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jueves, 25 de junio de 2015

El hombre de Alcatraz (1962)

 
   ¿Quién tiene derecho a atrapar a un ser vivo en una jaula?.¿Por qué no puede este, después, alcanzar la libertad?. Siguiendo la máxima de Hobbes, es cierto que solo al hombre se le ocurriría encerrar en una infrahumana jaula a otro semejante, incomunicado, solo, para que muera en vida y enloquezca. Pero, ¿hemos pensado en los pobres pajarillos?.

   Estamos ante una cinta que nos hará reflexionar sobre los sistemas penitenciarios y la necesidad de replantearnos si es la mejor forma de castigar a alguien tenerlo atrapado en un recinto para siempre, despojándolo de su dignidad como ser humano, como a un simple periquito. Pero también es una película muy emotiva sobre el valor de la amistad, la lealtad, las ganas de vivir, todo un canto a la vida que utiliza como metáfora a los pájaros puesto que nuestro protagonista, Bob Stroud (Burt Lancaster) un vil asesino, violento y desalmado acaba encontrando su humanidad en contacto con estos animales, se reforma, aprende a convivir mientras le impiden toda convivencia, aprende valores, a pedir perdón, a tener amigos y a luchar desde su encierro por un mundo mejor. Y ante todo estamos ante una película que defiende el valor del humanismo y la dignidad, la de este vil ser que consigue llegar a ser una persona verdaderamente humana.

   Basada en hechos reales, Stroud había sido condenado a doce años de prisión por un asesinato. Amarrado a su madre, con la que guarda una relación de dependencia, asesina a un guarda de la cárcel tras la negativa de este a dejarla verla una última después de muchos meses de incomunicación. El alcaide, un funcionario en principio de talante progresista, cree haber dado excesiva confianza a Stroud y poseído de un terrible odio por su crimen, lo condena a vivir el resto de su vida en una celda incomunicado del resto de la prisión y, por ende, del mundo. Cuando es condenado a muerte el cadalso queda establecido en el patio de la prisión para el cumplimiento de la sentencia. Sin embargo Elisabeth, la madre, tras llevar el caso a Washington, logra entrevistarse con la primera dama, la señora Wilson, y finalmente la pena es conmutada por cadena perpetua.


   Stroud queda definitivamente incomunicado por el resto de su existencia. Sin embargo un día, tras una fuerte tormenta, recoge en el diminuto patio al que le permiten. salir sin compañía, un pequeño nido de gorrión. Utilizando una habilidad de la que no había sido consciente hasta ese momento consigue alimentar al polluelo y, tras sacarlo adelante y convertirlo en su única compañía, consigue que el nuevo alcaide, tras quedar sorprendido por la habilidad del recluso para amaestrar al pequeño gorrión, autorice a los presos a que sus familias les envíen jaulas con jilgueros y periquitos. Straud consigue de manera artesanal y laboriosa fabricar una jaula con pedacitos de madera. En poco tiempo, y tras criar sus pequeños pájaros, llena la celda de jaulas. De pronto, un día sin ninguna explicación las pequeñas aves enferman y mueren. Straud, mediante un proceso muy laborioso, consigue crear un remedio contra la enfermedad de las aves que después patentará con ayuda de una mujer con la que logra una gran complicidad y que había acudido a prisión a entregarle un premio de una sociedad ornitológica.

miércoles, 18 de marzo de 2015

CASABLANCA (1942)

