GORDOS (2009)

 Tobogán emocional, película de subidas y bajadas, batiburrillo maravilloso de historias contrapuestas en las que prima lo sentimental, en el que Daniel Sánchez Arévalo nos sumerge en muchas películas, muchas tramas en las que prima la tragicomedia, con momentos de drama intenso y otros de comedia ligera. El punto en común de los protagonistas es una terapia grupal a la que acuden acomplejados por su obesidad.  A partir de ese momento comienza el baile de historias, el baile de gordos, a saber:  El gordo amargado, ex-presentador homosexual de teleprogramas que anuncia unas pastillas-milagro para adelgazar y que acaba preso de la bulimia y acude a pedir ayuda más por inercia que por otra cosa. Su vida es una mierda y, para colmo, su socio de toda la vida lo ha abandonado y es motivo de burlas y chanzas por doquier. La gorda joven y puritana acompañada de su novio ultracatólico que será sojuzgada durante demasiado tiempo. El gordo supuestamente feliz con mellizos que se odian eternamente. La joven gorda ejecutiva acomplejada porque su novio, de viaje en el extranjero, no conoce su actual volumen corporal. Y el terapeuta, de abdominales marcadas pero con un lío sentimental bastante gordo.

    Es cierto que las cinco historias están muy descompensadas entre sí, son como películas diferentes, con situaciones y subtramas de lo más diversas y por tanto el guión no deja de ser un constructo desigual, pero cada una de las historias tiene gancho, pegada y giros inesperados  aunque quizás se hagan demasiado explícitas en determinados momentos, en especial un exceso de corporalidad y de sexo, si bien el cine de Sánchez Arévalo es todo él así, excesivo, irreverente, irrespetuoso, trangresor.  Como ejemplo fantástico el cristo iluminado, fosforescente, preparado para afrontar el desnudo de sus vírgenes seguidores.

  Las interpretaciones están a un buen nivel tanto en el plano dramático como en el cómico, desde el histriónico Enrique un Antonio de la Torre magnífico como suele ser habitual, pasando por una inspiradísima Pilar Castro, en su papel de sufridora, Paula (Verónica Sánchez), bordando su faceta dramática, con el distanciamiento conyugal y los problemas que conlleva el embarazo para toda mujer, Abel (Roberto Enríquez) que está aceptable en su papel de terapeuta que parece tenerlo todo bajo control pero que poco a poco va destruyendo su propia existencia y hasta la joven Sofía (Leticia Herrero) dando muy bien en el papel de puritana que se soltará  el pelo, rebelándose contra su carca pareja, Álex (Raúl Arévalo) que domina a la perfección ese registro ultra puritano que sucumbe al pecado pero que se acaba por hacer insoportable la vida a los demás, papel por el que fue premiado con un goya. Finalmente Fernando Arbizu en el papel de Andrés, el gordo feliz que junto a Teté Delgado forman esa paranoica pareja que tienen unos hijos terribles, quizás la parte más simpática de todas. Finalmente, en esta película coral, destacar el personaje de Leonor (María Morales) que añade una nota muy lograda de acidez a todo el conjunto.

   Quizás el mayor logro de Gordos sea hilvanar en muchas historias  los traumas de unos seres acomplejados y conseguir lanzar el mensaje de la obsesión que la propia sociedad tiene sobre este tema, algo que raya ya en la paranoia colectiva y que desplaza a muchas personas a la marginalidad y el desprecio. El montaje también merece un comentario aparte, difícil empresa ante tantas historias que se entrecruzan entre sí,  por momentos nos abruma la cantidad de cambios y de saltos que la película va ofreciendo, acaba resultantdo excesivo, caótico, desbordante. Varias cosas  dan sentido a este sinsentido de filme y  lo elevan a la categoría de película altamente recomendable. No solo el guión y las actuaciones sino el trabajo de dirección que consigue dar coherencia a todo el conjunto. También la música de Pascal Gaigne, que destaca por su sencillez y profundidad, un compositor que se está labrando una buena fama en la música cinéfila.

   En definitiva una tragicomedia excesiva, irregular, paradójica e incluso entretenida que no nos dejará indiferentes, que nos conmoverá a iguales dosis de las que nos conseguirá crispar. 

LA GRAN FAMILIA ESPAÑOLA ( 2013)

    Españolada, ese es el calificativo que se me ocurre después de ver esta nueva y premiada obra de Daniel Sánchez Arévalo. Y no sé muy bien si eso es malo o es bueno porque la película tiene de todo y muchas cosas de las que hablar. La historia tiene como eje aquella noche memorable en la que España logró, por fin, el campeonato mundial de fútbol, ansiado ahelo de buena parte de una sociedad adocenada. Resulta que en torno a ese día una familia bastante compleja, formada por cinco hermanos, todos con los nombres de los protagonistas de Siete novias para siete hermanos, al parecer película fetiche para sus padres, va a celebrar la boda del pequeño, con dieciocho añitos cumplidos. Se va a casar en el jardín con la que había sido su novieta desde que iban al parvulario, algo bastante surrealista. Anque yo sigo sin saber si todo lo que se cuenta es puro suerrealismo o que nos están tomando el pelo. Situaciones incomprensibles, absurdas diría yo. Veamos: el padre está separado de la madre que al final no acude al evento y además casi está ausente porque sufre un vahído, un infarto en plena boda y en vez de llevarlo al hospital, uno de los hermanos, médico en el tercer mundo, decide tratarlo en la habitación de la casa. La boda se suspende por momentos, hay que esperar. Los invitados se impacientan y mientras uno de los hermanos, deprimido, intenta fingir que roban en la casa para trincar todo el oro en lingotes que su padre atesora. Pero hay más. Uno de los hermanos es disminuído psíquico, hace de tontito pero de esos que se acaban enterando de cosas que nadie más sabía.

