Z. (1969)

   Una de las obras  maestras de la filmografía de  Costa-Gavras, la película que lo catapultó a la fama dentro del género con el que más se identifica, el cine de denuncia política. Asímismo, su film más premiado y valorado, con hasta 19 nominaciones en diferentes festivales que dejan constancia del impacto que en su momento tuvo así como de su calidad. Es cierto que la película constituye todo un alegato contra el totalitarismo ejercido por gobiernos dictatoriales, en especial aquellos de la segunda mitad del siglo XX dirigidos por militares, incluso aquellos que se autoproclamaban democráticos pero que además de votar cada cierto tiempo, poco más tenían de ello. Vemos los caracteres propios del fascismo de estado en sus inicios, digamos en sus primeros pasos, es decir, un fascismo en el gobierno que permite  la existencia de oposición pero que la reprime directa o indirectamente, a través de organizaciones paramilitares o políticas a la sombra del poder. Es por tanto en ese sentido una película  también atemporal puesto que lo que denuncia se sigue produciendo y, por desgracia, seguirá ocurriendo en muchas naciones del mundo.

   Z es una obra de denuncia de todo eso, sirviéndose de un país imaginario aunque, y esto no es revelar nada, deja entrever la situación de la grecia de los años 60, controlada por los militares y más tarde aprisionada en la dictadura de los coroneles. Un líder opositor de un partido de izquierdas y pacifista, Z, es asesinado en plena calle durante la celebración  de un mítin político. Z era un hombre carismático que arrastraba a las masas y, plenamente consciente del riesgo que corría al celebrar la conferencia en aquella situación, vemos como el gobierno, que se supone democrático, no hace nada para evitar el atentado. Muy pronto vemos como detrás del asesinato está un grupo secreto de extrema derecha que cuenta con el beneplácito del ejecutivo. Pero incluso en aquella situación, en la que las libertades están coartadas por un gobierno elegido democráticamente que impide a la oposición desarrollarse plenamente y en libertad, surge la figura de un juez independiente que se atreve a hacer su trabajo. Y con su trabajo, con sus pesquisas, va emergiendo a la luz la clara conspiración que llevó al asesinato político del diputado opositor. Alrededor de este caos generado por el crimen emerge también la figura de un periodista indagativo, que hace más fotos de las convenientes y que, gracias a su sagaz labor, permite poner a disposición del juez de instrucción una serie de pruebas irrefutables. Cuando la justicia comienza a trabajar en libertad y a detener a los verdaderos responsables ese poder gubernamental supuestamente democrático dejará de disimular e impondrá la dictadura total y absoluta.

   Por tanto lo que construye Costa-Gavras en un frenético thriller político que se decanta claramente por la denuncia de las dictaduras militares de extrema derecha. No lo esconde ni trata de ser hipócrita: toda la narración, el guión, está centrado en una historia basada en hechos reales aunque trate de enmascararlo en un país imaginario. Costas denuncia su Grecia natal basándose en el asesinato del político griego Grigoris Lambrakis en 1963. La novela del escritor Vassilis Vassilikos sirve de base para el magnífico guión de Jorge Semprún ( que fuera ministro de cultura en los primeros gobiernos socialistas de Felipe González). Es una visión amarga y a la vez satírica, cómica de la dictadura militar griega, a la que denuncia implícitamente. La película tiene un prólogo y un epílogo que son escalofriantes. El prólogo es clarificador  ya que  los jerifaltes de esa dictadura no declarada se reunen en secreto con el objetivo de desacreditar y desactivar a la oposición izquierdista, tolerada pero reprimida. Allí deciden que hay que cortar por lo sano. El desarrollo de la historia es trepidante y escalofriante al mismo tiempo, vemos con que impunidad actúan los sicarios de la extrema derecha, tolerados por el poder. Tras el asesinato ante testigos, el gobierno trata de hacerlo pasar por un accidente, un simple atropello. Pero nosotros sabemos que no es así, que su cráneo ha sido reventado a propósito ante la mirada pasiva de la policía. Entonces aparce el fotógrafo mirón e irrespetuoso que todo lo registra ( vemos una crítica poco disimulada del periodismo sensacionalista)  y el juez instructor que decide por su cuenta y riesgo investigar la verdad a pesar de las advertencias del poder ejecutivo. El epílogo es sencillamente descorazonador y tremendamente realista o ¿es qué pesábamos que un poder omnímodo iba a permitir la detención y encarcelamiento de sus propios líderes?. Vemos el desenlace histórico: el golpe de estado de los coroneles, en 1967 que acaba con los restos de aquella corrupta democracia que no era tal. Mejor el original que la copia, podrían haber dicho los militares. 

