Balada triste de trompeta (2010)

     El cine de Álex de la Iglesia es, ante todo, descarnado, carente de complejos (siempre políticamente incorrecto) y, cosa importante, casi siempre entretenido, al margen de las tramas de sus guiones y de los aciertos o errores que en ellos aparezcan. Todas sus cintas aparecen siempre tamizadas de un humor negro que lo empapa todo, de manera que ha conseguido imprimir un sello propio a cada una de sus películas. Desde aquella aquella  bestial y mítica cinta en la que el diablo iba a nacer en las torres Kio, sus thrillers mezclados con comedia negra, son ya reconocibles como marca de la casa y, hay que señalarlo, como una magnífica marca.

    La tarea de recrear medio siglo de la más reciente Historia de España, desde la Guerra Civil del 36 hasta el inicio de la Transición, con la voladura del Presidente Carrero a manos de ETA es un trabajo demasiado desequilibrado,  a veces hilarante pero que deja de tener gracia muy pronto. Resulta francamente exasperante, una locura esperpéntica típica de un demente, pero con la salvedad importante de que es cine "De la Iglesia" en estado puro. Pero esta vez a Álex se le va la pinza, con unos diálogos francamente incomprensibles que conforman esta especie de "escopeta nacional hitchockiana" sobre la locura de todo un país, representados en los personajes casi psicóticos que nos presenta.

    De la Iglesia ( autor del guión) se levantó un día y pensó: ¿Cómo cuento la eterna disputa entre las dos españas?. Pues a través de tres personajes que se vean irremediablemente atraídos y repelidos entre sí.  Puesto que la historia va a tener como hilo argumental la vida y milagros de una compañía de payasos, tenemos al payaso tonto (Antonio De la Torre), el que hace gracia a los niños que en realidad es un maltratador, lo que dice una mala persona y por otro lado tenemos al payaso triste (Carlos Areces), que primero es un panoli que, traumatizado por la prisión y muerte a manos de los nacionales de su padre payaso, inicia su andadura, feo y desgarbado, como el payaso que no hace gracia pero que en realidad, en contraposición con su compañero, es buena persona, tan buena que acabará torciéndose irremediablemente.  Ya le hemos liado, Álex: una españa de buenos contra malos. 

  ¿Y quién es España?. España, amigos míos, es una mujer bella, maltratada por el payaso tonto, del que está locamente enamorada pero que, incomprensiblemente, es capaz de verse atraída también por el payaso triste que la trata como a una reina pero que "no es para ella". Ella ha nacido para sufrir, para ser vejada, humillada y para trabajar sin descanso hasta reventar desfallecida. Cuando despierta de su letargo y opta por la opción correcta, la que le hubiera dado una buena vida, es tarde ya para ella. Es decir, que España no tiene solución, concluye nuestro maestro de ceremonias. Nada sutil mensaje, por cierto.

No es por tanto difícil averiguar a qué dos españas representa cada payaso. Pero, al margen de esta interpretación histórico-política, lo que hay en el  fondo es una historia de una violencia salvaje, de escenas rodadas con gran virtuosismo y espectacularidad y una segunda parte del film que se desinfla inmersa en un guión insoportable aunque, a lo Hitchkock, como siempre en el cineasta vasco, culmina a lo grande en un escenario épico y epicéntrico, ese lugar en dónde murió el padre del payaso tonto trabajando hasta reventar, el lugar donde fueron sepultados miles de víctimas al lado de su verdugo, el Valle de los Caídos, construido con el sudor y el esfuerzo de una España derrotada que siempre nos alcanza.

Ficha técnica:

Título

Balada triste de trompeta

Año

2010

Duración

107 min.

País

 España

Dirección

 Álex de la Iglesia

Guion

Álex de la Iglesia

Música

Roque Baños

Fotografía

Kiko de la Rica

Reparto

Carlos Areces, Antonio de la Torre, Carolina Bang, Santiago Segura,Alejandro Tejería, Terele Pávez, Alfonso Aragón, Sancho Gracia, Manuel Tejada,Fernando Guillén Cuervo, Manuel Tallafé, Enrique Villen, José Manuel Cervino,Gracia Olayo, Joaquín Climent, Luis Varela, Juana Cordero, Raúl Arévalo,Fran Perea, Fernando Soto

Productor

Coproducción España-Francia; Canal+ España / Castafiore Films / La Fabrique de Films / Televisión Española (TVE) / Tornasol Films

Género

Comedia. Drama. Acción. Thriller | Guerra Civil Española. Comedia dramática. Circo.Comedia negra. Años 70. Payasos

ficha: filmaffiniy

MIENTRAS DUERMES (2011)

   La inquietud se apodera del espectador poco a poco, sin prisa pero sin pausa, viendo a un personaje vil y sádico, que ejerce como portero de un lujoso edificio del centro de Madrid. Está a punto de suicidarse porque ya nada hay que merezca la pena seguir viviendo, es un ser infeliz, incapaz de sentir. Pero entonces llega Clara. Ya ha elegido una nueva víctima para su colección poniendo en marcha el ritual, su enfermiza obsesión por las mujeres jóvenes, en este caso su obsesión por Clara ( Marta Etrura).  El obseso, pervertido y malévolo portero es César ( Luis Tosar), la verdadera encarnación de la vileza, podría ser un perfecto enemigo público número uno, solo que sutil y actuando con alevosía y nocturnidad. César destila maldad por todos sus poros, está obsesionado con Clara y puede penetrar a diario en su apartamento, antes de que llegue de su trabajo, esconderse debajo de la cama y esperar a que el sueño profundo le permita realizar su ritual, con el cloroformo preparado para dormirla anestesiándola, poseyéndola en su propia cama.