  En este contexto se desarrolla una película técnicamente bien rodada, con una buena fotografía, unos temas musicales agradables y adecuados para cada situación y unos actores en general aceptables, en especial Antonio De la Torre, que úlitimamente se está saliendo. También Roberto Álamo aporta dosis de ternura y momentos de gran hilaridad con su papel del hermano con pocas luces. Sin embargo el guión es rocambolesco y caótico y supone una especie de actualización de la Gran Familia, aquella película del franquismo con Alberto Closas y Pepe Isbert pero pasándose mucho de rosca. Evidentemente ahora los padres están separados, los hijos ídem de lo mismo, uno tiene depresión, otro inseguridades vitales y hasta el muchachito casi imberbe monta la gorda. Para rematar la faena, tenemos una especie de pieza de musical sustituyendo a la tradicional música de entrada de la novia al altar jardinero donde se van a casar, algo perfectamente prescindible. Y como no una colección de personajes y personajillos, de freakis de manual, que pululan extraviados por esta singular parodia de  lo que pretende ser una familia bastante desestructurada con momentos que parecen tratar de emular a aquel caos maravilloso de El guateque, solo que con Raúl Arévalo haciendo un cameo-imitación a lo Peter Sellers.

  Pero no podemos obviar que el film transmite unas enormes ganas de vivir, de salir adelante a pesar de las dificultades, del desamor, de la depresión, de la crisis...también contiene escenas de un humor sencillo y cálido. Y también momentos de tensión dramática y pasión amorosa. En realidad podría ser algo así como un compendio de lo que es la propia sociedad española, esa que se agolpó aquella noche de verano para celebrar la victoria en el mundial de fútbol. Y por eso tiene algo de fotografía de esa sociedad compleja y contradictoria: la españa solidaria y la cainita, la romántica y la histriónica...en fin, España.  Una película irregular, repleta de un gran caos incontrolado, de momentos hilarantes y otros absurdos. En definitiva una obra contradictoria, como lo es España.

BABY, TU VALES MUCHO (1987)

   Entrentenida y convencional comedia para lucimiento de Diane Keaton, una de las musas del cine ochentero por antonomasia. Es una de esas películas para pasar un rato agradable, recordando aquellos maravillosos años 80 y sonriendo sin parar con la multitud de anécdotas graciosas que nos ofrece esta película que, por otro lado, sirve de documental para conocer la situación de discriminación sexista que la mujer ya padecía entonces. Da una visión sarcástica pero a su vez cargada de crítica de la lucha de las mujeres por eso que se conoce hoy como conciliación de la vida familiar y laboral. En los años 80 ya teníamos esa mujer independiente y liberada, trabajadora incansable, que podía superar en formación y capacidad a cualquier hombre pero que arrastraba ( y arrastra hoy, 30 años después) el lastre que supone su estigmatización por ser madre. Al principio vemos a J. C. Wiatt , la protagonista triunfante en su vida profesional, es líder de un despacho de abogados de la gran manzana neoyorkina, ha ganado por méritos propios su puesto e incluso infunde un enorme respeto y admiración por su tenacidad y capacidad de trabajo, unas 70 horas a la semana que le van a llevar pronto a ser socia del bufete, uno de los más prestigiosos de Nueva York. Ella se ha graduado en Harvard como la primera de su promoción, es una gran mujer pero de pronto, inesperadamente recibe una herencia envenenada: debe hacerse cargo de una criatura, de un bebé de un primo suyo de Inglaterra que apenas conocía y que ha fallecido. 

  Hasta aquí digamos, la parte seria y de denuncia social porque, evidentemente, ella va a ser rechazada y degradada cuando sus jefes descubran que ahora es madre ( aunque sea circunstancial). Y, sin embargo, aquí empieza la comedia. Desde luego para todo aquel que haya sido padre o madre o esté camino de serlo esta es su película. Porque nuestra protagonista, al principio reticente ( llega a intentar la adopción), se va a ir poco a poco enamorando de esa criatura que nos enamora a todos, por poco instinto paternofilial que tengamos. Ella va a ir descubriendo su instinto maternal y va a defender a capa y espada a su niña, renunciando incluso a su carrera profesional y a su marido ( que se niega a convivir con un niño) y abandonando la gran ciudad por una vida más tranquila en un pequeño pueblo. Compra una casa pero todo le sale mal: el invierno se le echa encima y la casa es un desastre, el pueblo le resulta odioso y a punto está de abandonarlo todo pero la pequeña Elisabeth, que así se llama, le proporcionará las fuerzas necesaria para salir adelante.

    La película no es ni siquiera una gran comedia, pero si una comedia ligera y que se hace agradable de ver como decimos. No cabe duda que las peripecias de esta madre, con un gran trabajo cómico de la Keaton, nos logra emocionar, sobre todo cuando vemos a ese pequeño bebé que no para de "maquinar". Además ver esa escenografía, esos decorados, ese Nueva York, esos trajes y peinados nos aseguran una vuelta a los 80 que si bien demuestra que la cinta no ha envejecido nada bien, a aquella generación en concreto nos devuelve una sincera sonrisa. Una película entretenida para desconectar un poco aunque hay momentos en que el guión resbala bastante, sobre todo cuando la chica conoce al chico y todo se vuelve francamente convencional pero tampoco podemos pedir mucho más.  Al final, como era de esperar, triunfará el amor incondicional por esa ricura de bebé aunque la moraleja suene un poco arcaica: teniéndolo todo a su favor para regresar triunfal renuncia a todo para ser una buena madre. Es lo que hay.