  El trabajo de dirección no es tan importante, lo que cuenta es el documento histórico que narra, que sirve de denuncia. Gavras se centra más en este aspecto y descuida otros elementos formales del lenguaje cinematográfico, creando siempre en sus películas ambientes quasi documentalescos donde lo importante es el mesaje. No obstante hace uso de una variedad de recursos técnicos narrativos y técnicos, con contínuos saltos temporales, utilización de  planos cortos, generales y primeros planos, uso contínuo del  zoom logrando de esta manera centrar mucho más la atención del espectador en determinados momentos dramáticos o personajes individuales. Con todo ello logra aquí su trabajo más logrado, su obra icónica, que no ha enevejecido todo lo bien que debiera puesto que resulta demasiado pesada por momentos, un tanto lacónica y algo inverosímil aunque sabemos de antemano que estamos viendo algo basado en hechos verídicos.

  Los actores están magníficos. Se creen sus papeles y logran trasmitir su angustia y su lucha cotra la persecución implacable del poder autocrático logrando hacernos creíbles esos personajes entre los que destaca por encima de todo un dignísimo Yves Montand como Z, el pacifista político asesinado ante las obscenas y pasivas miradas de los servicios de seguridad y un excepcional Jean-Louis Trintignant en el papel del juez instructor que va evolucionando, primero aparece como dócil al servicio del poder y después lo vemos como digno acusador de la indecencia y corrupción de un régimen bastardo. Irene Papas, en el papel de Hélène, la esposa engañada de Z, realiza una pequeña aportación casi testimonial, sin diálogos, pero su sola presencia llena la pantalla, muda ante los sucesos que están aconteciendo a su alrededor. No son los únicos que rozan a gran nivel puesto que en general, incluso aquellos que interpretan a unos personajes mitad siniestros mitad ridículos, hacen un buen trabajo.

  Una buenísima banda sonora de Mikis Theodorakis pone el colofón a este auténtico documento histórico , a una joya necesaria como casi todas las obras del director greco-francés. La frase que aparece en los títulos de crédito, al principio, es del todo esclarecedora de ese cine comprometido de Costas: "Cualquier parecido con la realidad no es fruto del azar, es voluntario", todo un manifiesto de intenciones, de compromiso ante la verdad, ofenda a quien ofenda. No en vano ha sido un director maldito para un determinado sector de público y crítica poco adscrito a un cine político descarnado, sin concesiones al capitalismo duro.

LA SOGA (1948)

  Estamos ante una de las obras clave dentro de la intensa y emocionante filmografía de Alfred Hitchkock, el genio del suspense. En este caso parece que estemos asistiendo a una representación teatral porque toda la película se desarrolla en un pequeño salón con vistas a la ciudad de Nueva York. Este recurso multiplica la emoción que la historia ofrece al espectador, una historia enferma, un primer shock nos aguarda. Porque cuando la cámara penetra en la estancia después de un breve travelling desde una calle neoyorkina dos jóvenes acaban de estrangular con una cuerda, con la soga, a otro que conocían previamente (no desvelamos nada con esto). De hecho acaban de asesinar a uno de los invitados a su macabra fiesta, al que habían citado con antelación. Una fiesta de la que solo ellos conocen su verdadero significado.  Brandon y Philip han llevado a término, como habían planeado y teorizado desde mucho tiempo atrás, el crimen perfecto, con el solo propósito de la satisfacción de perpetrar el crimen por el crimen, sin ningún otro móvil.  Intentan poner en práctica eso que el ensayista británico  Thomas de Quincey  en su  asesinato como una de las bellas artes proponía con sorna. Y así lo dispone Brandon, auténtico cerebro de la maquiavélica idea. Philip solo es su comparsa, un ser que para su amigo Brandon no deja de ser un mediocre al que convenientemente ha manipulado para ejecutar su diabólico plan. La idea de perpetrar un asesinato por el placer de hacerlo y porque ellos son "hombres superiores" y que, por tanto, tienen derecho a quitar la vida a un mediocre mortal está presente en la ideología de Brandon.

  

Además todo puede resultar todavía más apetitoso si el asesinado es uno de los invitados a la fiesta. Si encima esconden el cuerpo en un arcón antiguo en el que suelen guardar libros y, en un arrebato de genialidad, Brandon dispone que el refrigerio se sirva encima del mismo, el acto de asesinar se convierte en un placer. Nuestro protagonista se cree por encima del bien y del mal, piensa con clarividencia que es un superhombre, en la acepción nietzscheana del concepto.  El espectador, por tanto, sabe ya quienes son los asesinos, su motivación, su móvil. Lo interesante de la película es cómo, durante el desarrollo de la fiesta, esa a la que jamás parece llegar  David Kentley pero en la que su cadáver yace en el arcón, se suceden una serie de escenas y situaciones que llevan a los asesinos a ser devorados por el monstruo de la culpa, encarnada en su profesor de criminalística, Rupert Cadell, el invitado estrella y con el que pretenden jugar al gato y al ratón, poniendo en evidencia que el crimen perfecto existe, contradiciendo sus tesis más académicas. A partir de ahí el desenlace será el previsto y anunciado por las sospechas que el docto profesor, interpretado de manera magistral por James Stewart, va recabando conforme transcurre la fiesta en ese maravilloso ático neoyorquino.

