o inconveniente es que se ha enamorado de un truhan que la deja embarazada.(todo muy tópico y típico, ¿verdad?).

    Como podemos comprobar la historia es lo de siempre, está muy trillada ya, en mi opinión. No aporta nada nuevo, solo el ver a una desesperada Close en busca de reconocimiento en un papel inverso al de Tootsie ( Dustin Hoffman) pero que no llega ni a la altura del betún. Técnica y formalmente la película está bien, aceptable: buena ambientación y escenografía adecuada, vestuario correctamente seleccionado y escenas agradables de exteriores, como la de la playa. Los decorados interiores muy conseguidos también. La música correcta y preciosa la canción de Sidney O'Connor.  Y el director, Rodrigo García, continúa aquí su carrera ascendente.

 Sin embargo la película se queda en un ensayo a mayor gloria de Glenn Close aunque no hay que desdeñar la enseñanaza social que aporta, de una Irlanda puritana y atrasada, pacata, vergonzante, extremadamente dominada por el catolicismo imperante y la relación de este mundo con una homosexualidad que se debe esconder a toda costa.  

 

LOS FANTASMAS DE GOYA (2006)

      Francisco de Goya y Lucientes fue uno de los mayores innovadores de la Historia de la pintura. Lo malo de la película, en mi opinión, es que Goya queda un tanto marginado de toda la trama. Es  prácticamente irrelevante su aparición. No se pone el acento en su personalidad y en su obra. La historia se centra más en los aspectos truculentos de la historia de la protagonista femenina, Inés( Natalie Portman) que siendo de la mediana nobleza, es entregada a la inquisición donde sufre todo tipo de vejaciones y torturas. Su verdugo es el cruel padre Lorenzo ( Javier Bardem) que llegará a violarla en la lúgubre y fétida prisión. 

   Los padres de ella, desconociendo su destino acuden a Goya( que la había retratado) para que interceda por ella, sabedores de que Lorenzo es un cliente distinguido y que también está siendo retratado por el pintor. Pero de nada sirve esa mediación, tan solo queda el buen sabor de boca de ver cómo es humillado y vilipendiado por el padre en una cena a la que se había comprometido a asistir  y en la que se había negado a ayudar a la familia de la pobre chica.

  Por los avatares de la invasión napoleónica y la Guerra de Independencia, la inquisición será abolida y España, gracias a los afrancesados de los que Goya era seguidor, comenzará, bajo el reinado de José Bonaparte, a avanzar en un todavía incipiente liberalismo. El padre Lorenzo huirá y, después aparecerá en España convertido en un revolucionario, transmutado en sus ideas, encarcelará a los que antes habían sido sus compañeros de torturas. Entonces traerá mujer e hijos.

 Mientras tanto ya Inés, desdentada y enferma mental, había sido liberada al desaparecer la inquisición. Los terribles años en presidio dejan en ella unas enormes secuelas. Ella querrá encontrar a su hijita, arrebatada por la siniestra organización religiosa. Acudirá a Goya, pues sus padres han muerto fruto del fulgor revolucionario y ambos tratarán de encontrarla. Goya pedirá ayuda al antes cura e inquisidor y ahora oficial napoleónico pero, otra vez, será vil y cruel con su anterior víctima. No hará nada por ayudarla, la internará en un manicomio, empeorando todavía si cabe su delicada situación mental.  La hija, Alicia, fiel retrato de la madre, interpretada por la  misma Portman, no llegará a conocer a la madre y será prostituta para ganarse el sustento.

   La película es muy mejorable por toda una serie de avatares. Parece imposible así calificarla con la dirección de Milos forman, guión de Jean-Claude Carrière y los actores de primer nivel que actúan: Bardem, Portman, etc. y sin embargo el que mejor está en su papel es Skarsgard como Goya que aunque no decisivo en el argumento, hace una interpretación más que creíble. Bardem está muy mal, no sabemos si por su propio auto-doblaje.  Y Portman, con su belleza arrebatadora que siempre sabe ganarse el favor del público, está justita, aunque tiene el mérito de interpretar dos personajes que tienen matices diferentes y aparecer en el primer papel, el de Inés, como un monstruo que emerge del  averno de la inquisición. Se hace difícil verla es ese estado de fealdad, ella que es un mito sexual en cada cosa que toca.  Por lo que respecta a Forman podemos decir que su dirección está bastante desacertada: planos muy cortos con muchos primeros que no saben extraer la expresividad y el sufrimiento que los personajes principales sufren.