Cómo matar al perro de tu vecino (2002)

 

  Cómo matar al perro de tu vecino, como no podía ser de otra manera con ese título, es una comedia costumbrista, algo amanerada y cursi pero con un muy buen guión y magníficas interpretaciones que hacen de esta parodia de un escritor de teatro en decadencia que se ve inmerso en una enorme crisis de insomnio por culpa del perro de un vecino un brillante producto que consigue hacernos pasar una agradable hora y media disfrutando en muchas escenas de momentos hilarantes, muy divertidos. Todo en ella es delirante: recuerda un poco a esas comedias alocadas de un woody allen en apuros que toma caminos erróneos que parecen no conducir a ninguna parte pero que adquieren todo su sentido al final. También recuerda a ese magnífico humor inglés, siendo una producción norteamericana.

   Es un humor inteligente  aunque podía haber llegado más lejos si hubiese arriesgado un poco más porque en muchas de sus escenas acaba resultando convencional. Pero no nos adelantemos. La historia nos cuenta la vida marital de Peter y Melanie McGowen, unos acertadísmos Kenneth Brannagh y  Robin Wright. Él, como decía, dramaturgo de éxito en los 80 pero de fracaso en fracaso en los 90. Está inmerso en una nueva obra que le trae por el camino de la amargura. Ella es una bellísima profesora de danza que vive obsesionada con ser madre. La verdad es que Peter no está muy por la labor pero periódicamente acuden al ginecólogo con la esperanza de que el embarazo se haya producido. Bueno, más bien ella que él, que no se ve, ya cuarentón, cuidando a un niño: ello podría laminar su creatividad artística. Hay que tener en cuenta que tiene que cuidar de su suegra que está en estado de demencia casi irreversible.

    Brannagh es el personaje central de todo el largometraje, es un tipo culto y refinado que se exhaspera con la vulgaridad y mediocridad del común de los mortales. Además ha dado con unos actores muy malos que no saben entender el texto que les ha ofrecido. Tampoco el productor de la función lo comprende muy bien y, entre todos, le obligan a cambiar páginas completas de su obra. Cómo está en crisis y en baja forma se plega a tamaño despropósito pero en su vida corriente está irascible e insoportable. No aguanta a nada ni a nadie y para colmo, una noche, escucha los ladridos insistentes de un perro de su vecino y el insomnio se apodera de él. 

    En realidad, como dice en una entrevista que acaba como el rosario de la aurora, "yo tan solo padezco insomio 4 veces al año....y dura tres meses". Ese tipo de frases son las que dan fuste a esta comedia. En todo momento su pareja, Melanie es dulce y ejerce una acción calmante en él, aunque esté cercano a la desesperación.  La situación se va complicando, como suele suceder en estas comedias de enredo: un ladrón que se hace llamar Peter McGowen amenaza la apacible urbanización angelina. Pronto Peter, insomne perdido, saldrá a pasear y se encontrará con el energúmeno, que en realidad es un paranoico seguidor del escritor. Juntos pasaran las noches con unas divertidas conversaciones de por medio. Una escena memorable es cuando la policía detiene al verdadero Peter pensando que es el ladrón.

   Entrará en acción una familia que se traslada enfrente de los McGowen. Se trata de una madre divorciada con su hija tullida. La madre admira al escritor y la niña parece un poco repelente. Sin embargo, este pequeño diablo con una discapacidad en una pierna, será la clave de bóveda del desenlace final de la historia. Al  principio Peter detesta que su mujer haga de canguro con la niña   pero poco a poco irá cogiéndole cariño. No en vano le da unas ideas fabulosas que apunta mecánicamente en un pequeño bloc y que después trasladará a su obra. La niña despierta en él todo el instinto parternal que jamás tuvo y generará las escenas más emotivas del film.

     El guión como señalaba anteriormente es certero, con grandes muestras de brillantez que dulcifican el camino al espectador. Aunque tiene aspectos de comedia al uso, supera el nivel de esas películas  ñoñas de una tarde de domingo. Maravillan todas esas conversaciones, es un humor inteligente muy por encima de las mediocres comedias convencionales. Cuando le preguntan si le gusta fumar (porqué fuma compulsivamente) asevera: "no me gusta el tabaco, pero pero me ayuda a escribir". Todas estas situaciones rocambolescas, como en el caso de sus escapadas nocturnas con su fan- fanático, sus problemas con la próstata y la dolorosa  revisión de la misma, sus disputas acaloradas por asuntos triviales y otras situaciones más, en especial su relación con la niña, Amy ( Suzi Hofrichter) convierten esta película en una agradable velada. 

   A destacar el papel de Kenneth Brannagh que demuestra que no solo es capaz de hacer espléndidos papeles dramáticos, shakespearianos o de cualquier otra clase, sino de adentrarse en una comedia ligera, en un papel que no está hecho precisamente para este tipo de actor. También Robin Wright está fantástica, en un momento excepcional de su ascendente carrera cinematográfica que después la condujo a papeles de mayor importancia. Es la mujer dulce, comprensiva y, a la vez, de gran caracter y personalidad. Esta pareja demuestra química y dan ese frescor casi de comedia inglesa aunque sea norteamericana, una película que pasó casi desapercibida y que merece la pena recuperar.

EL COCHECITO (1960)

   Otra de esas "joyitas" con que el cine nacional nos obsequiaba en pequeñitas dosis en la época franquista. Una más de Rafael Azcona como co-guionista junto al director italiano Marco Ferreri, que ya habían tenido un enorme éxito con la genial "El pisito" una parodia grotesca de un hombre sencillo que se ve abocado a casarse con una anciana a la espera de heredar. En este caso la idea tiene mucho que ver también con la vejez. Se trata del histriónico y siempre recordado Pepe Isbert ( el de Bienvenido Mr. Marshall) que, muy entrado en años, se encapricha de un cochecito para minusválidos. ¿Cuál es el problema?. Qué el anciano está estupendamente de las piernas, intentará fingir una enfermedad para que su familia le permita tener el cochecito.