   El guión es una auténtica joya. Consigue establecer una estructura narrativa de una única escena, de 80 minutos de duración, en la que suceden todos los hechos ya reseñados. Está basado en una obra de teatro que se insira en un caso real de homicidio acaecido en los años 20 y está escrito por Hume Cronyn.  Por ese aspecto teatral que mantiene al espectador dentro del habitáculo del apartamento todo se centra en la actuación de los actores como si estuviésemos viendo la escena de un teatro. Lucen y brillan especialmente James Stewart en su papel del profesor Rupert Cadell y John Dall que representa fielmente ese personaje perverso e infinitamente inteligente, dandy, guapo y con buena posición social. 

   Una escenografía teatral, un salón del ático con magníficas vistas al skyline neoyorquino que nos ofrece un único punto de fuga, unas vistas obviamente fingidas y que parecen estar ahí, mirando, cual voyeur que, impenitente, observa sabedor del enigma, el desarrollo de los acontecimientos. Nueva York observa, mira la escena y nos mira contínuamente a  nosotros, espectadores. Magnífico recurso visual que acentúa la sensación que Hitchkock quiere provocar en el espectador desde el principio: la ansiedad, el sobresalto continuo, sobre todo cuando los asistentes son invitados a comer el refrigerio encima del arcón que es ya un ataúd.

  La cámara nos acerca cada vez más al arcón, que es uno de los objetos fetiche que elige en esta ocasión el director para que el espectador dirija su atención hacia él, igual que utiliza otros elementos icónicos como la cuerda o las velas encima. Un éxtasis de paroxismo nos sacude cuando llega ese momento en el que la empleada del hogar se dispone a quitar el mantel y abrir el arcón para colocar los libros. Sin embargo, Philip, en un arranque de genialidad consigue evitar el desbaratamiento de su diabólico plan. Hitchcock juega con nosotros al gato y al ratón. El director nos demuestra en esta película como la maldad del ser humano puede llegar a ser infinita y que la mejor educación no es óbice para evitarla: los asesinos dialogando amigablemente con el padre de la persona que acaban de asesinar, la sangre fría de Brandon y las dudas de Philip, al que corroe la culpa.   

La música de L.F. Forbstein prácticamente pasa desapercibida en esta primera película en color del maestro británico. Se limita a acrecentar en momentos puntuales el suspense con el añadido de la música de piano de Poulenc que interpreta uno de los asesinos, Philip. En definitiva, una película que queda indeleble en nuestro recuerdo, una de las grandes de Hitchcok, de esas que solo el maestro británico sabía elaborar con gran virtuosismo. Intensa y enferma.

EL CUERPO (2012)

  Sorpresa agradable del último cine español. Magnífico thriller que va increscendo a lo largo de su metraje en una película de misterio, asesinatos y supuestas apariciones sobrenaturales con un final auténticamente impactante que justifica plenamente su visionado. De esos finales que te dejan aturdido y sin aliento, sorprendido, pensativo, encajando piezas que no pensabas que fuera necesario encajar porque todo lo dejabas del lado de  lo sobrenatural pero finalmente la mano del hombre está más presente de lo que parece.

   Para ser la ópera prima de su director, Oriol Paulo, guionista también de otras películas de suspense como "los ojos de Julia", lo cierto es que está cuidadosamente rodada, con una fotógrafía oscura y mortecina que aumenta ese buscado suspense, esa intriga que nos acogota durante todo el metraje. La historia trata de la desaparición de un cuerpo en una morgue. El misterio está servido. ¿Dónde está el cuerpo y porqué el guardia de seguridad salió despavorido, presa del terror, siendo atropellado en la carretera por otro vehículo y falleciendo al instante?. La policía revisa las cintas del vídeo dónde se ve al segurata salir huyendo como alma que lleva al diablo.¿Ha visto un fantasma, es que acaso ha visto a la muerta fuera de su fría nevera en la sala de fiambres?. El misterio está servido. La muerta es Mayka Villaverde (Belén Rueda), una rica empresaria casada con Álex Ulloa (Hugo Silva). Cuando la policía llama a Álex este queda, como es lógico, tremendamente alterado. ¿Su mujer ha vuelto de entre los muertos o es que acaso algún gracioso ha robado el cuerpo?. Las dudas se acrecentan por ese sentimiento de culpa que tiene el que ha asesinado a su mujer para estar con su amante. ¿venganza, miedo?. Un conjunto de sensaciones embargan a Álex, que es reclamado por la policía e interrogado por el inspector Jaime Peña ( José Coronado), que no duda de su culpabilidad: alguien tiene que haber escondido el cadáver y ser el responsable de la muerte del guardia de seguridad. En una habitación lúgubre del edificio siniestro en el que se encuentra la morgue comienza el interrogatorio. Lo que sucede después es altamente perturbador e inexplicable y conduce al espectador a ese estado de nerviosismo y suspense que, mostrando a cuentagota y en estupendos flashbacks el asesinato de Mayka y la relación de Álex con su amante Carla ( Aura Garrido) que parece haber descubierto su mujer, no deja lugar a dudas de que alguien pretende amargar la existencia a Álex, a lo mejor la propia Mayka.

