MISTERIOSA OBSESIÓN (2004)

     ¿Nos hemos planteado alguna vez que pasaría si olvidáramos a nuestros seres más queridos?. ¿Sería entonces posible argumentar que esos seres, nuestros hermanos, nuestros propios hijos, jamás habían existido?. Partiendo de este interesante dilema la película nos traslada a la obsesión patológica de  Telly Paretta ( Julianne Moore). Ella dice haber sufrido la pérdida de su hijo Sam en un accidente, tiene recuerdos, desde que nació, su crianza y, en especial, ese día en el que lo despidió en un avión camino de un campamento de verano y ya jamás regresó. Después llegaría la terrible noticia del accidente aéreo y el funeral. Pero Telly está loca, está bajo tratamiento, porque se inventa una vida paralela a la real. Nunca hubo niño. Su marido Jim (Anthony Edwards) y su terapeuta el doctor Jack Munce ( Gary Sinise) tratan de hacerle entender que al niño lo perdió en el parto. Pero ella no los cree, cuando llega vemos a Telly viendo fotografías con la criatura, incluso dispone de una antigua casette de VHS donde sale el niño jugando. Se trata de una enfermedad paranóico-obsesiva, dicen todos. Y un día encuetra que las fotos y los vídeos han desparecido, incluso la foto familiar donde aparecían papá, mamá y el niño está ahora sin el chaval. ¿Ha sido acaso borrada?. La cuestión a dilucidar es si por la mente de Telly, a la cual, por fin, le está haciendo efecto el tratamiento o por alguien que quiere hacer desaparecer cualquier prueba de la existencia de Sam, quiere borrar las mentes de todos los que rodearon aquel suceso.

  Aunque el tratamiento parace estar haciendo efecto Telly no se resigna a perder sus recuerdos, su hijo que  tanto quiso y cuidó hasta el accidente sí que existió y no está dispuesta a aceptar que nadie lo recuerde, ni su marido ni nadie más. Por eso continúa investigando, busca en la hemeroteca y observa hundida como no hubo accidente de avión. ¿Qué hacer?. Lejos de caer en la más absoluta desesperanza persiste en la lucha. En aquel accidente murieron más niños, busca al  padre de una niña que murió, Ash Correll (Dominic West) y lo localiza alcoholizado pero asegurando que jamás tuvo una hija. ¿Todos están en su contra?.¿Todos han olvidado?. Agotada por su huída, pasa la noche en el apartamento de Ash y por casualidad descubre algo que va a ser trascendental:  alguien ha empapelado la habitación infantil dónde vivía la niña. Debajo del papel aparecen todas las paderes llenas de pinturas infantiles. Por la mañana Ash sigue sin reconocer la existencia de una hija pero Telly le insiste: Pronuncia su nombre....se llamaba Lauren...recuerda...repite su nombre....pero no hay nada que hacer.  Ash llama a la policía pero Ally se marcha, la están esperando en la calle para detenerla y acaso internarla en un centro para maníacos.

    De repente Ash comienza a tener un pensamiento....Lauren....Lauren...Lauren....y empieza a recordar. Sí, ¡Era su hijita!, pero, ¿Cómo había podido olvidala?. Rápidamente baja a la calle y ayuda a Ally a escapar. Ambos emprenden una  huída frenética contra los agentes de la Seguridad Nacional y contra un individuo muy extraño que aparece siempre persiguiéndolos y parece que es inmune a cualquier golpe o caída.

  Hasta aquí el argumento principal o, al menos, el comienzo de la trama que va a ir derivando cada vez con mayor claridad hacia la ciencia ficción. Obviamente Ally  no estaba loca sino que todos habían olvidado. Quizás este aspecto el más interesante de la historia, el hecho de que todos olviden y la necesidad del olvido para superar determinadas situaciones personales e incluso sociales, el olvido de una socidad al completo para evitar males mayores.

   Bien rodada, buena fotografía, ritmo intenso, pierde fuelle precisamente en la segunda parte aunque quizás sea en este segundo tramo en el que más estremecimiento sentimos,  más congoja ante la evidencia de la situación que observamos. La película logra lo que busca, mantener la atención y sobre todo entretener.  Podrían extrapolarse pensamientos filosóficos y morales como trasfondo de esta película: quizás pensar cómo nos pueden controlar el pensamiento desde fuera es lo que más estremece, al margen de quien lo haga . Esto nos debería hacer reflexionar aunque lo más probable es que se trate de un simple producto de entretenimiento como thriller psicológico en el que hay  un claro acercamiento al mundo irreal de las abducciones. 

   La música de Horner está francamente bien, muy acorde con la situación dramática que vivimos e incluso llegamos a sufrir. Julianne Moore está magnífica como casi siempre, en ese papel de mujer sufridora y luchadora hasta la extenuación y  Dominic West tampoco le va a la zaga, alcohólico, su vida se ha derrumbado pero luchará también para llegar a la verdad. 

  En general una película sin demasiadas pretensiones, de temática sobrenatural, de ficción, pero que no desmerece su visionado sobre todo si lo que buscábamos era sufrir un poquito con el drama, y levantarnos del asiento en el tramo final inquietos ante algunos arrebatos, reflexionando sobre la pertinencia o no del olvido y su manejo por alguien desde "arriba".