    Por la mañana Clara está aturdida, cada día se encuentra peor. Al descender el rústico ascensor  camino del trabajo allí está César sonriente, alegre, retomando en su interior nuevas esperanzas. Visita a su madre en estado casi vegetativo, desconocemos si la enfermedad es natural o forzada por su hijito. César le cuenta lo que va haciendo con Clara que no es más que una de sus víctimas, a la que le ha tocado en gracia, es un decir, padecer el suplicio de este obseso. Sin embargo una no menos malvada vecina, un niña pequeña pero tremendamente diabólica le ha descubierto entrando y saliendo de su casa y lo chantajea  aunque ella también probará la terrible medicina de César.

    La tensión crece cuando vemos al desaprensivo poner larvas de cucaracha para provocar una infección en el piso de Clara o cuando pone en todo su maquillaje droga que la va aturdiendo más y más. Después surgirá como salvador, luchando contra la plaga, creyendo ingenuamente que ya hay algo más que un simple hola y adiós entre vecina simpática y  un portero de paso.  Pero lo peor está todavía por llegar, sobre todo cuando aparece Clara con su novio Marcos ( Alberto San Juan). Entonces rabia de celos, porque cree que es suya, que solo él tiene derecho a poseerla.

   Pero todo  está en su imaginación y cuando ve a Marcos la locura se apodera de su ser. Entonces estará dispuesto a todo por no perderla. Una noche Clara y Marcos llegan por sorpresa al piso y César ya está allí, el depravado está debajo de la cama dispuesto a su ritual diario. Entonces debe aguantar una gran humillación y, tras estar a punto de ser descubierto por la mañana, logra evadirse de una manera típicamente criminal, con una habilidad magistral. Pero Marcos no lo ve claro, ¿por qué se había dejado una bolsa debajo de la cama?.¿Cómo es que puede entrar y salir del apartamento de Clara?. El drama estará servido, el asesinato, la culpa, el destrozo de una vida, la de Clara  marcará la segunda parte de la película.

   Lo cierto es que el guión de Alberto Marini consigue crear un muy convincente suspense durante todo el metraje y tenernos muy despiertos, ojo avizor, no sin provocar en nosotros un inquieto malestar. El director, Jaume Balagueró, teje una obra maestra negrísima, una película que no puede dejar a nadie indiferente, un thriller psicológico con todas sus características. Plano a plano nos sumerge un paso más en esa mente enfermiza incapaz de ser feliz, que solo vive para causar el mayor daño posible a las personas.

   Luis Tosar realiza de nuevo una extraordinaria interpretación, que destila maldad por todos sus poros. Ya lo habíamos visto como Malamadre e incluso en aquel abyecto papel de maltratador en Te doy mis ojos. Si en aquellas ocasiones bordaba su papel como villano, como escoria de la socidad, en este ejercicio de drama aterrador, bate todos los récords demostrando todas las caras de la psicopatía. Es que no se puede ser más malo. Pero Tosar no está solo, Marta Etrura se muestra como una extraordinaria partenaire, frágil y vulnerable ser que desconocerá en todo momento la verdadera identidad del psicópata César y cuya vida quedará terriblemente marcada por el abyecto criminal. Por último una banda sonora muy acertada de Lucas Vidal redondea esta obra maestra del último cine español. Un cine negro negrísimo que afortunadamente cada vez mejor el cine de casa está siendo capaz de abordar con mucha solvencia. Después de ver esta película pocas personas podrán dormir tranquilas si a su comunidad de vecinos llega un nuevo conserje o portero. Ese es el gran triunfo de esta película.

MISSING (DESAPARECIDO) (1982)

   Terror, impacto, crimen, thriller, dictadura, fascismo. Todo eso y mucho más representa el cine político de Costa-Gavras, uno de los cineastas más comprometidos con sus ideales, siempre atento a denunciar en sus películas los desmanes del modelo capitalista y el criminal contubernio entre el imperio norteamericano y las dictaduras más abyectas de América Latina en la segunda mitad del siglo XX. Quizás el mejor resumen de toda la película se encuentra en las palabras del embajador americano en Santiago de Chile. Este, en los días  posteriores al Golpe de Estado de Pinochet, enmedio de la barbarie desatada por los militares, salpicada de asesinatos, secuestros y torturas generalizadas contra todo lo que oliera a oposición al nuevo régimen criminal de extrema derecha, le dice a Ed Horman, un magnífico Jack Lemmon, el padre que busca a su hijo desaparecido algo así como que los Estados Unidos deben garantizar la integridad y los intereses de las más de 3000 empresas americanas en el país del cono sur. Los intereses de un país por encima de la vida de las personas. Nada más y nada menos. Es toda una declaración de intenciones. Costa-Gavras deja constancia en su cine y, en particular, en esta película  de los apoyos americanos a la dictadura pinochetista. Pero podría ser Argentina, Brasil, Paraguay o cualquier otro país americano.  Resultaba mucho más conveniente una dictadura de derechas que garantizara el orden y los intereses económicos yankies que un inestable e izquierdista (un comunista en la retorcida visión de Kissinguer) Salvador Allende. Dicho y hecho. El 11 de Septiembre de 1973 los militares chilenos, al mando del general Pinochet derrocan al gobierno democrático de Allende, imponiendo una dura dictadura militar que gobierna con mano de hierro el país y lleva a cabo una persecución política contra cualquier elemento sospechoso de no ser afecto al levantamiento.