     Es una auténtica sorpresa porque el film es muy entretenido y atrapa, a pesar de que hay momentos en los que piensas que todo el guión es una completa chorrada. Y sin embargo la historia va enganchando progresivamente. Pasas de la típica película de fantasmas que se aparecen y regresan de la muerte para vengarse por su asesinato a algo mucho más profundo e incisivo, lejos del mundo del averno. Por tanto el guión está muy bien trabajado, consiguiendo un final de los que sorprenden, de esos que encajan todas las piezas del puzzle de una manera totalmente inesperada y justifican una entrada de cine o una descarga a diestro y siniestro.

  En lo que respecta a las interpretaciones merecen destacarse los papeles de un Jose Coronado últimamente muy inspirado, como el detective incisivo y sin escrúpulos que presiona lo indecible a Álex porque no se cree la vesión sobrenatural a pesar de que todo apunta a ella. Es el personaje clave que nos dejará helados al final de la trama. Belén Rueda regresa a una magnífica interpretación, llena de fuerza, en unos flashbacks en los que es fiel esposa enamorada de su marido y que después es traicionada, pero ella guardará su sublime venganza. Hugo Silva está correcto en el papel quizás más difícil, el de asesino incofeso que ya duda de todo porque no sabe que ha pasado con el cuerpo de su exmujer y lucha por salir del atolladero y regresar a los brazos de su amante, la jovencita Carla, interpretación muy lograda de Aura Garrido.

   Una magnífica ópera prima de un director que habrá que seguir con lupa, un prometedor hitchcock patrio. Esperamos que nos siga deleitando con más y más suspense. Un perfecto y deleitoso producto de entretenimiento que nos hará pasar un mal rato.

  

CRIMEN PERFECTO (1954)

    Genial cine de crímenes y suspese de Hitchckok, una de las mejores películas de su filmografía. En un espacio reducido a un salón comedor de un bello hogar londinense de aspecto victoriano se desarrolla esta enrevesada trama en la que un marido agraviado por los cuernos de la mujer con un amigo escritor y sabedor de su jugosa herencia planea una sofisticada forma de quitarsela de enmedio sin despertar ninguna sospecha. El crimen perfecto. Todo está calculado al milímetro. Tan solo necesita la colaboración de un delincuente común al que convenientemente chantajea para que realice el trabajo por él. El asesino material deberá ejecutar su macabra misión tras una conveniente llamada por teléfono del marido que permitirá que su esposa salga de la cama y coja el teléfono. Entonces el vil criminal estrangulará a la bella pero infiel esposa. Y aquí paz y después gloria piensa Tony Wendice (Ray Milland), el marido. Pero resulta que la bella damisela se revuelve, se estira y agarra unas potentes tijeras que fulminan al criminal. Entonces comienzan a surgir las complicaciones y el crimen perfecto se empieza a desmoronar. No obstante Tony muy habilmente trata de reconducir el caso. Y consigue que su mujer sea declarada culpable de homicidio aunque todo dará un giro inesperado que amenazará con dar al traste todo su diabólico plan.

   Es puro cine de suspense Hitchckokiano. Es un chute en vena que siempre resulta deslumbrante, inteligente, atrevido, impetuoso. No me canso de verlo. En realidad hay que decir que es la traslación de una obra de teatro al séptimo arte. Todo el thriller se circunscribe a las cuatro paredes de la casa. Ello consigue generar mayor sentimiento de claustrofobia, algo que el maestro siempre buscaba. Quizás no alcanza a La soga, otra de su obras fundementales que, como esta, encontrará en el escenario del crimen la solución al mismo. Destaca sobre todo el papel de Ray Milland, ese Tony Wendice endiabladamente inteligente que sabe improvisar sobre la marcha cuando los acontecimientos se tuercen con una soltura deslumbrante. Es casi un genio del asesinato, hasta sabe mal que no consiga su objetivo por su maldad congénita, casi diabólica. Porque finalmente la inteligencia y perspicacia de un anciano detective encontrará, en el momento límite, cuando todo parece indicar que Tony conseguirá que su plan sea perfecto, la clave de bóveda, la llave que resuelve todo el entuerto. Es curioso como Hitchock utiliza precisamente ese elemento para resolver el enigma.

   El guión es brillante porque la trama está perfectamente elaborada, meticulosamente engrasada,  cuidando cada detalle para que todo encaje a la perfección. En cada secuencia introduce la tensión necesaria con vuelcos argumentales contínuos que nos sorprenden cada vez más ofreciéndonos las dosis necesarias para no parpadear apenas, para dejarnos exhaustos con un final muy imaginativo, imprevisible y brillante. Hitchock se ríe de nosotros, juega con nuestras emociones gracias al genial dominio de los tiempos, de los momentos narrativos.