EL SIRVIENTE ( 1963)

    Película rara, extraña, en ocasiones incomprensible por la infinidad de matices que van apareciendo en una historia que por momentos resulta siniestra y retorcida. El guión del dramaturgo Harold Pinter transmite un gran desasosiego, inquietud y suspense y nos acerca a un relato  de dominio y sumisión psicológica y sexual muy sutil, en el que las convenciones sociales saltarán por los aires. A destacar esas pausas, esos silencios que dicen mucho más que cualquier diálogo, un clásico en el autor británico. Hugo Barret ( Dirk Bogarde), mayordomo, entra a servir en la casa de un joven de buena posición social, soltero pero comprometido,  arquitecto lleno de proyectos, vivaz y trabajador, en el sofisticado barrio londinense de Chelsea. El joven, Tony ( James Fox) parece seguro de sí mismo, con una personalidad arrolladora, conquistadora. Y, sin embargo la llegada de este extraño mayordomo va a ser clave en un descenso a los infiernos en los que Tony será un simple títere en manos de Barret. Tony es lo que se dice un triunfador y pertenece al establishment londinense, se codea con la aristocracia británica y presenta sus proyectos arquitectónicos para la India a varios de sus protectores.  Goza con el privilegio de una bella pareja a la que ama y respeta. Pero no puede ni imaginar que el sirviente que ha contratado para su apartamento se va a ir apoderando de su vida. Este personaje oscuro solo es percibido en su completa personalidad por Susan (Wendy Craig), la novia de Tony. El ambiente opresivo que se respira en la casa es otro de los protagonistas clave, un ambiente que se percibe, casi se respira a lo largo del metraje.

   Tony será sutilmente diseccionado por Barret, como si de un animal de laboratorio se tratase. Incluso logrará eliminar a la molesta Susan introduciendo en la casa a una supuesta hermana que en realidad es su amante. Esta dulce pero tosca chica llamada Vera( Sarah Miles) seduce al dueño de la casa, lo atrapa como una araña en su red. Finalmente Tony será reducido a cenizas y convertido en el monigote que Barret deseaba, un servidor de sus deseos más oscuros. Poco podrá ya hacer Susan cuando encuentra a una persona destruida, vilipendiada, humillada y sumisa  a los designios del malévolo Barret. Aunque tampoco cabe desdeñar la propia fragilidad del dominador, que será ostensible en diversos momentos del film, en el que el sirviente sufre ataques de ira e irritación ante su propia debilidad.

  Partiendo de este intenso drama psicológico, el director, Josep Losey, consigue durante buena parte del metraje tenernos en vilo, sufriendo por los avatares de la pareja protagonista. Sin embargo la película, que recibió excelentes críticas en su momento se hace bastante tediosa por momentos y excesivamente previsible llegando a la parte final en un estado casi comatoso que no consigue remontar el vuelo. Todo lo contrario, es un final ambiguo donde no sabemos de verdad si lo que vemos es más un relato onírico o real, en todo caso poco convincente. Porque hay momentos en los que parece que el varonil Tony está perdiendo los papeles por el mismísimo Barret. Esa ambigüedad suponemos que estará bien recogida en Pinter, pero en la película no está bien lograda, es demasiado corriente y simple.

  Su trabajo de dirección es más que correcto porque consigue con esta película su obra más representativa y creativa. La mayoría de escenas en interior, sabe manejar la cámara en innumerables situaciones de riesgo, con planos y encuadres hiperexpresivos, muy atractivos. A ello se añade la acertada fotografía en blanco y negro de  Douglas Slocombe, que juega con la luz y la sombra, la sinuosidad de los movimientos de cámara y los espejos circulares que distorsionan las figuras y que están presentes durante toda la película.  Se consigue de esta manera esa atmósfera de vicio y claustrofobia que hemos comentado. La música de Jonny Dankworth acentúa ese ambiente casi irreal que se crea en la casa de dos plantas.

   Destaca también en la película el excelente trabajo de los actores, en especial un Dirk Bogarde en el papel del sirviente, el mayordomo Hugo Barret que posiblemente interpreta el papel de su carrera, a pesar de otras apariciones estelares. Es significativa su mirada, en este caso anticipándose a las líneas de diálogo y, en ocasiones, contradiciéndolas. Esta película no sería la misma sin la interpretación de Bogarde y sin su mirada, inquietante y febril.  Como curiosidad mencionar que Bogarde dirigió personalmente partes de la película en sustitución de Losey, enfermo temporalmente .Jamex Fox está también soberbio en su papel, interpretando a esa personalidad que se va moldeando y acaba sucumbiendo a los designios de Barret. Sharah Miles también borda su actuación con un papel en el que el componente provocador y erótico está presente en todo momento.

  

  Temas como la sumisión, el deseo e incluso la homosexualidad son abordados de manera muy sutil y en exceso ambiguo, sin mucha valentía aunque hay que tener en cuenta la época en la que nos encontramos. No obstante Losey consiguie así firmar una obra que tal vez sea una rara avis dentro del cine británico de los sesenta. Quizás se podría esperar más, sobre todo con ese final tan ambigüo pero quizás la obra de Pinter busque deliberadamente esa premisa.  Un cine tremendamente decadente, extraño y transgresor en ese sentido que nos puede dejar perdidamente indiferentes ante lo que acabamos de presenciar.

THE EAST (2013)

     The East  es de esas películas que, en apariencia, no parecen aportar nada nuevo pero que en el fondo dejan un mensaje que, no por repetido, deja de ser actual y, sobre todo, necesario. Una nueva vuelta de tuerca al cine ecologista de denuncia social, en esta ocasión centrada en los atentados de una banda terrorista conocida como el título de la cinta, que trata de lanzar a la opinión pública una serie de golpes muy sonados, con el objetivo de despertarla de su letargo, de sacudir con fuerza las conciencias difuminadas por el consumismo y la publicidad en nuestra acomodado estilo de vida occiental. Asuntos como la manipulación de los medicamentos y los grandes beneficios de las farmaceúticas salen a relucir en este sorprendente ejercicio cinematográfico, interesante por la tesis que presenta casi más que por el contenido formal al que nos invita a participar.

  Sarah Moss ( Brit Marling) es una competente agente de contraespionaje que ahora trabaja para una compañía de seguridad. Esta empresa recibe encargos de grandes empresas, algunas multinacionales, que se están viendo atacadas y desprestigiadas por la labor clandestina de The East. Ella deberá contactar con ellos y mediante su habilidad profesional, adentrarse en la organización y desenmascararla, destruirla, sabotearla desde dentro. Esa es su misión. Sin embargo, cuando se encuentre dentro del cogollo de la banda, junto a sus líderes, quedará fuertemente impresionada por su ideología, por sus intenciones y, sobre todo, por su líder, un misterioso joven que también sentirá una fuerte atracción sexual ( como no) por ella.