   El guión es muy irregular aunque posiblemente por ser excesivamente ambicioso: trata de abordar demasiados aspectos de la sociedad española de la época de Goya, con sus cambios históricos tan rápidos, evoluciones e involuciones incluídas, una gran carnaval de personajes y situaciones a cual más complejas. Es pretencioso y por eso naufraga aunque no omite elementos positivos como la progresión dramática, tan negra como toda la época que retrata. La ambientación, atrezzo y vestuario logra una recreación bastante fidedigna, no se esperaba menos en una superproducción norteamericana.

 

  Es por tanto una obra de dolor y sufrimiento, que Forman martiriza con esos planos cortos de los que hablábamos, hay que verla así. Una película del sufrimiento de todo un pueblo ( el español), de unas clases privilegiadas que ven perder esos privilegios por obra y gracia de la revolución, de Inés y su familia martirizada por el anacrónico Santo Oficio y por Lorenzo, de su hija desconocida Alicia, criada en un orfanato y llevada  a la prostitución y de Francisco de Goya que pasaba por allí y que no es capaz de sustentar nada, con su sordera, alejamiento, dolor y olvido. Un mundo de fantasmas que solo el genio de Goya supo retratar en su excelsa obra pictórica.

LINCOLN ( 2012)

   Después de ver en pantalla gigante la última obra de Spilberg, salgo con un sabor agridulce porque he visto una gran obra cinematográfica, unas interpretaciones magníficas, sobre todo un enorme, fabuloso, gigante, las palabras se quedan cortas para hablar de esta interpretación de Daniel Day-Lewis en el papel protagonista. El regustillo amargo puede estar centrado, en mi caso, en el excesivo metraje y en la lentitud de la película. Aunque no es óbice para dejar de alabar esta excelente recreación de la lucha final de Lincoln por conseguir la aprobación de la decimotercera enmienda aboliendo formalmente la esclavitud en los Estados Unidos. Luchas enfrentadas que nos ponen de manifiesto la actualidad de lo que se cuenta en la película, las dificultades que una verdadera democracia impone a los acuerdos entre ejecutivo y legislativo cuando estos están verdaderamente separados. Y como, en una situación extrema, en plena Guerra Civil, prácticamente derrotado el ejército confederado, hay que convencer a los diputados, representantes de pequeños distritos que no están dispuestos a renunciar a sus convicciones o al interés de sus electores anteponiendo estos, incluso a las necesidades nacionales o a la abolición de la esclavitud por imposición de un presidente que actua ciertamente como un dictador cuando trata de doblegar al legislativo. Y a fe que lo consigue, como bien sabemos, pero también con una dura lucha, tan violenta en lo dialéctico como la propia conflagración armada.

  Me recuerda a las grandes películas del cine norteamericano de los  60 y 70 que abordaban el cine político, esa maravillosa y recomendable Tempestad sobre Whasington, siempre revisable, del genial Otto Premingger. En otro plano y época pretérita evidentemente. En esta ocasión Spilberg logra extraer la esencia misma del personaje, humanizándolo, lo vemos como cercano a nosotros, como un hombre más, lejos de esa imagen de líder sobrehumano que logró llevar a su nación a la unidad tras la guerra y que puso en pie la abolición de la esclavitud.