   Los actores están francamente brillantes, sobre todo un magnífico Ray Milland, soberbio, arrebatador. Los gestos, las facciones parecen perfectamente esculpidas para reflejar las emociones, el odio hacia el escritor que le ha robado a su mujer, la hipocresía, el aguante ante situaciones casi desesperadas. Es de esas interpretaciones en las que el villano consigue transmutarse en héroe sublime, perfecto, resultandonos tremendamente simpático aunque sepamos de la vileza de su crimen. Grace Kelly interpreta a Margot, una bella y dulce  mujer atrapada por su deseo hacia otro hombre.  Como siempre está correcta, no sobresaliente pero es la Kelly, siempre arrebatadoramente bella y elegante.  Robert Cummings es el escritor y amante Mark Halliday resolviendo con brillantez su papel de comparsa en la trama principal, un papel ambiguo que parece rozar con su mente la solución del asunto. Y magnífico el papel de John Williams como el inspector Hubbard, ese venerable anciano, tranquilo y sagaz que conseguirá con su flema británica cautivar al espectador, un papel escueto pero magníficamente interpretado. 

  En cuanto a la realización destacaremos aspectos habituales en el cine del autor británico: un cuidadoso uso del travelling, unas secuencias donde la cámara está quieta, inmovil, cual documentalista que se limita a filmar lo que esos animales de la interpretación se aprestan a llevar a cabo. Y ese voyer que mira desde un punto subjetivo, particular, ofreciéndonos su propia visión de los hechos desde diversos puntos de la habitación con planos a veces imposibles que propician una enorme expresividad y tensión emocional. ¿Dónde esta Hitchcock?, deberán adivinarlo, pero estar está, como en todas sus películas, en un cameo casi inapreciable.  Como curiosidad destacar que fue rodada con la cámara de visión natural de Gunzberg que permitía su proyección en tres dimensiones.

  Otra obra maestra del maestro, quizás no entre el grupo colosal que forman cintas como Psicosis o Vértigo pero fundamental en su filmografría. Una nueva reflexión sobre el crimen perfecto, sobre su materalización e imposibilidad porque el crimen perfecto no existe, solo sucede que, en ocasiones,no aparece la persona precisa para dar con el enigma.

A PLENO SOL (1960)

  

  A pleno sol es uno de los mejores thrillers del cine europeo de todos los tiempos, un mangnífico producto de cine negro, basado en la novela El talento de Mr. Ripley de Patricia Highsmith décadas después reversionada, incluso con saga incluída, que logra despuntar en plena época de la Nouvelle Vague francesa.  Tom Ripley es un sinvergüenza, un tipejo sin escrúpulos que es contratado por un multimillonario americano para que encuentre a su hijo y consiga hacerlo regresar a casa. Ripley está encarnado por Alain Delon, en uno de los papeles que le hizo despuntar como sex symbol y lanzó su carrera al estrellato. Encuentra al joven en Italia y se hace amigo suyo. Este joven es Philip Greenleaf   hijo del millonario que derrocha su dinero y su vida en un interminable viaje por Italia. Es un vividor que enseguida atrae al propio Ripley por su forma de ser, de tratar a las mujeres, de estar siempre de farra, de levantarse a las mil y de navegar con su precioso velero por las islas del Tirreno.

   Se trata de un niño mimado al que su padre quiere de regreso a los EE.UU. para acabar con su carrera de playboy. Maurice Ronet interpreta magníficamente este personaje sin límites que tiene una novia a la que no hace mucho caso y, en ocasiones, desprecia. La chica, Marge Duval, interpretada por una Marie Laforet casi debutante y que borda su papel, es despreciada por Philip, es humillada por el en diversas ocasiones pero ella lo sigue amando. A todo esto Ripley ya se ha hecho amigo de Philip, vive su vida, sale de juerga y también se enamora de la bella muchacha, historiadora del arte que está escribiendo sobre Fray Angélico. 

   Pero no es solo eso lo que le gusta de Philip, sino todo: se identifica con el, le gusta su forma de vida desmesurada, observa como se dirige a la oficina bancaria para sacar todo el dinero que su padre regularmente le envía. En el fondo lo  envidia y quisiera ser el. En una escena del  principio Philipp descubre a Ripley vestido con su ropa y besándose a si mismo en un espejo, creyendo ser Philipp.  Pronto se embarcarán en un pequeño crucero hacia taormina, por el bello mediterráneo siciliano. 