 Quizás lo más interesante de la cinta no sea la acción ecoterrorista en sí, espectacular en ocasiones, ni tampoco el mensaje de crítica social que hace a las grandes empresas que contaminan impunemente, conscientemente, destrozando poco a poco nuestro ecosistema. Seguramente lo más destacable de la película es la idea que queda flotando cuando se dilucida varios dilemas morales de gran trascendencia. La disyuntiva entre defender la legalidad, la que representan esas empresas criminales que revientan conscientemente el delicado equilibrio ecológico o las vidas de las personas a las que utiliza como cobayas para su rápido enriquicimiento o apoyar firmemente la radicalidad, el por aquí no paso y rebelarse contra el sistema, contra esa legalidad. Y, a continuación, la duda terrible entre apoyar la violencia, el pasar por encima de lo que haga falta para hacer valer tu ideología, por muy justificadas que estén sus razones o rechazarla enérgicamente, debate muy en boga en la actualidad, debate siempre pertinente. 

   La  cinta penetra en ese submundo un tanto oscuro, casi religioso y extremadamente peligroso, un mundo en el que se entra con  facilidad pero del que resulta muy complicado salir. Como aspecto negativo, esperamos más de un grupo de personas que se están jugando la vida por sus ideales, sobre todo no es muy creíble esa especie de comuna hippie convencional, todos los personajes estereotipados, que se reúne en torno al fuego en casa del líder ( aunque la casa esté destartalada). A pesar de ello, de esos revolucionarios un tanto chicks y apacibles, tenemos muchos ingredientes inquitantes y vemos con asombro como cualquiera puede convertirse en un revolucionario, un individuo que puede hacer remover los cimientos del sistema. Quizás por todo ello el guión no resulta del todo convincente, ciertos diálogos son un tanto absurdos por momentos, apectos claves no quedan bien explicados, solo mal sugeridos. El final puede también parecer demasiado previsible si bien es de agradecer que, al menos, la coherencia y los principios de los protagonistas venzan al romance sentimentaloide.

  El plantel artístico está correcto, tanto la protagonista principal, en su doble papel de espía-terrorista, la ya citada Brit Marling, en el papel de la metódica pero débil Sarah Moss, como los otros protagonistas esenciales, Alexander Skarsgard, en el  papel de Benji, ese líder casi mesiánco y firme de la banda o  la pequeña Ellen Page como la débil y fuerte al mismo tiempo Izzy. Destacable por su presencia rotunda el breve papel de Patricia Clarkson como Sharon, la jefa de la empresa de espionaje, firme, tenaz e implacable en la defensa de sus clientes. La banda sonora es de lo mejorcito de la cinta. Halli Cauthery, en especial con ese piano inquietante, consigue transmitirnos ese desasosiego  presente a lo largo y ancho de la historia. La fotografía oscura, matizada, llena de momentos de cielos nubosos y grises reincide en lo ya dicho para la música: lo tenebroso, lo inseguro, lo inquietante. 

  En definitiva, diríamos que es una película irregular, que podía haber dado mucho más de sí, dibujando unos personajes en exceso inestables y exaltados, una imagen en exceso convencional y estereotipada pero que en definitiva permite abrir de  nuevo el debate, un debate nunca cerrado. Ecologismo versus degradación del medio y, lo más importante, violencia versus legalidad. O quizás debiéramos decir violencia versus violencia, justificando así el uso de la fuerza como forma de lucha contra lo presuntamente legal o, mejor dicho, lo legal legalizado gracias a la presión del capital.

 

-FICHA TÉCNICA:

• Título original :The East
• Año: 2013
• Duración:116 min.
• País : Estados Unidos
• Director: Zal Batmanglij
• Guión: Brit Marling, Zal Batmanglij
• Música:Halli Cauthery, Harry Gregson-Williams
• Fotografía: Roman Vasyanov
• Reparto:Brit Marling, Alexander Skarsgård, Ellen Page, Toby Kebbell, Shiloh Fernandez, Aldis Hodge. Danielle Macdonald, Hillary Baack, Patricia Clarkson, Jason Ritter, Julia Ormond
• Productora:Fox Searchlight / Scott Free Productions 

   

  

LA SOGA (1948)

  Estamos ante una de las obras clave dentro de la intensa y emocionante filmografía de Alfred Hitchkock, el genio del suspense. En este caso parece que estemos asistiendo a una representación teatral porque toda la película se desarrolla en un pequeño salón con vistas a la ciudad de Nueva York. Este recurso multiplica la emoción que la historia ofrece al espectador, una historia enferma, un primer shock nos aguarda. Porque cuando la cámara penetra en la estancia después de un breve travelling desde una calle neoyorkina dos jóvenes acaban de estrangular con una cuerda, con la soga, a otro que conocían previamente (no desvelamos nada con esto). De hecho acaban de asesinar a uno de los invitados a su macabra fiesta, al que habían citado con antelación. Una fiesta de la que solo ellos conocen su verdadero significado.  Brandon y Philip han llevado a término, como habían planeado y teorizado desde mucho tiempo atrás, el crimen perfecto, con el solo propósito de la satisfacción de perpetrar el crimen por el crimen, sin ningún otro móvil.  Intentan poner en práctica eso que el ensayista británico  Thomas de Quincey  en su  asesinato como una de las bellas artes proponía con sorna. Y así lo dispone Brandon, auténtico cerebro de la maquiavélica idea. Philip solo es su comparsa, un ser que para su amigo Brandon no deja de ser un mediocre al que convenientemente ha manipulado para ejecutar su diabólico plan. La idea de perpetrar un asesinato por el placer de hacerlo y porque ellos son "hombres superiores" y que, por tanto, tienen derecho a quitar la vida a un mediocre mortal está presente en la ideología de Brandon.