   De pronto una mujer y su suegro buscan desesperadamente al marido, al hijo que ha desaparecido y que, probablemente, jamás encuentren. La historia que nos cuenta el realizador franco-griego se mueve en la línea del cine político de gran altura y se basa en esta ocasión en una  historia verídica. Charles Horman ( John Shea) es un joven escritor y articulista norteamericano de ideas liberales y progresistas que es testigo del golpe militar chileno. Se encuentra en Viña del mar junto a una amiga periodista mientras su esposa Bet ( Sissy Spacek) permanece en su casa de Santiago. Quedando atrapados y sin posibilidad de salir por que el ejército ha ocupado los principales puntos neurálgicos del país, Charles comienza a anotar en un cuaderno todo lo que ve. Cuando regresan a Santiago, enmedio de tiroteos y secuestros Charles desaparecerá. Entonces su padre Ed Hormann ( Jack Lemmon) decide presentarse en Santiago y pedir explicaciones a la embajada americana obteniendo una tibia respuesta que no invita precisamente al optimismo.  

  La película se vuelve endiabladamente entretenida y tenebrosa. Una serie de personajes deambulan por ese escenario de horror, siempre acompañados de tiroteos sin sentido ni orden por las calles de la capital Chilena. Esa banda sonora permanente, que nos sobresalta en cualquier momento del film no desmerece al buen trabajo de Vangelis. Padre y nuera están enfrentados, son de ideologías diferentes. Ed es conservador y piensa que su hijo ha obrado mal acercándose a sectores liberales y señala que "tenemos que defender nuestro modelo de vida". Bet le contradice, afirmando que no hacían nada malo.  Y así era, solo fueron demasiado "curiosos", algo extremadamente revolucionario para los fascistas de toda la vida, los de viejo y los de nuevo cuño. Resulta muy destacable la evolución de Ed, lenta y sin retorno, del hombre mayor y conservador ante el empuje de la barbarie nazi, como es descrito el régimen de terror que se ha impuesto en Chile por uno de los protagonistas. Ed acabará viendo la realidad de lo que hace su querido país, su adorada democracia, apoyando a criminales que secuestran y matan a jóvenes por su ideología. Su agotador  e interminable periplo por hospitales, albergues y diversos puntos de la capital son una pérdida de tiempo. La imagen del Estadio Nacional de fútbol, como si de un descenso a los infiernos se tratase, lleno de detenidos y torturados es estremecedora, las salas atestadas de cadáveres identificados y sin identificar nos remiten a una no resuelta Guerra Civil. Todo eso produce el lento cambio en la mente de Ed...y en la nuestra,  quedando desbordados ante la crudeza de lo que está pasando ante nuestros ojos.

   Ellos se darán de bruces con múltiples trabas administrativas, incluyendo las de su propia embajada, a la que en principio acuden y dan crédito pero que se verá  como un impedimento para la búsqueda más que una solución. La mentira y el embuste para acallar a esta familia desgraciada que ha perdido a uno de sus seres queridos se vuelve moneda común. La tragedia nos invade, con una sensación de derrota total y absoluta. El guión es magnífico pues sabe captar el cruel infierno en el que convierten Chile los facciosos militares y la evolución de las conciencias de los protagonistas, llenas de sensaciones emocionales muy profundas. Es un guión panfletario, pero ¿podía ser de otra manera?. La fotografía es brumosa, acentuando la sensación de desazón, el miedo, la pérdida de esperanza no ya de una familia sino de todo un pueblo.  

  Las interpretaciones son fabulosas, en especial la de un Jack Lemmon al que descubrimos como un actor dramático extraordinario. Es ese padre que evoluciona dentro del drama absoluto en el que se ve inmerso y, feroz y austero, lucha por su único hijo aunque este se hubiera desviado de su ideología primigenia. La nuera, Sissy Spacek también interpreta un papel dramático lleno de fuerza y coraje, primero enfrentándose al padre de su marido y después, con soberbia dignidad, a los embustes de todos los que les hacen creer que lo que ven no es cierto. En realidad todos hacen creíbles sus papeles porque Gavras consigue montar una película casi documental, hiperrealista,de los sucesos acaecidos aquellos días, parece que estemos viendo las noticias o un "informe semanal" de aquel horror, lo cual da mucha mayor veracidad a todo lo que vemos y nos pone los pelos de punta sin descanso, hasta el desenlace final que no por previsto se hace más indigesto a nuestra plácida tarde de cine.

    El director de "Z", esa extraordinaria obra de denuncia política, aprovecha un hecho verídico, la desaparición de un joven escritor americano para narrar lo que a él más le gusta: la barbarie de un modelo inhumano y cruel y el apoyo miserable de la nación que dice defender los derechos humanos a un régimen tiránico. Un auténtico alarde de hipocresía y un film verdaderamente necesario. Una lección magistral de Costa-Gavras.