    El problema es que el venerable anciano, Don Anselmo Proharán, ha hecho mucha amistad con un grupo de tullidos que se lo pasan pipa yéndose a pasar las tardes a la campiña madrileña y hasta a hacer carreras de cochecitos motorizados por el centro de Madrid.  Y claro, la envidia de verlos a todos motorizados le corroe, el quiere volver a tener amigos, a salir con ellos y encargará el dichoso cochecito, a espaldas de su familia que son su hijo Carlos ( Pedro Porcel), procurador que mantiene a toda la familia y a un pasante, Jose Luis López Vázquez con pelo que es el novio de la nieta de Don Anselmo, interpretada por una jovencísima Chus Lampreave.

   Para conseguir el preciado motocarro, fingirá una invalidez que el médico familiar enseguida detecta falsa y el follón con su familia se acrecentará. Al final tomará el camino del medio para conseguir el dinero robando a su propia familia, incluso empeñando las joyas de su difunta mujer que son herencia de su hijo cometiendo así un flagrante delito. Desesperado tras ser descubierto y viendo que pierde el cochecito decide tomar medidas mucho más drásticas.

   La película se podría calificar de comedia dramática con elementos propios de los guiones de Azcona: el esperpento, el cine negro, la ironía, elementos surrealistas. Todo ello dentro de un cine quasi neorrealista. Escenas memorables, como ocurre con Azcona, en el bufete donde Don Anselmo trata con naturalidad a un individuo que va a consulta por abuso de poder. Como siempre en época franquista tuvo que salvar, !!y de que forma¡¡ a la censura porque en realidad bajo la apariencia de comedia ( que lo es) se esconde una dura crítica social a la España de los 60, un país todavía atrasado económica y socialmente. El mundo de los discapacitados y su difícil integración socio-laboral, la pillería y el engaño como forma de subsistencia, la marginación y exclusión social de amplias capas de la población, el apartamiento de los ancianos como  personas que estorban por su dependencia económica ( recordemos el escaso nivel de las pensiones), la falta de comunicación con ellos y la indiferencia. El infantilismo de la senectud, el desprecio a los diminuídos psíquicos, el trabajo infantil ( nada menos que en un cementerio),etc.

   A pesar de todo ello el film quiere hacernos pasar un buen rato, sacarnos una sonrisa por las situaciones ridículas y esperpénticas a las que la sociedad propende, las miserias del ser humano, en definitiva. Y a fe que lo consigue. Sin ser una película que permita la sonrisa contínua, por su densa negrura intrínseca ( no falta como siempre en Azcona y Ferreri el humor negro) si que es simpática y divertida. La escena del cementerio, cuando van en cochecito a La Almudena ( precioso el plano de la fachada modernista del camposanto) y cómo dejan unas flores a sus seres queridos y ya aventuran que les robarán las flores es deliciosa.

  La música de Miguel Asins Arbós que ya participa en "El verdugo", la obra maestra de Berlanga-Azcona, nos introduce en una mezcla de populismo y situaciones raras, extrañas, muy propias de la temática del film. La fotografía de Juan Julio Baena dispone planos largos y distantes que propician un alejamiento de los personajes hacia el espectador, junto con planos cortos que acercan el drama en las caras de los protagonistas. Muchos planos exteriores de Madrid que ofrecen un aspecto casi documental de aquella ciudad que fue.

    El trabajo de los protagonistas es excepcional, especialmente el de José Isbert ( "Americanos, os recibimos con alegría") que borda un personaje lleno de matices, es el cascarrabias pero también el viejo verde, el enfermo imaginario y hasta el olvidado y apartado viejo que nadie quiere ya seguir sosteniendo ni escuchando. Es ese Isbert, el actor que logró crear un estereotipo de abuelete, entre picarón y entrañable, que ha devenido en necesariamente carismático. El resto de actores también brillan a gran altura, aunque unos escalones por debajo del genio manchego. Atención a una María Jesús ( después Chus a secas) Lampreave, en un papel casi testimonial. Como anécdota dos frailes que visitan el bufete del hijo de Don Anselmo y que son el propio Azcona y Saura, el director.

   Una película imprescindible en la Historia del cine Español, premio de la crítica en el festival de Venecia y que, junto a la también obligada de El pisito, marcan la etapa española del director italiano Marco Ferreri. 

  

 

HYSTERIA ( 2011)

  Agradable y recomendable comedia basada en hechos reales, de carácter feminista, con el trasfondo de la Inglaterra de finales del  siglo XIX, en la que el doctor  Mortimer Granville ( Hugh Dancy) después de ayudar a muchas mujeres a superar su histeria a base de masturbaciones manuales, acaba fabricando el primer consolador eléctrico. 

  Todo empieza con el  doctor Robert Dalrympe( Johantan Pryce) que, en su consulta psiquiátrica, introduce la masturbación femenina como terapia para acabar con los pesares de muchas mujeres, con algunos de los que el consideraba síntomas de histeria, pero que en realidad no eran más que pequeñas depresiones acompañadas de insomnio, malestar general y mal humor. De manera deshinibida este doctor introduce esta técnica de carácter sexual y , en la puritana sociedad británica victoriana, es lo que más llama la atención, lo que choca y provoca la sonrisa del espectador. Naturalmente sus pacientes, numerosas, están entusiasmadas con esta nueva técnica que, sin saberlo el venerable doctor, está provocando extraordinaros orgasmos en mujeres que en su vida privada marital seguramente nunca lo habían conocido.  Y eso por eso que su consulta no para de crecer. 

   El doctor es viudo y vive con sus dos hijas. Una, más recatada y  formal, Emily, es la pura imagen de la mujer típica del puritanismo victoriano. La otra, Charlotte, una extraordinaria Maggie Gyllenhaal, es todo lo contrario: feminista y luchadora por los más desvalidos, abandonará el calor del hogar paterno para mantener un pequeño hospicio donde lucha por cuidar y curar a los desheredados. Al mismo tiempo defiende el sufragismo y el derecho de las mujeres a la igualdad.  