 
    Casablanca, uno de los grandes clásicos de la historia del cine, está atravesada por la mirada de Bogart, fría y distante, cálida y rota. No nos podemos imaginar esta película sin la presencia todopoderosa de su principal protagonista, de Rick, el dueño del club que acoge, todas las noches, en la Casablanca controlada por la administración francesa pronazi durante la II Guerra Mundial, un compendio de lo que era el mundo en su tiempo. El club, principal escenario de interior, es un microcosmos en el que, más allá de las corruptelas, la prostitución, el juego, el alcoholismo y algunas otras bajezas, que se muestran sin ningún reparo, aparecen los dos principales actores de la Segunda Guerra Mundial: nazis contra aliados representados en diversas figuras paradigmáticas que simbolizan la lucha por el dominio del mundo que se libraba en aquellos mismos momentos. Pero el club de Rick es también el escenario perfecto en el que todas las pasiones se desatan, en especial el recuerdo amargo de un amor imposible, de una ruptura dolorosa, de un reencuentro esperado, ansiado y la de una partida definitiva marcada por un enorme sentido de la dignidad y de la probidad, a pesar de que nuestro protagonista se deslice en ocasiones por sendas tenebrosas.


    En la vida se presentan en algunas ocasiones un momento dramático en el que hay que optar entre el bien y el mal y solo los más dignos son capaces de anteponer su interés personal al de la colectividad. El bien mayor, la libertad del ser humano, frente al egoísmo del beneficio individual. Sin embargo, en este caso, la lección de Rick es todavía más noble. El amor infinito, el bienestar al lado del ser amado, ¿debe anteponerse a la idea suprema de la lucha por la libertad?. O dicho de otro modo: ¿debe un hombre enamorado febrilmente poner por delante su amor a cualquier tipo de condicionante moral?. Nuestro protagonista, hombre honesto, responde que no, aunque eso acarree un dolor imposible de mitigar, ni siquiera al lado de un verdadero amigo. Y aunque subyace un machismo propio de aquellos tiempos ("pertences a Víctor") no cabe duda de que toma el camino más doloroso pero también el más recto. Por eso Rick, Bogart, Bogart, Rick es "uno de los nuestros", en palabras de Conrad, es "el bueno" en un mundo de "malos", es el idealista brigada internacional que luchó contra el fascismo de Franco en España aunque trate siempre de aparentar frialdad. Siempre con los buenos o, al menos, con los que él siempre creyó que eran los buenos. Por eso, cuando en un alarde de dignidad, suena la Marsellesa (momento cumbre de la obra), Rick da el "placet" con sus ojos poniéndose del lado de la democracia y la libertad.

 
  La película, de 1942, narra la situación desesperada de muchos refugiados que huyen de la ocupación francesa por las tropas de Hitler hacia esta ciudad del Marruecos francés, teóricamente bajo gobierno la Francia no ocupada, es decir, del régimen fascista del general Petàin. En una de las primeras escenas, mientras la cámara cae en picado hacia una de las populosas y estrechas callejuelas, en la medina (aunque la película no fue rodada allí) un delincuente huye de la policía y es abatido por la espalda delante de un enorme cartel del dictador francés. Una de tantas imágenes icónicas de un film poliédrico, lleno de matices. También de humor. Un humor lleno de sarcasmo, sobre todo centrado en la socarrona figura del inigualable capitán Louis Renault, un magistral Claude Rains, sátiro, corrupto, inigualable. Su presencia da mucha consistencia a la película, al margen de su papel represor y canalla.  Inolvidable también la actuación de Ingrid Bergman en el papel de Ilsa, la femme fatale de esta historia. Mujer de una belleza soberana, en el fondo enamorada de Rick, establece con su llegada un punto y aparte en la narración fílmica. 


      Su aparición, junto a la de su esposo, el resistente checo Laszlo (Paul Henreid) da un giro copernicano a la vida de Rick Blaine, nuestro Rick. Ilsa había sido su vida, un amor verdadero en el París (siempre nos quedará París, dice al final) previo a la ocupación. Esa mujer le hizo mucho daño, un daño irreparable. Su olvido había sido su mejor medicina, la lejanía y el olvido. Pero, de repente, ella regresa, como esposa del héroe, del resistente, del luchador. Difícil de asimilar, nuestro protagonista sufre una fractura interna. La desprecia pero la ama irremediablemente. Reaparecen los recuerdos de aquel tiempo feliz en París y los sinsabores del abandono. De ese tren que está a punto para escapar del horror al que ella nunca llega. Entonces Ricky, acompañado de su sempiterno amigo Sam, el cantante y pianista de su bar, parte para su exilio marroquí, roto y amargado para siempre.