-FICHA TÉCNICA:

• Título original: Missing
• Año:1982
• Duración:122 min.
• País: Estados Unidos
• Director:Constantin Costa-Gavras
• Guión:Donald E. Stewart, Constantin Costa-Gavras (Novela: Thomas Hauser)
• Música:Vangelis
• Fotografía:Ricardo Aronovich
• Reparto:Jack Lemmon, Sissy Spacek, Melanie Mayron, John Shea, Charles Cioffi, Richard Bradford, Janice Rule, David Clennon, Jerry Hardin
• Productora:Universal Pictures

THE EAST (2013)

     The East  es de esas películas que, en apariencia, no parecen aportar nada nuevo pero que en el fondo dejan un mensaje que, no por repetido, deja de ser actual y, sobre todo, necesario. Una nueva vuelta de tuerca al cine ecologista de denuncia social, en esta ocasión centrada en los atentados de una banda terrorista conocida como el título de la cinta, que trata de lanzar a la opinión pública una serie de golpes muy sonados, con el objetivo de despertarla de su letargo, de sacudir con fuerza las conciencias difuminadas por el consumismo y la publicidad en nuestra acomodado estilo de vida occiental. Asuntos como la manipulación de los medicamentos y los grandes beneficios de las farmaceúticas salen a relucir en este sorprendente ejercicio cinematográfico, interesante por la tesis que presenta casi más que por el contenido formal al que nos invita a participar.

  Sarah Moss ( Brit Marling) es una competente agente de contraespionaje que ahora trabaja para una compañía de seguridad. Esta empresa recibe encargos de grandes empresas, algunas multinacionales, que se están viendo atacadas y desprestigiadas por la labor clandestina de The East. Ella deberá contactar con ellos y mediante su habilidad profesional, adentrarse en la organización y desenmascararla, destruirla, sabotearla desde dentro. Esa es su misión. Sin embargo, cuando se encuentre dentro del cogollo de la banda, junto a sus líderes, quedará fuertemente impresionada por su ideología, por sus intenciones y, sobre todo, por su líder, un misterioso joven que también sentirá una fuerte atracción sexual ( como no) por ella.

 Quizás lo más interesante de la cinta no sea la acción ecoterrorista en sí, espectacular en ocasiones, ni tampoco el mensaje de crítica social que hace a las grandes empresas que contaminan impunemente, conscientemente, destrozando poco a poco nuestro ecosistema. Seguramente lo más destacable de la película es la idea que queda flotando cuando se dilucida varios dilemas morales de gran trascendencia. La disyuntiva entre defender la legalidad, la que representan esas empresas criminales que revientan conscientemente el delicado equilibrio ecológico o las vidas de las personas a las que utiliza como cobayas para su rápido enriquicimiento o apoyar firmemente la radicalidad, el por aquí no paso y rebelarse contra el sistema, contra esa legalidad. Y, a continuación, la duda terrible entre apoyar la violencia, el pasar por encima de lo que haga falta para hacer valer tu ideología, por muy justificadas que estén sus razones o rechazarla enérgicamente, debate muy en boga en la actualidad, debate siempre pertinente. 

   La  cinta penetra en ese submundo un tanto oscuro, casi religioso y extremadamente peligroso, un mundo en el que se entra con  facilidad pero del que resulta muy complicado salir. Como aspecto negativo, esperamos más de un grupo de personas que se están jugando la vida por sus ideales, sobre todo no es muy creíble esa especie de comuna hippie convencional, todos los personajes estereotipados, que se reúne en torno al fuego en casa del líder ( aunque la casa esté destartalada). A pesar de ello, de esos revolucionarios un tanto chicks y apacibles, tenemos muchos ingredientes inquitantes y vemos con asombro como cualquiera puede convertirse en un revolucionario, un individuo que puede hacer remover los cimientos del sistema. Quizás por todo ello el guión no resulta del todo convincente, ciertos diálogos son un tanto absurdos por momentos, apectos claves no quedan bien explicados, solo mal sugeridos. El final puede también parecer demasiado previsible si bien es de agradecer que, al menos, la coherencia y los principios de los protagonistas venzan al romance sentimentaloide.

  El plantel artístico está correcto, tanto la protagonista principal, en su doble papel de espía-terrorista, la ya citada Brit Marling, en el papel de la metódica pero débil Sarah Moss, como los otros protagonistas esenciales, Alexander Skarsgard, en el  papel de Benji, ese líder casi mesiánco y firme de la banda o  la pequeña Ellen Page como la débil y fuerte al mismo tiempo Izzy. Destacable por su presencia rotunda el breve papel de Patricia Clarkson como Sharon, la jefa de la empresa de espionaje, firme, tenaz e implacable en la defensa de sus clientes. La banda sonora es de lo mejorcito de la cinta. Halli Cauthery, en especial con ese piano inquietante, consigue transmitirnos ese desasosiego  presente a lo largo y ancho de la historia. La fotografía oscura, matizada, llena de momentos de cielos nubosos y grises reincide en lo ya dicho para la música: lo tenebroso, lo inseguro, lo inquietante. 

  En definitiva, diríamos que es una película irregular, que podía haber dado mucho más de sí, dibujando unos personajes en exceso inestables y exaltados, una imagen en exceso convencional y estereotipada pero que en definitiva permite abrir de  nuevo el debate, un debate nunca cerrado. Ecologismo versus degradación del medio y, lo más importante, violencia versus legalidad. O quizás debiéramos decir violencia versus violencia, justificando así el uso de la fuerza como forma de lucha contra lo presuntamente legal o, mejor dicho, lo legal legalizado gracias a la presión del capital.