   Un día, el joven y apuesto Doctor Granville, encuentra trabajo como ayudante de la consulta del Doctor Dalrympe. Inocente, observa el tratamiento que este realiza, manualmente, a sus pacientes para calmarles su histeria y su  rostro se transforma: queda impresionado y un tanto escandalizado pero acepta el trabajo. Comienza, con cierta torpeza, a practicar las masturbaciones a las mujeres, mayoritariamente entradas en edad. Pero pronto afina su mano y la consulta comienza a desbordarse. Un problema en su muñeca, tras una larga temporada dándole al "manubrio", le lleva al fracaso y a su despido porque queda inútil para seguir dando placer a las venerables señoras.

  Entonces, casualmente, en la vivienda de un aristócrata y vividor amigo, descubre la solución perfecta para no tener que sufrir molestas tendinitis en la mano a consecuencia del desmadre masturbatorio. Junto con su amigo, inventa una especie de vibrador que se atreve a probar de vuelta en la consulta con las pacientes de Dalrympe. Así consigue poner en marcha una revolución sexual que llegará a oidos de la mismísima Reina Victoria.

   La película aborda el concepto de sexualidad femenina que existía en aquel período victoriano, la idea de que el orgasmo femenino era como una reacción alocada, algo antinatural, que paradogicamente servía de terapia de choque para este excéntrico doctor. 

También es una comedia romántica un tanto manida, la relación que enseguida se establece entre el joven doctor y la hija más recatada y, después, la aparición de la otra hija, la rebelde, que acaba atrayendo su atención. En ese sentido la película fracasa, es demasiado convencional y previsible, quedando finalmente como una película que siendo simpática no acaba de cuajar.

  El guión está bien trabajado, sobre todo en esa reflexión sobre el papel de la mujer y las tremendas  desigualdades sociales que existían en la Inglaterra de finales del XIX. Logra también una lograda ambientación histórica en la que vemos también el papel y los métodos de la ciencia médica en aquel entonces, todavía arcaicos y los avances en este campo. Sin embargo todos estos temas, por tratarse de una comedia, son abordados de manera superficial. La película podía haber dado mucho más de sí. Sin embargo es un buen entretenimiento que nos enseña cosas, con lo cual consigue sus  objetivos en parte ya  que permite extrapolar muchos aspectos de la sociedad de aquel tiempo con la actual.  El reparto hace una brillante labor interpretativa, no solo los principales actores, sino también los secundarios, que no desmerecen a los primeros.

   Además es una película de mujeres hecha por una mujer, la directora Tanya Wexler, casi debutante y que habrá que seguir con detenimiento en el futuro. Se nota ese punto de vista feminista y reivindicativo aunque con el acertado logro de hacer que todo ello sea visto desde la óptica masculina, bien es cierto que desde una óptica masculina abierta, dispuesta a aceptar que la mujer no sea un mero objeto decorativo y juegue en la sociedad un papel mucho más igualitario

 
 
 

LA BANDA PICASSO ( 2012)

   Comedia de contextualización histórica, en la época gloriosa del París de Picasso, Apolinaire, Max Jacob. Estos personajes deambulan sin mucho sentido en una trama bastante rebuscada, con el pretexto del robo de la Mona Lisa perpretado en el Louvre, Picasso y su grupo de amigos, todos estos intelectuales que citaba, serán investigados por la gendarmería francesa, siendo acusados de robo del patrimonio nacional francés. Y no solo por la Gioconda, que tanto admiran en sus visitas frecuentes al templo del arte parisino, sino también por un conjunto de esculturas ibéricas sustraídas para el genio malagueño que, digamos, tomó prestadas y que le sirvieron de inspiración para su primer arte cubista.

  

  Nos encontramos en 1911, el cubismo ya había eclosionado cambiado la historia del arte universal. Braque  y Picasso seguían experimentando en íntima comunión artística pero se van a ver inmersos en un lío  monumental por la desaparición del icono de Leonardo da Vinci. Picasso y Apolinaire son detenidos y encarados. Recuerdan la presencia de un joven muy bien parecido, musculado, apodado el Barón, que les había facilitado cuatro años antes y de forma muy hábil las estatuas ibéricas del Louvre. Estas estatuas y otras que Picasso observa en manos de Matisse, unas máscaras africanas, serán la inspiración para la obra icónica que dió inicio al camino cubista: Las señoritas de Avignon.  Tras ser detenidos, la prensa habla de la banda Picasso, como echando la culpa del robo de la obra más preciada del museo parisino y los sitúa como autores del robo de la Mona Lisa.

   Partiendo de un hecho real, la detención e interrogatorio de Picasso  y Apollinaire en relación con el misterioso robo, Fernando Colomo contruye una comedia costumbrista, una especie de gran bodegón del París de principios de la segunda década del siglo XX. Como película cómica no tiene mucho éxito. Si lo que pretendía el director era presentarnos un fresco en el que van apareciendo, uno detrás de otro, varios de los intelectuales que, junto con Picasso, encabezaron las vanguardias artísticas en ese París mágico ciertamente lo consigue. Pero hay que señalar que no es una película apta para no iniciados en la historia intelectual del primer Picasso. Es quizás uno de sus primigenios errores, dar por sentado muchas cosas sobre la vida de Picasso que el gran público no tiene porqué saber, tampoco traza bien al resto de personajes que tardan un poco en ser presentados y desconcierta al espectador ante tal trasiego de personalidades de tanto nivel en la historia de la cultura.