  Es una película de suplantaciones de personalidad ya que Ripley querrá ser Greenleaf y lo será. Nadie sospechará durante cierto tiempo pero poco a poco se irá viendo cercado por sus propios errores. Una película que aborda las complejidades del ser humano, las envidias que corroen el alma, las necesidades al fin y al cabo de todo mortal y como estas pueden converger  en el más primario institinto criminal.  La película se basa en una novela de la nortemericana Patricia Highsmith, otra de cuyas novelas ya había sido adaptada por Hitchcok, de ahí que Gégauff, guionista adapte la novela

con toques hitchockianos. Tanto es así que el asunto del crimen perfecto es también una de las tramas más destacadas del film. A pesar de que Ripley, con su sangre fría, parece a salvo de cualquier mácula de sospecha, nunca existe la total perfección. Un grave error de cálculo le acabará costando muy caro.

   La extraordinaria banda sonora de Nino Rota y la fotografía son muy buenas. Esta última porque logra atrapar el magnífico brillo y tonalidad de Italia, de esa Italia del sur, en particular de los escenarios naturales y urbanos en la que está magníficamente ambientada: Roma, espectacular como siempre, Taormina y la isla de Ischia con su luz embriagadora del mediterráneo y su pintorescoo puerto pesquero. 

   Henry Decae, el fotógrafo de la Nouvelle Vague, proporciona un aspecto suntuoso a las localizaciones marítimas. Utiliza colores muy vivos y atrayentes. La dirección de Clement utiliza planos plenos de colorido, sin descuidar la luz de los escenarios. Por otro lado, Clement es capaz de distanciarse del drama, sin utilizar efectismos desmesurados, sino la luz, que es la base de toda la película. Utiliza siempre los pequeños detalles, los analiza y los recompone para el espectador que tiene que hacer un trabajo psicológico profundo.

  Los actores están fabulosos, empezando por Maurice Ronet en el papel de ese chuleta vividor y acabando por un Alain Delon en estado de gracia que interpreta poderosamente todo lo negro, lo oscuro y lo siniestro de un personaje sin escrúpulos. Mirada felina y sangre fría en los momentos más comprometidos, capacidad de cálculo para salir airoso de los más obtusos trances. Delon es diabólico, poniendo su propia belleza física al servicio de una expresividad llena de matices. Consigue así ser el eje de la película  ejecutando una interpretación magistral. 

   A pleno sol se trata ya de un auténtico clásico del noir europeo, una  película que consigue una luz que refleja lo siniestro de un plan maquiavélico y delirante en la que los principales actores brillan a una altura magistral. Imprescindible.

A SANGRE FRÍA (1967)

  Excepcional y helador film de Richard Brooks basado en la novela-investigación homónima del excéntrico escritor estadounidense Truman Capote. Brooks nos sumerge en un cine negro puro, apasionante y agotador. Y es que es un Thriller con todas las de la ley, de asesinatos, de delincuentes comunes corroídos por una sociedad inhumana y cruel, hijos de familias desestructuradas que habían dado con sus huesos en la cárcel repetidas veces. También es una Road-Movie de lo siniestro que sobrecoge, que acongoja y que apasiona en dosis parejas. 

    Con actores muy poco conocidos se crea una atmósfera que muestra excepcionalemente la idea primordial del film que no es otra que ese retrato psicológico del duo criminal, ese sinsentido criminal y demente que les lleva a perpretar el atroz asesinato de una tranquila y apacible familia del interior de los Estados Unidos. Un crimen absurdo en apariencia, con un botín de unos cuantos dólares, pero que guarda relación con el pasado tortuoso de los asesinos. Ese momento, el del crimen, aparece muy pronto en el metraje de la película pero el director nos lo oculta, conscientemente, para mostrárnoslo en el tramo final en toda su crudeza, cerca del del juicio, cuando ya estamos derrotados.

   Nos coge por sorpresa y nos levanta de nuestro posible adormecimiento. Es por eso una película incómoda y altamente intranquilizadora. Desde luego, después de ver el largo metraje nos ronda durante un rato el pensamiento del crimen por el crimen, cuando no hay botín ni ningun ajuste de por medio. De si nos podría pasar una noche a nosotros en nuestros hogares, de si existen chavales desarraigados igual que los que vemos durante los más de 100 minutos asfixiantes, llenos de alicientes sorprendentes eso sí, pero agobiantes al fin y al cabo.

   La familia Clutter, sencillo matrimonio mayor, madre enferma y encamada, padre en trance de jubilación e los hijos en plena adolescencia, con ilusiones universitarias, de salir a la vida, sufre ese espantoso crimen por parte de Perry Smith y Dicke Hickock. Pero, en realidad, la maldad que se ha apoderado de ellos los domina y los incita a la violencia, al crimen. El análisis psicológico que Brooks-Capote realiza de ambos es excepcional como ya comentaba. Pero hay mucho más: porque tanto como la vida de esta escoria de la sociedad la película es la historia detectivesca, de búsqueda en un pajar, por parte del comisario Alvin Dewey, un excepcional John Forsythe, sí el de Dinastía, que realiza una labor dura, inflexible y brillante para conseguir detener a la pareja asesina. Esa es la historia y, además, hay una maravillosa reflexión en torno a la pena de muerte, a su pertinencia, su sentido, su conveniencia. Alguien reflexina algo así como: "los matamos pero, después de ellos aparecerán muchos más....su muerte es en vano, no sirve para nada".