 

-FICHA TÉCNICA:

• Título original :The East
• Año: 2013
• Duración:116 min.
• País : Estados Unidos
• Director: Zal Batmanglij
• Guión: Brit Marling, Zal Batmanglij
• Música:Halli Cauthery, Harry Gregson-Williams
• Fotografía: Roman Vasyanov
• Reparto:Brit Marling, Alexander Skarsgård, Ellen Page, Toby Kebbell, Shiloh Fernandez, Aldis Hodge. Danielle Macdonald, Hillary Baack, Patricia Clarkson, Jason Ritter, Julia Ormond
• Productora:Fox Searchlight / Scott Free Productions 

   

  

DRIVE (2011)

 

   Fantástica película que destila puro noir. Violencia y romance exacerbados, crueles en ocasiones. Muchos recuerdos del buen thriller trepidante y trepidado, de los que no dan tregua al espectador, del cine que aborda el tema de la mafia y sus ramificaciones y que no está exento de una conveniente historia de amor. Es puro cine policíaco de los 80, Tarantino, al menos el de Reservoir Dogs y Pulp Fiction aunque en este caso el tono general es mucho más negro y sangriento, quizás excesivo y carece de esas dosis de humor que el director norteamericano introduce en sus películas. O quizás recuerde al Scorsese de Taxi Driver, aunque el protagonista en nigún momento pierde la cabeza.   La historia que nos cuenta esta película tiene un protagonista principal que da título a la cinta. Es Driver, un joven mecánico que complementa su sueldo trabajando como conductor en arriesgadas escenas de cine, como especialista. Driver también es un conductor excepcional que llama la atención de promotores que piensan que puede tener llegar lejos como piloto de autos de gran cilindrada. Lo que nadie sabe de él es que, algunas noches, complementa su triste salario en el taller trayendo y llevando a delincuentes. De hecho la película tiene una magnífica presentación o introducción que ocupa las primeras secuencias del film en las que se ve a Driver esperando a los delincuentes para despúes transportarlos a un lugar seguro, persecución policial incluída, a todo gas por las nocturnas calles de Los Ángeles. Así transcurre su vida, entre el taller, las arriesgadas escenas del cine y las cundas de delincuencia que le reportan unos míseros ingresos para subsistir en su pequeño apartamento. 

    Sin embargo algo inprevisible se cruza en su monótona vida: el amor. ¿Qué sería del Noir sin una buena y tormentosa historia de amor?. Nuestro joven protagonista conoce por azar a Irene, que se ha trasladado a vivir con su hijo Benicio al apartamento contiguo al de Driver. Pronto surge una buscada complicidad que lleva irremediablemente a una bella relación. Y a pesar de que ella tiene un hijo, los tres se complementan a la perfección. El problema (siempre en el cine negro ha de surgir algo así que altere la normalidad) es que ella está casada con un delincuente. Y como no podía ser de otra manera el marido sale de la cárcel, debiendo ambos enamorados apartar su historia de amor momentáneamente. Hasta aquí tenemos unos elementos diríamos habituales en una película normal: chico conoce chica, ambos se enamora, ella tiene un hijo, su marido regresa de la cárcel.

    El problema ( y lo que realmente da sentido a toda la película) es la trama que surge con la aparición de la mafia, la pequeña mafia que patrocina a Drive como piloto y la gran mafia de Philadelphia que busca un millón de dólares perdido en una casa de empeños. El marido de Irene, Standard, tiene una deuda que ha contraído en prisión con un grupo mafioso y debe pagarla. Driver, a pesar de que es su competidor por el amor de Irene, decide ayudarlo. En esta acción se ve el lado humano y altruísta de nuestro protagonista. Aunque le duela prefiere ver a Irene y a Benicio felices al lado del hombre que es su marido. Pero todo dará un giro de 180 grados en ese maldito atraco. Drive espera 5 minutos ( nunca espera más, si el delincuente no se las arregla con ese tiempo se queda en tierra). Antes de terminado el tiempo aparece un enorme coche con lunas tintadas que se coloca paralelamente al suyo. Algo pasa aquí, ¿quiénes son estos tipos?. El drama se huele. Drive consigue que el dinero acabe en su maletero pero  Standard, el marido de Irene, es tiroteado y muere. Algo ha salido mal, algo huele a cuerno quemado. Lo que sucede a continuación es que la película se vuelve endiabladamente tenaz, todos los acontecimientos ocultos y sangrientos se precipitan. El millón de dólares ( que Drive ni se imagina) ponen en marcha un proceso en el que todos van a salir bastante perjudicados y en el que el joven conductor mostrará una incalculable sangre fría para poner a salvo lo que más quiere: a Irene y su hijo, aun a riesgo de perder su vida.

  La película hechiza por muchas razones: el guión de Hossein Amini es muy negro, tanto que recuerda a esas películas de cine criminal de toda la vida.  Destaca por encima de todo un clasicismo que se ve fragmentado, roto y salta por los aires cuando la terrible y brutal violencia hace acto de presencia. Si bien aparece como pleno de sentimentalismo la bestialidad del mundo en el que se desarrolla deja poco espacio para el romance. En realidad deja muy poco espacio para casi nada que no sea la violencia, el crimen. Ningún espacio para la absolución.