    En ese asunto se centra el guión, en los titánicos esfuerzos del presidente, con la oposición incluso de su propio gobierno, de aprobar cuanto antes, incluso por delante de la ansiada paz, la enmienda que declare abolida toda clase de esclavitud, haciendo patente la declaración de igualdad que la propia constitución preveía. Y a fe que la lucha es enorme, primero debe convencer a su gabinete y, después a los representantes de su partido, el republicano, sobre todo al ala más conservadora, reticente a votar a favor. Ahí contará con el apoyo de un magnífico Tadeus Stevens ( Tommy Lee Jones) que está que se sale en una caracterización acertadísima ( al igual que el resto de protagonistas). El líder del ala radical del partido republicano mueve sus hilos y lleva a cabo una serie de intervenciones en la cámara de representantes que conmueven y que consiguen atraer a su causa a todo el partido republicano. Sin embargo, eran necesarios 3/4 partes de los votos y para ello necesitaban,  además, el voto de 20 representantes demócratas, contrarios a la abolición en principio ( primero acabar la guerra y después ya se vería). Pero Lincoln sabía que si no se aprobaba la enmienda, una vez terminada la guerra, se olvidarían de ello y dejarían de aplicar su decreto presidencial que garantizaba la igualdad. Para no que todo ello no cayera en agua de borrajas, se debía tratar de aprobar la enmienda de inmediato. 

  Para lograr convencer a los demócratas, van a utilizar la corrupción política, algo muy poco frecuentemente mostrado en la imagen impoluta que Lincoln guarda en el imaginario norteamericano. Pero no son los yankees pacatos en este sentido y, al menos en su cine, muestran todo, incluidas las miserias de su ídolos. Lo importante, en aplicación de Maquiavelo, es lograr un bien mayor aunque haya que utilizar la treta que haga falta. En  este sentido, Lincoln autoriza a W.N. Bilbo ( James Spader), periodista y abogado a sobornar  a un grupo de congresistas a los que ofrecen cargos públicos si votan a favor. También intervienen otros miembros del gobierno y hasta el propio Lincoln que, con sus discursos, trata de persuadir a los representantes. Pero será duro, la minoría demócrata tiene entre sus filas a afilados oradores que son capaces de echar abajo cualquier argumentación a favor de los negros.

 

   También es muy interesante el dilema moral que se le presenta al propio Lincoln: si es preferible abolir inmediatamente la esclavitud aunque eso cueste muchas más muertes en el frente o llegar ya a la paz con el sur a pesar de que nunca se pueda aplicar la abolición en estos estados. Optará por lo primero, pero las dudas están presentes, incluso cuando su hijo mayor decide alistarse en el ejército.

  

    Memorables son los debates en la cámara, una cámara en la que se abuchean y hay dialéctica de gran altura, pero una cámara en la que priman intereses divergentes. Emocionante el momento histórico en el que se comprueban que están los votos necesarios. Incluso se sigue la votación en el cuartel general de los Estados Unidos mediante el telégrafo. Se van anotando los votos, en una interminable y agónica votación. Los soldados negros aguardan emocionados el resultado final. El general Grant está presente es esos trascendentales momentos en otra extraordinaria caracterización.

  En general los actores están todos muy acertados, desde el gran Day-Lewis ( con su tercer Óscar de la academia), pasando por una acertada Sally Field como mujer de Lincoln, que sabe en todo momento ser una mujer temperamental que se enfrenta y aconseja a su marido, el citado Tomy Lee Jones y un largo etcétera de actuaciones muy logradas.

  Una gran película que nos devuelve ese cine político bien elaborado, con una historia de guerra como telón de fondo. Un cine soberbio, bien rodado como siempre en un maestro como Spielberg, un buen guión, una magnífica fotografía y una escenografía muy conseguida. No se porqué no tuvo el Óscar a la mejor película a pesar de obtener 2 y 13 nominaciones. Cine épico de grandes vuelos, del que poco abunda.

HYSTERIA ( 2011)

  Agradable y recomendable comedia basada en hechos reales, de carácter feminista, con el trasfondo de la Inglaterra de finales del  siglo XIX, en la que el doctor  Mortimer Granville ( Hugh Dancy) después de ayudar a muchas mujeres a superar su histeria a base de masturbaciones manuales, acaba fabricando el primer consolador eléctrico. 