  Técnicamente la película es muy buena. El blanco y negro de el tono perfecto y preciso a la narración tortuosa de las andanzas de los asesinos, esa fotografía es extraordinaria, del mejor y más puro  Noir.  Los ambientes que aparecen, entremezclados, de la ciudad y el medio rural, del día y de la noche, esa penumbra está mejor que bien utilizada en cada momento preciso. También el ambiente carcelario está muy bien tratado.  Además los planos  están muy bien rodados, desde diversos puntos de vista, medios planos, primeros, subjetivos, picados y contrapicados...todo para dar esa sensación de ritmo cinematográfico y dramatismo total. Los flashbacks precisos para que veamos los horrores y traumas que acompañaron a esos chicos de pueblo, víctimas en cualquier caso. Para que todo sea redondo en esta gran película tenemos una inquietante música a cargo de Quincy Jones.

  Los actores, poco conocidos a excepción de Forsyte, que borda un serio papel, rayan a gran altura, todos sin excepción, pero especialmente la pareja homicida, Perry ( Robert Blake), extraordinario con esa estética rockera, a lo Elvis, con brillantina y patillas y Dick ( Scott Wilson) ese delgaducho rubio de ojos malignos que en todo momento muestra su frialdad, con esa despreocupación y parsimonia a lo largo de la huida. Una película imprescindible, dura y real, como la vida misma. Y otro libro pendiente de lectura obligatoria, otro más de Capote.

CREMATORIO (2011)

 

   Una de las mejores series de televisión o, mejor dicho, miniserie, que los telespectadores españoles han tenido la oportunidad de disfrutar. Con un magnífico guión, duro y creíble, centrado en la corrupción política y su realción con las mafias del este y de la construcción en la costa mediterránea ( en una imaginaria Misent, que es, claramente, alguna ciudad del levante español)  la historia se va desarrollando lentamente en una sucesión de capítulos que dejan al espectador literalmente sin aliento, preguntándose: ¿todo esto ha podido pasar en realidad o es pura ficción?. Y, evidentemente, tiene enormes dosis de ficción, es una historia imaginaria, pero que  podría haber pasado y no nos extrañaría nada que así hubiera sido.  

    Lo que se narra en la serie es la vida de un veterano constructor,  Rubén Bertomeu ( José Sancho) casado en segundas nupcias con una bella azafata ( Juana Acosta), y sus prácticas empresariales en las que carece del más mínimo escrúpulo a la hora de llevar adelante sus objetivos. Unta a todo tipo de  políticos y dispone de un buen número de empleados, digamos que "especiales", que le han venido haciendo el trabajo sucio durante décadas. Sus prácticas se acercan más a la actividad de una auténtica mafia, estorsionando, coaccionando, sobornando e, incluso, llegado el caso, eliminando físicamente a sus enemigos. Sus tentáculos abarcan también concesiones de tanatorios y otra serie de negocios turbios. La muerte de su hermano le hace reflexionar sobre su pasado, en una tranquila costa mediterránea en los años 60 y cómo había construido de la nada su imperio empresarial y urbanístico. Mediante contínuos flash-backs vemos el humilde origen, partiendo de un pequeño negocio familiar ligado a la agricultura. Y vemos a un Rubén ya ambicioso, planeando llegar muy lejos y cómo su hermano y madre se oponen a toda esa alocada idea de forrar de ladrillos toda la costa mediterránea.

  El inicio es impactante, pues salta por los aires uno de sus negocios-tapadera, el tanatorio, dónde se descubre accidentalmente que se trasladan cuerpos troceados sin permiso alguno por la ciudad. A partir de ahí la policía y un juez valiente, apoyado por la fiscalía comienzan a tirar del hilo. Iremos viendo desfilar toda esa trama corrupta, donde llegaremos a observar prácticas de auténtica banda mafiosa como utilizar caballos muertos para transportar drogas.

  Para empeorar las cosas, uno de sus empleados, Collado ( Pep Tossar), casado y con hijos, que ha perdido la cabeza por una prostituta huye con ella del puti-club siendo perseguido por un mafioso ruso dueño del prostíbulo. Este mafioso del este, que también es dueño de un club de fútbol, se enfadará mucho y tratará de acabar con él. Como quiera que este personaje secundario se ve desprotegido por su amo, acude a la policía a denunciar a su jefe, como venganza. A partir de ahí se suceden los acontecimientos porque el juez y el fiscal ven la oportunidad perfecta para hincarle el diente al todopoderoso Rubén Bertomeu e imputarlo por diversos delitos.