   La estética de la cinta, es tan ochentera que recuerda a otras películas del género como ya decíamos. La actuación de los protagonistas, en especial un Ryan Gosling en estado de gracia, como el frío y calculador Drive, el mártir engominado  y chuleta, bella fiera que no se deja amilanar por nada ni nadie, aunque una mafia criminal de la peor especie amence lo que más quiere. Sus acciones al volante recuerdan a Bullit, son excepcionalmente emocionantes. Carey Mulligan es Irene, la madre de Benicio. Es la típica mujer frágil que ha acabado con un criminal de poco fuste y se ve atrapada por su amor por Drive. En ese sentido interpreta magníficamente su papel de mujer débil pero enamoradiza, asustada y dura, inflexible ante el mal que contempla a su alrededor. Ron Pearlman es Nino. El veterano actor continúa en su estilo personal, que le acerca mucho a estos papeles de mafioso sin escrúpulos que tan bien aborda. El resto de los actores dan la talla, incluso Christina Hendriks en un papel ínfimo ( sí, la tetona de Mad Men).

  El director Nicholas W. Refn demuestra que sus anteriores trabajos no eran flor de un día. Incorpora a la película una serie de detalles visuales muy logrados, una fotografía sombría que se troca por momentos en luminosa, una luminosidad pavorosa, apabullante que destaca claramente los momentos de lucidez y los de descenso a los infiernos. Así, el realizador lleva a cabo un derroche de estilo, con todos los elementos propios del género cinematográfico: las carreras trepidantes de coches, las amistades peligrosas y el romance, el cine de gangsters y de vengadores. Consigue crear una situación de tensión que se incrementa con el paso del metraje, cuando nos apercibimos de la crueldad hacia la que se dirige Drive, devorado por el monstruo de la venganza. De esta manera Refn consigue crear una serie de escenas inolvidables que quedarán indelebles en nuestro imaginario.

   Quizás haya violencia gratuíta pero seguramente no haya mejor ocasión para mostrarla. Escenas como cuando vemos el cine dentro del cine, con esa máscara impersonal que tanto protagonismo tendrá al final o el momento del ascensor, con esa penumbra remarcada por unos personajes que sabemos malvados, ejemplifican la idea clave de esta obra de arte. Esto es cine, amigos.

SILENCIO EN LA NIEVE (2011)

  Impactante escena inicial. Un buen número de caballos congelados en medio de un frío horripilante, que se palpa en la propia imagen y estremece. Estamos en las grandes llanuras de Europa Oriental en pleno inviero de 1943. Al menos, dicen los españoles, habrá comida para unos cuantos días. Magnífico entretenimiento el que nos ofrece Gerardo Herrero, director y realizador de cine, en esta película en la que la trama se ambienta en un contexto poco trabajado en el cine español contemporáneo: la Segunda Guerra Mundial y el papel de los españoles en ella a través de la División Azul. Además de contemplar un fresco bastante ilustrativo y realista de su misión en el frente ruso, apoyando al amigo Hitler, consigue atraparnos con una historia detectivesca, un buen thriller policíaco, casi un Holmes-Watson, protagonizado por Carmelo Gómez y Juan Diego Botto. La historia se centra en la aparición de un asesino en serie justo en el corazón de las tropas españolas, un asesino con alguna motivación presuntamente diabólica que deja escrito a navaja en los torsos de los que asesina una serie de frases. Entonces el soldado raso Arturo Andrade, que interpreta Juan Diego Botto es encargado por la superioridad de investigar y obtener resultados rápidos para tapar el asunto lo más rápido posible. No le pilla de imprevisto porque ya  había sido inspector de policía. Le ayuda el sargento Estrada, interpretado por Carmelo Gómez. Es curioso como se trastoca la cadena de mando y un soldado dirige a un sargento, una idea brillante del guión. 

    La cosa se complica cuando empiezan a encajar las piezas y unen esas frases, en las que se divide la propia película: Mira que te mira Dios, Mira que te está mirando, Mira que has de morir, mira que no sabes cuando. Alguien relacionado con algún tipo de rito masónico, algún quintacolumnista rojo que se ha infiltrado en el ejército azul de Franco, algún traidor o, quizás, alguien que persigue un objetivo. Con todas estas cartas y una espléndida y realista puesta en escena Herrero nos consigue transmitir esa sensación de agobio propia de un policíaco de nivel. La iluminación es muy certera y en todo momento, en los exteriores nevados, casi impraticables, la luz tenue del invierno, del durísimo invierno ruso y en los interiores sombríos, extraños, casi diabólicos aciertan a transmitir al cinéfilo esa sensación de desamparo y de tierra quemada, de pérdida de tiempo y hasta de hastío por la inutilidad de una misión suicida para la que muchos no estaban preparados. Esa luminosidad tan bien elegida para la fotografía de este film es otro gran acierto porque refleja unas sensaciones muy buscadas: miedo, angustia, drama, crimen, violencia.

    El guión también, como ya habíamos comentado, nos sumerge al fondo de un pozo de difícil salida, nos desconcierta la historia y no sabemos como en esa circunstancia tan deplorable, tan al filo de la navaja, los rusos prestos a llegar a ese lugar del frente, los bombardeos contínuos, esta historia puede salir a flote y a fe que lo consigue. No obstante la solución a la trama principal peca de ingenuidad lo cual no desmerece para nada el conjunto narrativo que hemos vivido. Otro gran acierto se encuentra en saber sacarnos de la cabeza el contexto general, es decir, no ver a estos dos individuos como dos fascistas que resuelven un crimen entre fascistas, sino que consigue abstraernos de ello y consigue representar valores positivos en los protagonistas, algo muy poco frecuente cuando se trata de poner el foco en el bando nazi. La guerra solo es el escenario y nada más.