miércoles, 5 de marzo de 2014

GRAVITY (2013)


   Gravity es todo un despliegue visual y efectista en una situación límite magníficamente narrada e interpretada, una maravilla del nuevo cine que dejará una huella indeleble en los próximos años. Aunque quizás peca de tecnicidad, pues está rodada para ser vista en tres dimensiones y supone un nuevo avance en este campo. En ese sentido es más una obra de innovación técnica que de novedad argumental. Y sin embargo, la historia acaba cautivando. Cuando los astronautas están anclados a la nave nodriza como si fueran fetos en la barriga de una madre, siendo el espacio vacío la placenta, el cordón umbilical que los une se rompe, un imprevisto accidente (reflexionemos: un satélite ruso que explosiona, ¿casualidad?) destroza la nave y, de paso, los deja flotando en el espacio interestelar, a la buena de Dios, sabedores de que la delgada línea que separa la vida de la muerte es minúscula.

  Así comienza esta historia dramática, donde el espectador lo pasa mal y sufre con los avatares de la doctora Ryan Stone ( Sandra Bullock) que, siguiendo con el símil anterior, sobrevive sobre todas las cosas, a pesar de los duros avatares que le tocan vivir. Ella no tiene experiencia, es su primera misión espacial, pero está rodeada de todo un equipo de científicos y astronautas que la ayudan, en concreto Matt Kowalsky( George Clooney) la acompaña, enfundados en sus trajes, para reparar un imprevisto en el exterior de la nave. Pero entonces llega la onda expansiva, la basura que, a velocidad supersónica, amenaza con destruirlo todo. Ella queda separada, sale despedida, ha perdido la orientación y viaja hacia el abismo interestelar mientras observamos, con ella, como todo da vueltas a una velocidad enloquecida. A punto de morir encerrada en esa cárcel posiblemente de un ataque de pánico antes que de falta de gravedad, es rescatada in-extremis por su compañero pero cuando intentan regresar a la nave el desastre es total y absoluto, todo se ha ido a hacer puñetas y están solos, flotando a unos cuantos kilómetros del planeta azul. Deben actuar con rapidez pues el oxígeno dentro del envoltorio que los protege se va agotando, en especial el de la doctora que ha hiperventilado en su desventurada desconexión. Pronto deberán recorrer un largo camino para contactar con la estación espacial internacional.

  Más allá de la película de ciencia-ficción nos abruma la historia de supervivencia, la soledad, el miedo, el drama, el recuerdo de la hija perdida, la agonía y la lucha titánica por vivir pero sí que hay que destacar que todo esto, que forma parte del guión, no es innovador. Es una buena historia que emociona y atrapa pero aquí lo que prima es lo estético sobre lo ético. Técnicamente sublime, Cuarón podemos decir que atrapa el espacio dentro de la película como pocas obras lo han hecho. Su dirección es segura y brillante, diríamos que de un gran virtuosismo, utilizando el plano secuencia con gran acierto al comienzo del film, un plano que se hace insportablemente interminable, como el resto, incluso en interiores y continúa con ese buen hacer que hace que la imagen sea extraordinariamente poderosa, de una potencia sin igual. Después de su inolvidable e impactante Hijos de los hombres, ha regresado por la puerta grande a la realización cinematográfica.

  Todo ello sería imposible sin la labor de fotografía de Emmanuel Lubezki, fiel compañero de Cuarón que logra aquí, con unos medios tecnológicos desbordantes, una obra estética total, posiblemente la mejor imagen que en cine se haya dado del espacio exterior y del planeta tierra desde este, sin descuidar tampoco las calidades de la luz, una luminosidad pura que irradia en el rostro de la Bullock. La música de Steven Price, de una gran épica, actúa como un eco gravitatorio que envuelve ese espacio insonoro y apunta el dramatismo de una persona que se encuentra sola,  en un vacío que no solo es extraterrestre sino existencial.