  

Además todo puede resultar todavía más apetitoso si el asesinado es uno de los invitados a la fiesta. Si encima esconden el cuerpo en un arcón antiguo en el que suelen guardar libros y, en un arrebato de genialidad, Brandon dispone que el refrigerio se sirva encima del mismo, el acto de asesinar se convierte en un placer. Nuestro protagonista se cree por encima del bien y del mal, piensa con clarividencia que es un superhombre, en la acepción nietzscheana del concepto.  El espectador, por tanto, sabe ya quienes son los asesinos, su motivación, su móvil. Lo interesante de la película es cómo, durante el desarrollo de la fiesta, esa a la que jamás parece llegar  David Kentley pero en la que su cadáver yace en el arcón, se suceden una serie de escenas y situaciones que llevan a los asesinos a ser devorados por el monstruo de la culpa, encarnada en su profesor de criminalística, Rupert Cadell, el invitado estrella y con el que pretenden jugar al gato y al ratón, poniendo en evidencia que el crimen perfecto existe, contradiciendo sus tesis más académicas. A partir de ahí el desenlace será el previsto y anunciado por las sospechas que el docto profesor, interpretado de manera magistral por James Stewart, va recabando conforme transcurre la fiesta en ese maravilloso ático neoyorquino.

   El guión es una auténtica joya. Consigue establecer una estructura narrativa de una única escena, de 80 minutos de duración, en la que suceden todos los hechos ya reseñados. Está basado en una obra de teatro que se insira en un caso real de homicidio acaecido en los años 20 y está escrito por Hume Cronyn.  Por ese aspecto teatral que mantiene al espectador dentro del habitáculo del apartamento todo se centra en la actuación de los actores como si estuviésemos viendo la escena de un teatro. Lucen y brillan especialmente James Stewart en su papel del profesor Rupert Cadell y John Dall que representa fielmente ese personaje perverso e infinitamente inteligente, dandy, guapo y con buena posición social. 

   Una escenografía teatral, un salón del ático con magníficas vistas al skyline neoyorquino que nos ofrece un único punto de fuga, unas vistas obviamente fingidas y que parecen estar ahí, mirando, cual voyeur que, impenitente, observa sabedor del enigma, el desarrollo de los acontecimientos. Nueva York observa, mira la escena y nos mira contínuamente a  nosotros, espectadores. Magnífico recurso visual que acentúa la sensación que Hitchkock quiere provocar en el espectador desde el principio: la ansiedad, el sobresalto continuo, sobre todo cuando los asistentes son invitados a comer el refrigerio encima del arcón que es ya un ataúd.

  La cámara nos acerca cada vez más al arcón, que es uno de los objetos fetiche que elige en esta ocasión el director para que el espectador dirija su atención hacia él, igual que utiliza otros elementos icónicos como la cuerda o las velas encima. Un éxtasis de paroxismo nos sacude cuando llega ese momento en el que la empleada del hogar se dispone a quitar el mantel y abrir el arcón para colocar los libros. Sin embargo, Philip, en un arranque de genialidad consigue evitar el desbaratamiento de su diabólico plan. Hitchcock juega con nosotros al gato y al ratón. El director nos demuestra en esta película como la maldad del ser humano puede llegar a ser infinita y que la mejor educación no es óbice para evitarla: los asesinos dialogando amigablemente con el padre de la persona que acaban de asesinar, la sangre fría de Brandon y las dudas de Philip, al que corroe la culpa.   

La música de L.F. Forbstein prácticamente pasa desapercibida en esta primera película en color del maestro británico. Se limita a acrecentar en momentos puntuales el suspense con el añadido de la música de piano de Poulenc que interpreta uno de los asesinos, Philip. En definitiva, una película que queda indeleble en nuestro recuerdo, una de las grandes de Hitchcok, de esas que solo el maestro británico sabía elaborar con gran virtuosismo. Intensa y enferma.

EL CUERPO (2012)

  Sorpresa agradable del último cine español. Magnífico thriller que va increscendo a lo largo de su metraje en una película de misterio, asesinatos y supuestas apariciones sobrenaturales con un final auténticamente impactante que justifica plenamente su visionado. De esos finales que te dejan aturdido y sin aliento, sorprendido, pensativo, encajando piezas que no pensabas que fuera necesario encajar porque todo lo dejabas del lado de  lo sobrenatural pero finalmente la mano del hombre está más presente de lo que parece.

   Para ser la ópera prima de su director, Oriol Paulo, guionista también de otras películas de suspense como "los ojos de Julia", lo cierto es que está cuidadosamente rodada, con una fotógrafía oscura y mortecina que aumenta ese buscado suspense, esa intriga que nos acogota durante todo el metraje. La historia trata de la desaparición de un cuerpo en una morgue. El misterio está servido. ¿Dónde está el cuerpo y porqué el guardia de seguridad salió despavorido, presa del terror, siendo atropellado en la carretera por otro vehículo y falleciendo al instante?. La policía revisa las cintas del vídeo dónde se ve al segurata salir huyendo como alma que lleva al diablo.¿Ha visto un fantasma, es que acaso ha visto a la muerta fuera de su fría nevera en la sala de fiambres?. El misterio está servido. La muerta es Mayka Villaverde (Belén Rueda), una rica empresaria casada con Álex Ulloa (Hugo Silva). Cuando la policía llama a Álex este queda, como es lógico, tremendamente alterado. ¿Su mujer ha vuelto de entre los muertos o es que acaso algún gracioso ha robado el cuerpo?. Las dudas se acrecentan por ese sentimiento de culpa que tiene el que ha asesinado a su mujer para estar con su amante. ¿venganza, miedo?. Un conjunto de sensaciones embargan a Álex, que es reclamado por la policía e interrogado por el inspector Jaime Peña ( José Coronado), que no duda de su culpabilidad: alguien tiene que haber escondido el cadáver y ser el responsable de la muerte del guardia de seguridad. En una habitación lúgubre del edificio siniestro en el que se encuentra la morgue comienza el interrogatorio. Lo que sucede después es altamente perturbador e inexplicable y conduce al espectador a ese estado de nerviosismo y suspense que, mostrando a cuentagota y en estupendos flashbacks el asesinato de Mayka y la relación de Álex con su amante Carla ( Aura Garrido) que parece haber descubierto su mujer, no deja lugar a dudas de que alguien pretende amargar la existencia a Álex, a lo mejor la propia Mayka.