   La serie es impactante y atrapa desde el primer capítulo. Nos llega a entristecer que sólo tenga una temporada, porque representa muy bien nuestra realidad cotidiana y está francamente muy bien realizada. Es nuestra historia más reciente, políticos corruptos y concejales de urbanismo a sueldo, ignorantes que creen que el progreso está en el ladrillo,  despilfarro de unos nuevos ricos, lujo, esnobismo. El personaje de la hija de Bertomeu, una magnífica Alicia Borrachero, es paradigmático. Artista, galerista de arte gracias al padre mafioso, apartada de toda esa ponzoña, irá descubriendo todo lo que su padre le había ocultado, a la vez que su propia vida y matrimonio hacen aguas, impotente también con su  hija hippie y rebelde.

   La ambientación está muy lograda, con  unos exteriores rodados en Alicante y su provincia, no dejan lugar a la duda de las intenciones de la realización.Hasta la cabecera de la serie demuestra buen hacer, está muy lograda, es excepcional, incluso la canción de Loquillo.  Realidad y ficción se entremezclan en un cócktel tremendamente explosivo y que se llevará por delante todo ese espectáculo caricaturesco, cómico y trágico a la vez, de nuestro bendito paraíso terrenal mediterráneo. La serie, que consta tan solo de 8 capítulos, ¡¡pero qué capítulos, que tensión, que acción, que intriga, que drama¡¡, deja muy buen sabor de boca. No podemos equipararla a las grandes series sobre mafia americanas, pero para ser un producto nacional obtiene una nota muy notable.

  Las actuaciones son excepcionales, no sólo la de Sancho, en uno de sus últimos grandes papeles, sino el resto de actores secundarios, pues es una serie de magníficos secundarios que rodean al gran Pepe Sancho. Parece un papel hecho para él, que solo él podría representar.  En definitiva un excepcional producto televisivo español, muy superior a la media de lo que se hace por estos pagos. Como curiosidad, aparece la maqueta real del que iba a ser megapalacio de congresos de Alicante, con lo que resulta curioso que las autoridades valencianas se prestaran a colaborar con la serie. Evidentemente no habían leído el guión.

   Valga este comentario como  homenaje al tristemente fallecido José Sancho, actor de raza, de los que ya van quedando pocos, de una generación que tuvo que vivir en dictadura y salir a flote con mucha dedicación y entrega. In Memoriam.

ARCADIA (Le couperet (The Ax))

 Sorprendente película francesa de Costa-gavras, perspicaz y magnífica. Humor negro en estado puro, del bueno. Le sale una película negrísima, que es de los géneros que más me apasionan. No se podía abordar de manera más inteligente el  problema del paro de un cuarentón casado y con hijos, que se acaba de ver envuelto en una especie de ERE, de despido conjunto en una empresa y que se encuentra en una disyuntiva tremendamente amarga, como sucede en estos casos. La situación se irá haciendo cada vez más precaria puesto que, a pesar de su enorme currículum y experiencia, es rechazado sistemáticament y pasa el tiempo, en concreto 3 años en el paro. Partiendo de esa amargura, de esa desesperanza Gavras construye una trama de novela negra. El protagonista Bruno Davel ( genial el actor francés de origen español José García) alto ejecutivo de una gran empresa papelera se ve en la disyuntiva de encontrar trabajo a toda costa. Y cuando digo a toda costa, hablo de asesinar a sus competidores, puesto que el cargo al que el aspira es de una alta cualificación y hay muy pocos puestos como el suyo. Por tanto observamos como un ejemplar padre de familia se va a convertir en un verdadero asesino, implacable, pero todo ello revestido de un brillante humor. Es por tanto ese humor negro que a mi me ha atrapado. Sin que su familia lo sepa, aunque llegarán a sospechar conforme la trama se desarrolla, aparenta ser un afable padre de familia pero en realidad, ayudado de una pistola que no sabe manejar bien, asesina a sus posibles competidores. Las situaciones se tornan grotescas y eso provoca un sarcasmo que es irresistible, ya que las situaciones se le escapan de las manos a este asesino no profesional lo que provoca situaciones de gran tensión humorística. 

    Hay un claro mensaje anticapitalista, antiglobalización. Un sistema económico que, llevado al extremo de la injusticia, propicia el maquiavélico comportamiento del protagonista que únicamente busca recuperar su trabajo sin importarle la vida de sus rivales. Se ve claramente la inmoralidad del sistema laboral, la búsqueda del beneficio a costa de destruir las vidas de las personas que excluyen de sus puestos de trabajo,  algunas sin posibilidad alguna de regresar a ese mundo laboral, convirtiéndose en auténticos fracasados. Las empresas buscan solo el máximo beneficio sin importarles los sentimientos, son como máquinas deshumanizadas. La publicidad sexista como marca del director también está presente en esta magnífica obra de Costa-Gavras. 

   Creo que el trabajo de  García y del resto de protagonistas es soberbio, y que el film no se hace largo, a pesar de su metraje. Es entretenida y da mucho que pensar sobre lo inhumano del sistema económico que hemos creado.