    Las interpretaciones son aceptables y el Picasso que representa Ignacio Mateos es bastante creíble, quizás la mejor interpretación del conjunto. Representa a un Picasso todavía inseguro de sus propios logros, pintando por encargo a Gertrud Stein y ese cuadro del burdel barcelonés que rompió con todo y que es despreciado por la mayoría de los que lo ven por primera vez. 

    Guillaume Apollinaire ( Pierre Benezit) también realiza una interpretación más que aceptable, el resto de personajes que rodean a Picasso, como Manolo Hugué ( Jordi Vilches), Braque, Matisse, Jacob y sus chutes de éter paranóicos son tratados con simpatía, en un intento de hacer gracia pero que no consigue su objetivo, al menos no del todo. Porque el guión es bastante caótico, le falta un sentido narrativo claro, una línea argumental verdadera, va dando tumbos, creando una serie de bifurcaciones que ofrecen nuevos personajes que no sabemos muy bien a cuento de que aparecen. Desde luego si Colomo quiere darnos una lección de Historia del Arte, tampoco lo consigue porque la visión es tan fragmentaria que despistaría hasta al más experto. Es un quiero y no puedo, por ejemplo no acaba de vislumbrarse adecuadamente la relación con Fernande, aunque si que apunta ciertas manías y celos. Es un homenaje a Picasso y una película recomendable para quien quiera sumergirse en el ambiente artístico de ese Montmatre parisino y de esa comunión tan genial entre George Braque y Pablo Picasso, en ese mundo de marchantes y salones repletos de pintores malditos. No obstante solo me queda por asegurar que no logra crear ese ambiente que tan bien retrata Woody Allen en Midnight in Paris.

LA REVOLUCIÓN DE LA SEÑORA RATCLIFFE (2007)

 

      Comedia sutil y sencilla sobre las peripecias de una familia muy ideologizada, comunista, que decide un buen día, de buenas a primeras, emigrar desde el salvaje mundo occidental capitalista al paraíso de los trabajadores. Nótese la ironía. Porque la película narra de manera muy cómica el pensamiento recalcitrante desde el punto de vista de un progre muy progre, el padre de familia, pero que vive bien, con un puesto de trabajo acomodado, en la Gran Bretaña de los años 60, pero que está insatisfecho con su vida y con la sociedad. En realidad su comunismo militante y quasi rayano en la fe religiosa le llevará a hacerse una idea del todo equivocada de lo que estaba pasando al otro lado del telón de acero. 

   El padre de familia del que hablamos es Frank, el señor Ratcliffe ( Ianin Glen ) que, como decimos, lo prepara todo para emigrar a lo que él piensa que es el paraíso en la tierra, la mal llamada República Democrática Alemana ( RDA). La Alemania Oriental, vamos. Y, aunque el resto de familia no está muy convencida (la hija adolescente y contestataria se opone, la hija pequeña, autoritaria, se cierra en banda y el cuñado simplón que vive con ellos tampoco muestra mucha alegría), la señora Ratcliffe, Doroty ( Catherine Tate) acaba siendo seducida por la idea descabellada de su marido. Estamos en la Inglaterra de 1968, un país estancado económicamente en el que se están produciendo unos cambios sociales de gran calado, revolución sexual y Beatles incluídos.  El mundo está cambiando y el bloque occidental atraviesa momentos de crisis como la lucha por los derechos civiles en EEUU y la Guerra de Vietnam.

  

   Pero el señor Ratcliffe, profesor universitario, decide que la familia debe hacer las maletas. A partir de ese momento divertidísimas situaciones nos deparará la película. Desde el propio viaje en un terrible automóvil, hasta el recibimiento extrañado de los guardias fronterizos al ver a una familia acomodada de occidente accediendo al deprimente y depauperado mundo comunista, pasando por las situaciones y personajes más rocambolescos que nos podamos imaginar.

    El aspecto del totalitarismo comunista está tratado de una manera simpática y  graciosa. Desde el primer alojamiento que el Estado asigna a la familia, cutre, desmochado y sucio, que ya anuncia el desenlace, hasta la vergonzosa ceremonia de recepción al nuevo profesor universitario. Aunque podemos decir que no se adentra en las atrocidades del régimen de la RDA aunque aparece también la temida Stasi, policía secreta.

  El papel del padre de familia está maravillosamente interpretado por Glen. Cierto que no tiene demasiados matices, es plana su interpretación, pero enternece por su inocencia y poca perspicacia.  La que sobresale dentro de todo el conjunto es la protagonista del título de la película, la madre de familia fiel y entregada que es la primera que se da cuenta de que hay gato encerrado en el nuevo paraiso comunista. Además, su papel como luchadora madre que trata de sacar adelante a sus hijas en un ambiente completamente hostil, además de mujer traicionada en cierto momento por su marido es de lo mejor de la película. Y también el papel de su hermano medio autista, mayor, solterón que vive con ellos y se enamora de una estricta mujer madura vecina del bloque comunitario es enternecedor. Ambos personajes destacan mucho dentro de esta enrevesada comedia que, sin embargo, flaquea en varios puntos.

    Coproducción húngara-británcia que posiblemente aborde un aspecto real e histórico de aquellas fechas: ciertas personas que hicieron el camino a contracorriente, que pasaron del occidente opulento al oriente comunista, al contrario que mucha población del este que soñaba con escapar de aquella cárcel que eran los países del telón de acero. Este hecho también aparece en la película, también tratado de forma irónica: el intento de escapar, de atravesar ese muro de dictadura  para buscar  un futuro mejor para ellos y sus familias.

   En definitiva una comedia sin muchas pretensiones,entretenida, con una ambientación retro, disparatada por lo disparatado de las ideas que defendían los comunistas que no habían vivido ni visitado, más que en pequeñas exhibiciones potemkianas, es decir, mostrarles solo lo bueno, la pésima calidad de vida y las enormes cortapisas a la libertad que sucedían en esta parte de europa.