     Es una auténtica sorpresa porque el film es muy entretenido y atrapa, a pesar de que hay momentos en los que piensas que todo el guión es una completa chorrada. Y sin embargo la historia va enganchando progresivamente. Pasas de la típica película de fantasmas que se aparecen y regresan de la muerte para vengarse por su asesinato a algo mucho más profundo e incisivo, lejos del mundo del averno. Por tanto el guión está muy bien trabajado, consiguiendo un final de los que sorprenden, de esos que encajan todas las piezas del puzzle de una manera totalmente inesperada y justifican una entrada de cine o una descarga a diestro y siniestro.

  En lo que respecta a las interpretaciones merecen destacarse los papeles de un Jose Coronado últimamente muy inspirado, como el detective incisivo y sin escrúpulos que presiona lo indecible a Álex porque no se cree la vesión sobrenatural a pesar de que todo apunta a ella. Es el personaje clave que nos dejará helados al final de la trama. Belén Rueda regresa a una magnífica interpretación, llena de fuerza, en unos flashbacks en los que es fiel esposa enamorada de su marido y que después es traicionada, pero ella guardará su sublime venganza. Hugo Silva está correcto en el papel quizás más difícil, el de asesino incofeso que ya duda de todo porque no sabe que ha pasado con el cuerpo de su exmujer y lucha por salir del atolladero y regresar a los brazos de su amante, la jovencita Carla, interpretación muy lograda de Aura Garrido.

   Una magnífica ópera prima de un director que habrá que seguir con lupa, un prometedor hitchcock patrio. Esperamos que nos siga deleitando con más y más suspense. Un perfecto y deleitoso producto de entretenimiento que nos hará pasar un mal rato.

  

CRIMEN PERFECTO (1954)

    Genial cine de crímenes y suspese de Hitchckok, una de las mejores películas de su filmografía. En un espacio reducido a un salón comedor de un bello hogar londinense de aspecto victoriano se desarrolla esta enrevesada trama en la que un marido agraviado por los cuernos de la mujer con un amigo escritor y sabedor de su jugosa herencia planea una sofisticada forma de quitarsela de enmedio sin despertar ninguna sospecha. El crimen perfecto. Todo está calculado al milímetro. Tan solo necesita la colaboración de un delincuente común al que convenientemente chantajea para que realice el trabajo por él. El asesino material deberá ejecutar su macabra misión tras una conveniente llamada por teléfono del marido que permitirá que su esposa salga de la cama y coja el teléfono. Entonces el vil criminal estrangulará a la bella pero infiel esposa. Y aquí paz y después gloria piensa Tony Wendice (Ray Milland), el marido. Pero resulta que la bella damisela se revuelve, se estira y agarra unas potentes tijeras que fulminan al criminal. Entonces comienzan a surgir las complicaciones y el crimen perfecto se empieza a desmoronar. No obstante Tony muy habilmente trata de reconducir el caso. Y consigue que su mujer sea declarada culpable de homicidio aunque todo dará un giro inesperado que amenazará con dar al traste todo su diabólico plan.

   Es puro cine de suspense Hitchckokiano. Es un chute en vena que siempre resulta deslumbrante, inteligente, atrevido, impetuoso. No me canso de verlo. En realidad hay que decir que es la traslación de una obra de teatro al séptimo arte. Todo el thriller se circunscribe a las cuatro paredes de la casa. Ello consigue generar mayor sentimiento de claustrofobia, algo que el maestro siempre buscaba. Quizás no alcanza a La soga, otra de su obras fundementales que, como esta, encontrará en el escenario del crimen la solución al mismo. Destaca sobre todo el papel de Ray Milland, ese Tony Wendice endiabladamente inteligente que sabe improvisar sobre la marcha cuando los acontecimientos se tuercen con una soltura deslumbrante. Es casi un genio del asesinato, hasta sabe mal que no consiga su objetivo por su maldad congénita, casi diabólica. Porque finalmente la inteligencia y perspicacia de un anciano detective encontrará, en el momento límite, cuando todo parece indicar que Tony conseguirá que su plan sea perfecto, la clave de bóveda, la llave que resuelve todo el entuerto. Es curioso como Hitchock utiliza precisamente ese elemento para resolver el enigma.

   El guión es brillante porque la trama está perfectamente elaborada, meticulosamente engrasada,  cuidando cada detalle para que todo encaje a la perfección. En cada secuencia introduce la tensión necesaria con vuelcos argumentales contínuos que nos sorprenden cada vez más ofreciéndonos las dosis necesarias para no parpadear apenas, para dejarnos exhaustos con un final muy imaginativo, imprevisible y brillante. Hitchock se ríe de nosotros, juega con nuestras emociones gracias al genial dominio de los tiempos, de los momentos narrativos.

   Los actores están francamente brillantes, sobre todo un magnífico Ray Milland, soberbio, arrebatador. Los gestos, las facciones parecen perfectamente esculpidas para reflejar las emociones, el odio hacia el escritor que le ha robado a su mujer, la hipocresía, el aguante ante situaciones casi desesperadas. Es de esas interpretaciones en las que el villano consigue transmutarse en héroe sublime, perfecto, resultandonos tremendamente simpático aunque sepamos de la vileza de su crimen. Grace Kelly interpreta a Margot, una bella y dulce  mujer atrapada por su deseo hacia otro hombre.  Como siempre está correcta, no sobresaliente pero es la Kelly, siempre arrebatadoramente bella y elegante.  Robert Cummings es el escritor y amante Mark Halliday resolviendo con brillantez su papel de comparsa en la trama principal, un papel ambiguo que parece rozar con su mente la solución del asunto. Y magnífico el papel de John Williams como el inspector Hubbard, ese venerable anciano, tranquilo y sagaz que conseguirá con su flema británica cautivar al espectador, un papel escueto pero magníficamente interpretado. 