  Los actores rozan un gran nivel, particularmente un actor que ha ido creciendo artísticamente en cada film que interpreta: un  Juan Diego Botto que consigue trasmutar una misión agria y fea en algo agradable, simpático para el espectador.  Carmelo Gómez también realiza una gran labor, fiel a su estilo duro y sobrio. El resto del reparto, en un segundo plano, brillan también en gereral es ese contexto duro y dramático, cruel en sí mismo. La música de Lucio Godoy reafirma ese contexto general de desesperación e inhumanidad tan propicio a una guerra de exterminio en el que los protagonistas saben que han sido enviados al matadero, aunque ese matadero sea un lugar de placer para los ideologizados fascistas españoles. Una película destacable de Gerardo Herrero, entretenida y que no decae salvo en algún momento muy puntual. Una historia fictícia que como ficción histórica funciona a pesar de algunos lastres que podremos observar a lo largo del metraje.

EL CUERPO (2012)

  Sorpresa agradable del último cine español. Magnífico thriller que va increscendo a lo largo de su metraje en una película de misterio, asesinatos y supuestas apariciones sobrenaturales con un final auténticamente impactante que justifica plenamente su visionado. De esos finales que te dejan aturdido y sin aliento, sorprendido, pensativo, encajando piezas que no pensabas que fuera necesario encajar porque todo lo dejabas del lado de  lo sobrenatural pero finalmente la mano del hombre está más presente de lo que parece.

   Para ser la ópera prima de su director, Oriol Paulo, guionista también de otras películas de suspense como "los ojos de Julia", lo cierto es que está cuidadosamente rodada, con una fotógrafía oscura y mortecina que aumenta ese buscado suspense, esa intriga que nos acogota durante todo el metraje. La historia trata de la desaparición de un cuerpo en una morgue. El misterio está servido. ¿Dónde está el cuerpo y porqué el guardia de seguridad salió despavorido, presa del terror, siendo atropellado en la carretera por otro vehículo y falleciendo al instante?. La policía revisa las cintas del vídeo dónde se ve al segurata salir huyendo como alma que lleva al diablo.¿Ha visto un fantasma, es que acaso ha visto a la muerta fuera de su fría nevera en la sala de fiambres?. El misterio está servido. La muerta es Mayka Villaverde (Belén Rueda), una rica empresaria casada con Álex Ulloa (Hugo Silva). Cuando la policía llama a Álex este queda, como es lógico, tremendamente alterado. ¿Su mujer ha vuelto de entre los muertos o es que acaso algún gracioso ha robado el cuerpo?. Las dudas se acrecentan por ese sentimiento de culpa que tiene el que ha asesinado a su mujer para estar con su amante. ¿venganza, miedo?. Un conjunto de sensaciones embargan a Álex, que es reclamado por la policía e interrogado por el inspector Jaime Peña ( José Coronado), que no duda de su culpabilidad: alguien tiene que haber escondido el cadáver y ser el responsable de la muerte del guardia de seguridad. En una habitación lúgubre del edificio siniestro en el que se encuentra la morgue comienza el interrogatorio. Lo que sucede después es altamente perturbador e inexplicable y conduce al espectador a ese estado de nerviosismo y suspense que, mostrando a cuentagota y en estupendos flashbacks el asesinato de Mayka y la relación de Álex con su amante Carla ( Aura Garrido) que parece haber descubierto su mujer, no deja lugar a dudas de que alguien pretende amargar la existencia a Álex, a lo mejor la propia Mayka.

     Es una auténtica sorpresa porque el film es muy entretenido y atrapa, a pesar de que hay momentos en los que piensas que todo el guión es una completa chorrada. Y sin embargo la historia va enganchando progresivamente. Pasas de la típica película de fantasmas que se aparecen y regresan de la muerte para vengarse por su asesinato a algo mucho más profundo e incisivo, lejos del mundo del averno. Por tanto el guión está muy bien trabajado, consiguiendo un final de los que sorprenden, de esos que encajan todas las piezas del puzzle de una manera totalmente inesperada y justifican una entrada de cine o una descarga a diestro y siniestro.

  En lo que respecta a las interpretaciones merecen destacarse los papeles de un Jose Coronado últimamente muy inspirado, como el detective incisivo y sin escrúpulos que presiona lo indecible a Álex porque no se cree la vesión sobrenatural a pesar de que todo apunta a ella. Es el personaje clave que nos dejará helados al final de la trama. Belén Rueda regresa a una magnífica interpretación, llena de fuerza, en unos flashbacks en los que es fiel esposa enamorada de su marido y que después es traicionada, pero ella guardará su sublime venganza. Hugo Silva está correcto en el papel quizás más difícil, el de asesino incofeso que ya duda de todo porque no sabe que ha pasado con el cuerpo de su exmujer y lucha por salir del atolladero y regresar a los brazos de su amante, la jovencita Carla, interpretación muy lograda de Aura Garrido.