HABEMUS PAPAM ( 2011 )

    Curiosa película del cineasta y actor italiano Nanni Moretti, grandemente alabado por su excepcional querido diario ( Caro diario) que propiciaría su salto a la fama internacional. En este caso, en el habitual tono humorístico- satírico que suele utilizar en casi todas sus obras describe la elección de un nuevo papa, con una perfecta ambientación del cónclave en plena capilla sixtina.

     Todo parece marchar como corresponde, en una narración fílmica quasi televisiva, periodística: tras los debates y votaciones entre el colegio cardenalicio, llegamos a la fumata blanca. El elegido, apesadumbrado por la responsabilidad que acaba de serle encomendada, acepta, siguiendo los  pasos que marca la milenaria tradición. Pero muy pronto, cuando está siendo ayudado por el camarlengo a elegir la vestimenta oportuna, su talla, para salir al balcón de San Pedro y ser anunciado a los fieles, sufre un repentino ( aunque anunciado desde las primeras escenas durante su elección) ataque de ansiedad que le imposibilita salir a pronunciar su discurso y bendición tradicional en estos casos. Tanta es la responsabilidad que siente sobre su persona que, a pesar de haber aceptado previamente el cargo ante el aplauso de los cardenales que acababan de darle la mayoría necesaria para investirlo como nuevo pontífice, decide renunciar al cargo. No se ve capacitado para tan magna tarea, la de dirigir a la iglesia católica. En un principio todos los presentes quedan desconcertados, no saben que hacer, puesto que ya se ha anunciado a los fieles en la plaza de San Pedro la fumata blanca. Todo el mundo,  a través de la televisión, conoce el nombramiento de un nuevo pontífice y este debe salir al balcón a proclamar al mundo su reinado. ¿ Cómo decir a toda la humanidad, expectante, que, a última hora, el nuevo pontífice ha decidido renunciar?. El marrón es de gran consideración.  

 

    Hasta ahí la película promete, pensamos que vamos a asistir a un ejercicio ciertamente complicado para convencer al anciano cardenal, interpretado por  Michel Picoli, que da muy bien en su papel, es convincente en su interpretación. Pero la película se queda en un gratuíto intento de divertir y quizás, criticar a la vez a la iglesia sin mucho sentido. Cierto que la historia que describe podría ser posible pero no nos imaginamos creíble todo el ambiente que describe puertas adentro del vaticano. En realidad, tras la primera renuncia del elegido, abrumado como decíamos ante tan magna responsabilidad, este es convencido para que no dimita, sino para que se lo vaya pensando, para que reflexione y acabe aceptando haciendo creer a los fieles que el papa está enfermo y que, por eso, no puede salir a saludarlos.  Pero la tarea será complicada, llevarán a un psiquiatra a la santa sede ( el propio director, Moretti) que comenzará a practicar terapia con el avejentado cardenal. Este le transmite sus temores y el especialista trata de paliarlos con consejos cada vez más absurdos.

     Para que el psiquiatra no pueda revelar lo que está pasando se le obliga a permanecer en la residencia Santa Marta, donde se hospedan los cardenales y el papa recién elegido. Allí entablará una simpática relación con los venerables ancianos. Pero el loquero tiene su vida privada y debe, a su vez, engañar a su familia, discutiendo con su mujer por el asunto. De repente el papa consigue escabullirse y, vestido de calle, se desvanece por las calles de Roma. El pánico se apodera de la sacrosanta institución aunque ahora se engaña al resto de cardenales para que no sepan de la escapada del pontífice. Este debe de atravesar un proceso de duelo, de reconocimiento de la realidad que le ha tocado afrontar en el final de su vida y lo irá asumiendo desde fuera, como si se tratase de un ser humano cualquiera que está tomando una cerveza en un bar, asistiendo al espectáculo televisivo.

  La película tiene aciertos, como desmitificar esa imagen seca y severa que tenemos de la curia y humanizarla. Los cardenales, ya hartos de tanta espera y de su incomunicación se las ingenian para entretenerse: juegan a las cartas e incluso organizan un partido de voleibol. Quizás la mejor escena sea la inicial, ese travelling con voces en off de los diferentes participantes en el cónclave, en la que todos piden a Dios que no lo elijan a el. La calidad técnica y el magnífico vestuario hacen más verosímil lo que es inverosímil, quizás ese sea el mayor mérito de la película.

   Sin embargo resulta en ocasiones tediosa y no tan graciosa como Moretti pretendiera. Si lo que buscaba era una reflexión sobre los males de la curia y una crítica a esta desde luego no lo consigue. En ese caso sería una película fallida. Si la intención es desmitificar un mito creo que tampoco llega a hacerlo, más bien propone un sencillo ejercicio de entretenimiento con un telón de fondo poco habitual. Buscar lo cotidiano en donde no lo hay, al menos en apariencia.

LA DELICADEZA ( 2011 )

    Película de sentimientos, encontrados en ocasiones, de dramas y de romances. La película se puede dividir claramente en tres bloques bien definidos. En la primera parte Nathalie, una notable Audrey Tatou, vive su apasionada historia de amor. Es el amor de su vida, viven en pareja y todo es perfecto. Pero se desencadena el terrible drama: su amor sale a la calle para un asunto trivial y muere en un accidente trágico. Todo cambia de repente para Nathalie: ahí comienza el segundo capítulo, por así decirlo: el duelo. Es un duelo terrible, porque la protagonista ha perdido algo que realmente amaba, se aisla, no quiere vivir, pero poco a poco irá saliendo del agujero. Hasta aquí el drama romántico. Y después, la tercera parte: la comedia romántica, donde Nathalie conoce de nuevo el amor, pero un amor diferente al primero, completamente opuesto, un torpón y grandote tipo sueco que, con su ternura y timidez la sacará del atolladero de una manera ciertamente delicada.