  En cuanto a la realización destacaremos aspectos habituales en el cine del autor británico: un cuidadoso uso del travelling, unas secuencias donde la cámara está quieta, inmovil, cual documentalista que se limita a filmar lo que esos animales de la interpretación se aprestan a llevar a cabo. Y ese voyer que mira desde un punto subjetivo, particular, ofreciéndonos su propia visión de los hechos desde diversos puntos de la habitación con planos a veces imposibles que propician una enorme expresividad y tensión emocional. ¿Dónde esta Hitchcock?, deberán adivinarlo, pero estar está, como en todas sus películas, en un cameo casi inapreciable.  Como curiosidad destacar que fue rodada con la cámara de visión natural de Gunzberg que permitía su proyección en tres dimensiones.

  Otra obra maestra del maestro, quizás no entre el grupo colosal que forman cintas como Psicosis o Vértigo pero fundamental en su filmografría. Una nueva reflexión sobre el crimen perfecto, sobre su materalización e imposibilidad porque el crimen perfecto no existe, solo sucede que, en ocasiones,no aparece la persona precisa para dar con el enigma.

LOS NIÑOS DEL BRASIL (1978)

    Técnicamente muy bien rodada, con una fotografía en color de Henri Decae, icono de la Nouvelle Vague, plena de colores pálidos y sugerentes, narra una historia medio realidad medio ficción con la enigmática y perturbadora figura del doctor Joseph Mengele, el "ángel de la muerte" de Auschwitz como centro de toda una trama de suspense muy a lo Le Carré.  Mengele fue el sádico médico que torturó y realizó experimentos aberrantes con los prisioneros gitanos y judíos. Particularmente repugnantes fueron sus experimentos con niños como la inyección de tinta de color en las pupilas para cambiar su aspecto o su crueldad con los recién nacidos dejándolos morir de inanición.  Es sabido que después de la guerra consiguió escapar viviendo plácidamente en sudamérica donde murió ya mayor en las costas de Brasil. Hasta aquí parte de la historia oficial de Mengele.

   La película se centra, sin embargo, en la etapa en la que vivió en Paraguay y nos cuenta una historia basada en la novela de Ira Levin que teniendo dosis de ficción notables se basa en muchos hechos comprobados sobre la vida del despreciable criminal nazi. La narración de la historia nos sumerge en la tenebrosa planificación por parte de Mengele y un grupo de jerarcas nazis que escaparon de los juicios de Nurember de un macabro plan con el objetivo de poner en pie un IV Reich. Utilizando a la organización ( sabemos que ODESSA tuvo mucho que ver en la huída y cambio de identidad en América latina de los criminales nazis) ordenará el asesinato de más de 90 personas. Estos viven en diversas partes del planeta y son sencillos padres de  familia, gente humilde y sin ninguna aspiración política pero guardan una semejanza que el propio guión y el desenlace de la película se encargarán de desvelarnos. Por lo pronto tenemos también a Liebermann, el cazanazis, implicado en desbaratar lo que aparentemente no tiene sentido alguno. Pronto descubrirá el horrible secreto y tratará de impedirlo a pesar de su avanzada vejez y estado de salud.

  

   El guión construye una trama de intriga convenientemente sazonada de cine histórico que comienza con el descubrimiento de ese plan diabólico que no acabamos de comprender. Un joven activista antinazi descubre una reunión secreta de Mengele con un grupo de asesinos nazis en Asunción y pronto da cuenta de ella a Elza Lieberman director de la agencia de cazadores de nazis. En principio no hace mucho caso al joven, le recomienda que se aleje del peligro pero este no hace caso, se juega la vida y la pierde pero obtiene una grabación de la reunión que Lieberman escucha parcialmente dándose cuenta de la gravedad del asunto. Pronto el anciano moviliza a su organización para que investigue el asunto. Ahí comienza la intrincada historia de misterio donde Lieberman viajará siguiendo las pistas que recaba tras los primeros asesinatos de la organización de Mengele. Hay que señalar que la historia es tan rocambolesca que resulta un tanto surrealista. Pero para el que guste de historias de espionaje sazonado con altas dosis de nazismo será un bálsamo.

   Una de las virtudes de la película, al margen de lo poco creíble de la historia, son las interpretaciones, en especial el gran Laurence Olivier que, aunque muy avejentado ya, en una de sus últimas apariciones en el celuloido, no deja de sorprender por su calidad interpretativa. Está creíble y llevando él, a sus doloridas espaldas, el peso de toda la película. James Mason, otro crack de la interpretación está bien solo que aparece en escasas ocasiones, como jefazo nazi, para parar los pies al desmesurado y lunático Mengele. Este último está interpretado por Gregory Peck, un actor ambiguo, que solo ha ejecutado unas cuantas interpretaciones destacables en toda su carrera. En esta ocasión realiza un Mengele verdaderamente desmesurado y brutal. No es creíble, por mucho que se esfuerce, está demasiado histriónico, está tan exagerado que resulta hasta cómico. Este es el trío de grandes pesos pesados con el que cuenta el film.

  La dirección del realizador Franklin J. Schaffner peca de estatismo, las posibilidades del guión se ven bastante cercenadas por una rigidez en los planos que no la hacen ágil y visulamente atractiva. En realidad, como he comentado en otros casos, la película parece acartonada, mucho más antigua de lo que es. Probablemente en la dirección esté la clave de este envejecimiento prematuro, de que se vea como una película vieja, sin vitalidad. No es, ni de largo, uno de sus mejores films (el planeta de los simios, El señor de la guerra, Papillón,Patton). Y quizás es en la secuencia final donde peor resulte su dirección, unos minutos angustiosos que se hacen visulmente poco creíbles.