   Una magnífica ópera prima de un director que habrá que seguir con lupa, un prometedor hitchcock patrio. Esperamos que nos siga deleitando con más y más suspense. Un perfecto y deleitoso producto de entretenimiento que nos hará pasar un mal rato.

  

LOS NIÑOS DEL BRASIL (1978)

    Técnicamente muy bien rodada, con una fotografía en color de Henri Decae, icono de la Nouvelle Vague, plena de colores pálidos y sugerentes, narra una historia medio realidad medio ficción con la enigmática y perturbadora figura del doctor Joseph Mengele, el "ángel de la muerte" de Auschwitz como centro de toda una trama de suspense muy a lo Le Carré.  Mengele fue el sádico médico que torturó y realizó experimentos aberrantes con los prisioneros gitanos y judíos. Particularmente repugnantes fueron sus experimentos con niños como la inyección de tinta de color en las pupilas para cambiar su aspecto o su crueldad con los recién nacidos dejándolos morir de inanición.  Es sabido que después de la guerra consiguió escapar viviendo plácidamente en sudamérica donde murió ya mayor en las costas de Brasil. Hasta aquí parte de la historia oficial de Mengele.

   La película se centra, sin embargo, en la etapa en la que vivió en Paraguay y nos cuenta una historia basada en la novela de Ira Levin que teniendo dosis de ficción notables se basa en muchos hechos comprobados sobre la vida del despreciable criminal nazi. La narración de la historia nos sumerge en la tenebrosa planificación por parte de Mengele y un grupo de jerarcas nazis que escaparon de los juicios de Nurember de un macabro plan con el objetivo de poner en pie un IV Reich. Utilizando a la organización ( sabemos que ODESSA tuvo mucho que ver en la huída y cambio de identidad en América latina de los criminales nazis) ordenará el asesinato de más de 90 personas. Estos viven en diversas partes del planeta y son sencillos padres de  familia, gente humilde y sin ninguna aspiración política pero guardan una semejanza que el propio guión y el desenlace de la película se encargarán de desvelarnos. Por lo pronto tenemos también a Liebermann, el cazanazis, implicado en desbaratar lo que aparentemente no tiene sentido alguno. Pronto descubrirá el horrible secreto y tratará de impedirlo a pesar de su avanzada vejez y estado de salud.

  

   El guión construye una trama de intriga convenientemente sazonada de cine histórico que comienza con el descubrimiento de ese plan diabólico que no acabamos de comprender. Un joven activista antinazi descubre una reunión secreta de Mengele con un grupo de asesinos nazis en Asunción y pronto da cuenta de ella a Elza Lieberman director de la agencia de cazadores de nazis. En principio no hace mucho caso al joven, le recomienda que se aleje del peligro pero este no hace caso, se juega la vida y la pierde pero obtiene una grabación de la reunión que Lieberman escucha parcialmente dándose cuenta de la gravedad del asunto. Pronto el anciano moviliza a su organización para que investigue el asunto. Ahí comienza la intrincada historia de misterio donde Lieberman viajará siguiendo las pistas que recaba tras los primeros asesinatos de la organización de Mengele. Hay que señalar que la historia es tan rocambolesca que resulta un tanto surrealista. Pero para el que guste de historias de espionaje sazonado con altas dosis de nazismo será un bálsamo.

   Una de las virtudes de la película, al margen de lo poco creíble de la historia, son las interpretaciones, en especial el gran Laurence Olivier que, aunque muy avejentado ya, en una de sus últimas apariciones en el celuloido, no deja de sorprender por su calidad interpretativa. Está creíble y llevando él, a sus doloridas espaldas, el peso de toda la película. James Mason, otro crack de la interpretación está bien solo que aparece en escasas ocasiones, como jefazo nazi, para parar los pies al desmesurado y lunático Mengele. Este último está interpretado por Gregory Peck, un actor ambiguo, que solo ha ejecutado unas cuantas interpretaciones destacables en toda su carrera. En esta ocasión realiza un Mengele verdaderamente desmesurado y brutal. No es creíble, por mucho que se esfuerce, está demasiado histriónico, está tan exagerado que resulta hasta cómico. Este es el trío de grandes pesos pesados con el que cuenta el film.

  La dirección del realizador Franklin J. Schaffner peca de estatismo, las posibilidades del guión se ven bastante cercenadas por una rigidez en los planos que no la hacen ágil y visulamente atractiva. En realidad, como he comentado en otros casos, la película parece acartonada, mucho más antigua de lo que es. Probablemente en la dirección esté la clave de este envejecimiento prematuro, de que se vea como una película vieja, sin vitalidad. No es, ni de largo, uno de sus mejores films (el planeta de los simios, El señor de la guerra, Papillón,Patton). Y quizás es en la secuencia final donde peor resulte su dirección, unos minutos angustiosos que se hacen visulmente poco creíbles.

Respecto a la banda sonora, es buena, obra del genial Jerry Goldsmith, quizás poco presente a lo largo del metraje pero que otorga esos momentos de misterio y dinamismo convenientemente sazonados a lo largo de la película, de ese estrés necesario para no dormirse, destacando más como suite al principio y en los créditos finales. En definitiva una película interesante para adentrarse en el mundo del postnazismo en América Latina, en algunas de las ideas alocadas de establecer un nuevo Reich, de resucitar, con la ayuda de la ciencia, todas las características que llevaron al mundo a la Era de Adolfo Hitler. Sólo apta para fieles de este tipo de cine.