     Markus ( François Damiens) carece de dotes de seducción, es poco atractivo, muy reservado y tímido, torpe en casi todos los aspectos y tampoco es una persona brillante que escriba bellas cartas de amor, pero transmite una ternura y bondad enormes y eso es suficiente para que Nathalie recupere su vida y se abra de nuevo al amor.  Sin embargo surgirán dificultades para que cuaje esta nueva relación, la gente no lo ve normal: ¿cómo va a ser posible el amor entre dos personas tan diferentes?. Ella, guapa y buena profesional, con dotes de mando en su empresa. Él, feo y carente de atractivo, empleado subalterno. Pero surge y he ahí el misterio del amor. Personajes tan aparentemente distintos, descubren que son almas gemelas y aunque el mundo que los rodea no los vea con buenos ojos ( solo su abuelita, en la campiña sabe desentrañar en un segundo la bondad de Markus) ellos acaban por salir adelante, no sin las típicas dificultades del personaje inseguro que interpreta Damiens.

    El jefe de Nathalie, un hombre poderoso, triunfante en la vida ( aunque no en el amor) intentará seducirla pero ella se resistirá y cuando observa que un hombre menos agraciado que él, sin poder alguno, un fracasado en muchos aspectos, ha conseguido enamorarla  montará en cólera  pero ella sabrá sacar lo mejor de sí misma para convertir la situación en un enfado pasajero y en un triunfo de su  amor.

   Los directores, hemanos y autores también de la novela, resuelven la película de manera más que favorable, con un ritmo pausado pero sin discontinuidades, saben introducir muy bien el drama y la comedia, de manera conmovedora en ocasiones, pero sin dejar de lado la profundidad a través de esa crítica social de la superficialidad, del mirar solo lo que se ve externamente y prejuzgar antes de conocer el fondo de las personas. 

  

   Hay escenas de gran comicidad, como cuando Markus, que ya se cree un galán de postín, seduce a bellas modelos, aunque sea solo un pensamiento. Esa parte cómica se hace más llevadera que toda la parte dramática, pero en conjunto es una película que rezuma dulzura y sensibilidad. Es, efectivamente, la delicadeza. 

UN TRABAJO EN ITALIA ( 1969)

 

  Película del cine británico de finales de los 60, entretenida, divertida pero no debemos  esperar mucho más. A pesar de que en su época se convirtió en una película de culto hoy ha quedado muy anticuada. Sin embargo hay algunos aspectos destacados: principalemente un sobradísimo Michael Caine, en su primera etapa, haciendo de ladrón de guante blanco que prepara un gran golpe con la ayuda de un magnate encarcelado. La mafia italiana está al acecho. Realmente hay algún momento en el que parece un Inglaterra-Italia ( o un Londres- Turín) en toda regla. Se trata de robar 4 millones de dólares en lingotes de oro en Turín. Para ello Caine y sus secuaces programan un intrincado y ridículo ( no hay que olvidar que es comedia también) plan para colapsar el tráfico del casco antiguo turinés. Aprovechando una vía de escape, lograrán paralizar la ciudad y hacerse con el botín que esconde el furgón blindado. La huída es lo mejor y el duelo entre Minis y Alfas Romeos.  

    En realidad no es una película para tomársela muy en serio, es una comedia muy al estilo británico. Las persecuciones tienen gran impacto visual teniendo en cuenta el año de su realización. Collinson juega con las cámaras para dar diferentes puntos de vista pero lo que prevalece es el humor. Hasta Benny Hill aparece en su obsesión esta vez por las gordas. Sin ser una gran película ( de la que se hizo una secuela recientemente) es una opción para pasar un buen rato sin pensar en mayores trascendencias, disfrutando del siempre inigualable Caine. Y de escenas memorables como las persecuciones: minis vadeando ríos, subiendo a la cubierta del palacio de los deportes o las escenas finales del triunfo del golpe y su aclamación dentro de la cárcel. También destacaría las espectaculares imágenes de los alpes y sus intrincadas carreteras que esta panda de desgraciados pretende utilizar como  vía de escape con un enorme autobús. 

BALAS SOBRE BROADWAY

Me gusta el cine de Woody Allen. Y en esta ocasión no me ha defraudado para nada. La película está llena de diálogos inteligentes y muy divertidos, como en casi todas de sus películas. Pero en Balas sobre Broadway Allen riza el rizo con una obra dentro de una obra. La película narra las peripecias de un autor teatral para estrenar una obra y las concesiones a que se ha de someter para lograr la financiación para ello. Al final tiene que aceptar a una pésima actriz, novia de un mafioso que en este caso es el "mecenas". Lo más genial de todo es comprobar como el verdadero genio teatral es un matón a sueldo y que el autor en realidad es un auténtico fracaso. El final trágico-cómico de esta película me deja una sensación muy agradable. Auténticamente una obra maestra del genio Allen. Destacaría el soberbio trabajo de Diane Wiest, que fue galardonada con el óscar. Chapeau.

     Corren los años 20. David Shayne, un autor teatral muerto de hambre, ha conseguido por fin financiación para una de sus obras. Ahora, eljoven dramaturgo tiene la oportunidad de llevar a escena su última obra con un elenco magnífico. Para ello basta con que acepte dar un papel secundario a Olive, la incompetente novia del productor, el gángster Nick Valenti. Olive acude a los ensayos acompañada de su guardaespaldas, Cheech, que, lejos de limitarse a vigilarla, se permite sugerir cambios en la obra que contribuyen a mejorarla. Además, y a fuerza de ceder, el artista, David, se consume en la duda, y el arte pasa al último plano. Pero alguien inesperado recoge la antorcha de la creación: Cheech es quien termina reescribiendo la obra.