Respecto a la banda sonora, es buena, obra del genial Jerry Goldsmith, quizás poco presente a lo largo del metraje pero que otorga esos momentos de misterio y dinamismo convenientemente sazonados a lo largo de la película, de ese estrés necesario para no dormirse, destacando más como suite al principio y en los créditos finales. En definitiva una película interesante para adentrarse en el mundo del postnazismo en América Latina, en algunas de las ideas alocadas de establecer un nuevo Reich, de resucitar, con la ayuda de la ciencia, todas las características que llevaron al mundo a la Era de Adolfo Hitler. Sólo apta para fieles de este tipo de cine.

 

AUSENCIA DE MALICIA (1981)

  Interesante película de Sydney Pollack sobre el mundo de la prensa y las consecuencias del sensacionalismo a través de un caso muy concreto relacionado con el asesinato de un líder sindicalista y las posibles relaciones con el hampa. En realidad la cuestión que se dilucida en esta película es hasta que punto un periodista debe publicar unas informaciones que no ha contrastado previamente. Esta actitud irresponsable puede originar graves inconvenientes si la información resulta ser falsa o no completamente verdadera. En este caso el asunto es muy delicado y el hijo de un jefe del hampa se ve salpicado por unas informaciones publicadas por una periodista que busca notoriedad, que quiere ascender. Ella es Megan (Sally Field), la periodista que cree que todo es lícito y que si existe la más mínima posibilidad de que las informaciones que ha recibido sean verídicas no hay inconveniente en publicarlas.  Su irresponsabilidad va a salpicar a Gallagher (Paul Newman), el hijo del gángster dedicado a un negocio de importación de licores. Este se verá envuelto en una compleja trama policial y judicial de la que le resultará muy difícil salir airoso. Por si fuera poco sus obreros harán caso a los sindicalistas y dejarán de trabajar, poniendo a su empresa al borde de la desaparición. Entonces Gallagher contactará con Megan, tratando de engatusarla y tejiendo un elaborado plan para hundir su carrera y salir indemne del envite.

   Lo más destacado es esa reflexión sobre el poder de la prensa y sus consecuencias de todo tipo para las personas que teóricamente han sido difamadas. Así, Pollack teje un elaborado drama que acierta en poner de relieve esas consecuencias, nunca positivas, dramáticas en ocasiones.  Además se añade la trama policíaca y  otras como la comedia o los juicios lo que ofrece una interesante combinación. El guión está lleno de interesantes diálogos y de un duelo interpretativo entre el mediano empresario y la periodista que asciende paulatinamente en tensión ( incluída la sexual, algo prescindible y metido con calzador).  La gran virtud del guión es el dibujo de los personajes, su introspección psicológica en su relación dramática aunque en el fondo es un tanto convencional. Su mayor defecto es que el guión trata de construir un entretejido thriller de mafiosos que no acaba de arrancar, es un quiero y no puedo. El espectador se queda con ganas de más, de que el argumento siga por ese camino y finalmente se va desinflando. Sigue una línea argumental de esas consecuencias y la venganza de Gallagher, el hijo del mafioso que desbarata a la ambiciosa periodista que no se detiene en remilgos morales a la hora de extraer toda la información lo más llamativa posible sin importarle las consecuencias terribles que pueden conducir a un verdadero callejón sin salida para personas vulnerables.

  Las interpretaciones son duales: una Sally Field que resulta más bien plana, poco creíble en su papel de periodista todoterreno, agresiva. Newman está bien, mejorando como el buen vino, en su línea, en un papel duro del que sale muy airoso. Como pareja protagonista carecen de empatía, no hay química entre ellos ni siquiera en las escenas sexuales. Melinda Dillon (Teresa) también merece mención aparte en un papel lleno de dramatismo y complejidad psicológica.

 

 Quizás el mayor problema de esta película sea que no ha envejecido bien. Sucede en ocasiones con películas que en su día destacaron y que guardando lecciones interesantes las vemos como pasadas de rosca, vetustas en definitiva y presentan un aspecto como de telefilm cutre. El aspecto que el director da a la película seguramente sea buscado pero visto hoy día parece pobre: esos edificios de apartamentos suburbiales, los coches y ese barco de Gallagher es lo que da ese aspecto un tanto acartonado. 

Los decorados no ayudan mucho a remontar esta situación, la redacción del periódico resulta gris y fría, casi desangelada, demasiado ochentera. Sin embargo el mensaje que pretende transmitir la película está en plena vigencia hoy en día, con una prensa cada día más amarilla y que pasa por encima en ocasiones del honor de las personas, atreviéndose a publicar sensacionalistas descubrimientos que después no pueden ser comprobados. El personaje del periodista trepa, que busca ascender sin pensar muy bien en el daño que pueda hacer a otras personas, por muy públicas que estas sean. Todo eso sigue en boga, Pollack lo retrata muy bien a pesar del envejecimiento visual y estético del metraje.  Es posible que esta película dentro de la filmografía del director norteamericano pase un tanto desapercibida pero la historia tiene fuerza a pesar de sus taras, merece la pena revisarla más en estos tiempos de desgracia para el periodismo. Recomendable para cualquiera que quiera ser periodista o quiera desentrañar los defectos de esa noble profesión y para cualquiera que quiera ver a Newman creciendo como actor, en una carrera imparable hasta sus últimos días. Lo demás es accesorio.

FALSO CULPABLE (1956)

   Nunca resulta fácil hacer un comentario o una crítica de una película de Alfred Hitchcock porque la genialidad es difícil de enjuiciar y solemos caer en el error de sobrevalorar en exceso trabajos que vistos sin su etiqueta resultarían buenas películas sin más.  Hitchcock es un género cinematográfico en sí mismo y su sello es inconfundible.  Por eso es difícil enjuiciar una de sus películas menos conocidas, tan alejadas de las más populares, como Vértigo o Psicosis.  Y sin embargo, esta película, que lleva su sello, es también un notable ejercicio cinematográfico. Es todo un lujo y un placer disponer en el disco duro de la mayor parte de la filmografía del director británico y pasar un domingo por la tarde revisando esas películas que jamás habías visto y que estaban ahí, pendientes y preparadas para ser visionadas. Falso culpable es una de estas películas "menos" conocidas de Mr. Alfred y conviene detenerse un poco en ella. Para empezar hay que decir que el director aparece en persona, lejano, en una especie de claroscuro, advirtiendo que la película que íbamos a ver no era de sus típicas películas de suspense y que estaba basada en hechos reales. Parece como si quisiera advertirnos que esta película no es tan genial como otras que había realizado con anteriorida. Y, sin embargo, desde el principio de la narración vemos muchas de sus manías preferidas y que dan ese toque hitchockiano, inquietante a una película que podría haber sido contada más asépticamente, como un relato de un hecho verídico ( que lo es) sin mojarse para nada en disquisiciones que van a ir surgiéndonos conforme vayamos avanzando sobre ella.