  Todo empieza con el  doctor Robert Dalrympe( Johantan Pryce) que, en su consulta psiquiátrica, introduce la masturbación femenina como terapia para acabar con los pesares de muchas mujeres, con algunos de los que el consideraba síntomas de histeria, pero que en realidad no eran más que pequeñas depresiones acompañadas de insomnio, malestar general y mal humor. De manera deshinibida este doctor introduce esta técnica de carácter sexual y , en la puritana sociedad británica victoriana, es lo que más llama la atención, lo que choca y provoca la sonrisa del espectador. Naturalmente sus pacientes, numerosas, están entusiasmadas con esta nueva técnica que, sin saberlo el venerable doctor, está provocando extraordinaros orgasmos en mujeres que en su vida privada marital seguramente nunca lo habían conocido.  Y eso por eso que su consulta no para de crecer. 

   El doctor es viudo y vive con sus dos hijas. Una, más recatada y  formal, Emily, es la pura imagen de la mujer típica del puritanismo victoriano. La otra, Charlotte, una extraordinaria Maggie Gyllenhaal, es todo lo contrario: feminista y luchadora por los más desvalidos, abandonará el calor del hogar paterno para mantener un pequeño hospicio donde lucha por cuidar y curar a los desheredados. Al mismo tiempo defiende el sufragismo y el derecho de las mujeres a la igualdad.  

   Un día, el joven y apuesto Doctor Granville, encuentra trabajo como ayudante de la consulta del Doctor Dalrympe. Inocente, observa el tratamiento que este realiza, manualmente, a sus pacientes para calmarles su histeria y su  rostro se transforma: queda impresionado y un tanto escandalizado pero acepta el trabajo. Comienza, con cierta torpeza, a practicar las masturbaciones a las mujeres, mayoritariamente entradas en edad. Pero pronto afina su mano y la consulta comienza a desbordarse. Un problema en su muñeca, tras una larga temporada dándole al "manubrio", le lleva al fracaso y a su despido porque queda inútil para seguir dando placer a las venerables señoras.

  Entonces, casualmente, en la vivienda de un aristócrata y vividor amigo, descubre la solución perfecta para no tener que sufrir molestas tendinitis en la mano a consecuencia del desmadre masturbatorio. Junto con su amigo, inventa una especie de vibrador que se atreve a probar de vuelta en la consulta con las pacientes de Dalrympe. Así consigue poner en marcha una revolución sexual que llegará a oidos de la mismísima Reina Victoria.

   La película aborda el concepto de sexualidad femenina que existía en aquel período victoriano, la idea de que el orgasmo femenino era como una reacción alocada, algo antinatural, que paradogicamente servía de terapia de choque para este excéntrico doctor. 

También es una comedia romántica un tanto manida, la relación que enseguida se establece entre el joven doctor y la hija más recatada y, después, la aparición de la otra hija, la rebelde, que acaba atrayendo su atención. En ese sentido la película fracasa, es demasiado convencional y previsible, quedando finalmente como una película que siendo simpática no acaba de cuajar.

  El guión está bien trabajado, sobre todo en esa reflexión sobre el papel de la mujer y las tremendas  desigualdades sociales que existían en la Inglaterra de finales del XIX. Logra también una lograda ambientación histórica en la que vemos también el papel y los métodos de la ciencia médica en aquel entonces, todavía arcaicos y los avances en este campo. Sin embargo todos estos temas, por tratarse de una comedia, son abordados de manera superficial. La película podía haber dado mucho más de sí. Sin embargo es un buen entretenimiento que nos enseña cosas, con lo cual consigue sus  objetivos en parte ya  que permite extrapolar muchos aspectos de la sociedad de aquel tiempo con la actual.  El reparto hace una brillante labor interpretativa, no solo los principales actores, sino también los secundarios, que no desmerecen a los primeros.

   Además es una película de mujeres hecha por una mujer, la directora Tanya Wexler, casi debutante y que habrá que seguir con detenimiento en el futuro. Se nota ese punto de vista feminista y reivindicativo aunque con el acertado logro de hacer que todo ello sea visto desde la óptica masculina, bien es cierto que desde una óptica masculina abierta, dispuesta a aceptar que la mujer no sea un mero objeto decorativo y juegue en la sociedad un papel mucho más igualitario