     Hecha la presentación del barrigudo director nos adentramos en una historia de equívocos, de errores que parecen cometidos a propósito (aunque así no lo sea) y que dan un vuelco a las tranquilas vidas de los protagonistas, alteran para siempre su paz y su bienestar poniendo en peligro la estabilidad que tanto tiempo les había costado lograr. Pero antes de hablar del argumento hay que decir que la película aúna el más puro cine negro con el crimen y añade dosis importantes de misterio y drama. Y también se trata de uno de sus trabajos más pesimistas y sombríos del director británico. 

  

   La historia nos cuenta la vida de una sencilla familia neoyorquina, un padre cotrabajista de  jazz que trabaja en un elitista club por las noches, el Stroke Club y la madre una ama de casa normal y corriente enamorada de su esposo y que cuida de sus dos hijos que, por lo demás, pelean y discuten constantemente por los asuntos más triviales. Christoper Balestrero, apodado Manny y Rose, su esposa, son esa pareja feliz aunque con problemas económicos: como le sucede a cualquier familia de antes y de ahora, casi no tienen para llegar a fin de mes y si surge algún gasto imprevisto los problemas crecen. Pero ellos disponen de una póliza de seguros que les puden permitir rescatar unos cuantos dólares para ponder hacer frente al gasto superfluo: Rose debe extraerse sus cuatro muelas del juicio. Cuando Manny acude a reclamar su adelanto de la póliza comenzará su calvario personal y familiar. Una de las empleadas lo confunde con un atracador y es denunciado a la policía. Cuando llega por la noche del trabajo la policía le priva de su mayor satisfacción: entrar a casa, ver a los niños durmiendo y abrazar a su esposa cariñosamente. Es detenido y conducido a comisaría donde es interrogado, después de que varios comerciantes lo reconozcan como el atracador de sus negocios. Finalmente es conducido al calabozo y, más tarde, a primera instancia judicial donde le imponen una costosa fianza. Su familia alarmada conseguirá el dinero, él podrá salir a la calle a la espera del juicio intentando por lo divino y por lo humano encontrar alguna coartada creíble: ellos habían estado de vacaciones en uno de los atracos. Tratarán de encontrar a los turistas ocasionales que estuvieron con ellos ese día pero, tras largas indagaciones, todos parecen haber muerto. El abogado lo prepara para lo peor: una condena a prisión por atraco con violencia. En  medio de este infierno Rose perderá la cordura, pensando que nada hay que hacer y que ella es la culpable de todo. Acudirán al psiquiatra y ella tendrá que ser internada en un manicomio. 

El guión es de Maxwell Anderson y Angus MacPhail, que adaptan un relato del primero titulado "La verdadera historia de Christopher Emmanuel Balestrero". Un gran guión extraído de la realidad, en donde se ruedan parte de las escenas, en el lugar exacto que ocurrieron, como el Sanatorio Greemont o la Prisión de la ciudad. Nuevamente el maestro Alfred regresa a sus obsesiones: el falso culpable, la persona inocente que se ve inmersa en el drama y la penalidad de ser acusado sin tener ninguna responsabilidad en el delito. Ello genera una atmósfera de tensión y angustia que provoca en el espectador una gran inquietud, un temor y una pregunta: ¿esto me podría pasar a mí?. Y consigue transmitir la impresión de la impotencia y la irreversibilidad del daño inflingido por un error humano. Algo que puede sucederle a cualquiera, esa es la terrible realidad que nos aflige durante todo el metraje. Además, al rodar en escenarios verídicos dota de mayor realismo a las escenas, dando normalidad a todas las situaciones, ya sean judiciales o familiares.

 

En este punto cabe reseñar a la pareja protagonista. Por un lado Henry Fonda ( Manny) y por el otro Vera Miles ( Rose). Él está sobrio y elegante dentro de su desgracia, fantástico y ella es la rubia que siempre buscaba Hitchcock, que estaba obsesionada con ellas. No actua mal, pero no destaca excesivamente a pesar del dramatismo que ofrece su papel.La fotografía es extraordinaria, juega con la luz tenue y oscura de la noche neoyorquina, sabe atrapar bajo las espesas brumas del Hudson esas siluetas de los imponentes puentes de acero. Y, además, capta fenomenalmente los interiores, comisaría, celdas, juzgado, casa y los exteriores, cuando, las escasas veces que salen de día, visitan algo así como los Hamptons, los  lugares ajardinados más lejanos de la bulliciosa ciudad, esos lugares de veraneo y descanso. 

La música la pone un colaborador fiel y genial de muchas de las películas de Hitchcock, con un extraordinario vals inicial. Me refiero al maravilloso Bernad Herrmann. Un inquietante film del inquietante Hitchcock del que lo peor que se puede decir es que es una de sus obras menos conocidas, quizás esperamos más intriga, más suspense del que finalmente nos ofrece. El final nos resulta algo convencional igualmente. Pero la convencionalidad de las historias hitchcockianas resulta sublime, como casi todo en él. Nos queda en el recuerdo, aunque sea un personaje fictíceso, ese Josef K. de Kafka, de El proceso, de Orson Welles, personaje que se ve inmerso en una burocracia maligna que lo acusa de algo que nadie sabe de que se trata. Algo así es este estupendo Henry Fonda, un personaje incomprendido y vilipendiado por la administración y por el error de unas personas que no tuvieron su mejor día.