   En cuanto a los protagonistas destaca la enorme presencia de  Sandra Bullock, quizás su mejor interpretación, para la que tuvo que realizar una gran labor metódica y física que ha merecido sobradamente la pena. Clooney acompaña bien, está correcto como casi siempre y destacar además de las voces de la radio esa inmensidad que es el espacio exterior, auténtica metáfora del terror y del peligro acechando constantemente. Gravity marcará un antes y un después a nivel técnico y visual, como ya hemos comentado, será largamente recordada y no solo por sus óscars aunque no alcanzará jamás la profundidad y alcance de 2001, la obra maestra de Kubrick con la que se la ha querido comparar.
 

 

lunes, 17 de febrero de 2014

MISTERIOSA OBSESIÓN (2004)

     ¿Nos hemos planteado alguna vez que pasaría si olvidáramos a nuestros seres más queridos?. ¿Sería entonces posible argumentar que esos seres, nuestros hermanos, nuestros propios hijos, jamás habían existido?. Partiendo de este interesante dilema la película nos traslada a la obsesión patológica de  Telly Paretta ( Julianne Moore). Ella dice haber sufrido la pérdida de su hijo Sam en un accidente, tiene recuerdos, desde que nació, su crianza y, en especial, ese día en el que lo despidió en un avión camino de un campamento de verano y ya jamás regresó. Después llegaría la terrible noticia del accidente aéreo y el funeral. Pero Telly está loca, está bajo tratamiento, porque se inventa una vida paralela a la real. Nunca hubo niño. Su marido Jim (Anthony Edwards) y su terapeuta el doctor Jack Munce ( Gary Sinise) tratan de hacerle entender que al niño lo perdió en el parto. Pero ella no los cree, cuando llega vemos a Telly viendo fotografías con la criatura, incluso dispone de una antigua casette de VHS donde sale el niño jugando. Se trata de una enfermedad paranóico-obsesiva, dicen todos. Y un día encuetra que las fotos y los vídeos han desparecido, incluso la foto familiar donde aparecían papá, mamá y el niño está ahora sin el chaval. ¿Ha sido acaso borrada?. La cuestión a dilucidar es si por la mente de Telly, a la cual, por fin, le está haciendo efecto el tratamiento o por alguien que quiere hacer desaparecer cualquier prueba de la existencia de Sam, quiere borrar las mentes de todos los que rodearon aquel suceso.

  Aunque el tratamiento parace estar haciendo efecto Telly no se resigna a perder sus recuerdos, su hijo que  tanto quiso y cuidó hasta el accidente sí que existió y no está dispuesta a aceptar que nadie lo recuerde, ni su marido ni nadie más. Por eso continúa investigando, busca en la hemeroteca y observa hundida como no hubo accidente de avión. ¿Qué hacer?. Lejos de caer en la más absoluta desesperanza persiste en la lucha. En aquel accidente murieron más niños, busca al  padre de una niña que murió, Ash Correll (Dominic West) y lo localiza alcoholizado pero asegurando que jamás tuvo una hija. ¿Todos están en su contra?.¿Todos han olvidado?. Agotada por su huída, pasa la noche en el apartamento de Ash y por casualidad descubre algo que va a ser trascendental:  alguien ha empapelado la habitación infantil dónde vivía la niña. Debajo del papel aparecen todas las paderes llenas de pinturas infantiles. Por la mañana Ash sigue sin reconocer la existencia de una hija pero Telly le insiste: Pronuncia su nombre....se llamaba Lauren...recuerda...repite su nombre....pero no hay nada que hacer.  Ash llama a la policía pero Ally se marcha, la están esperando en la calle para detenerla y acaso internarla en un centro para maníacos.




    De repente Ash comienza a tener un pensamiento....Lauren....Lauren...Lauren....y empieza a recordar. Sí, ¡Era su hijita!, pero, ¿Cómo había podido olvidala?. Rápidamente baja a la calle y ayuda a Ally a escapar. Ambos emprenden una  huída frenética contra los agentes de la Seguridad Nacional y contra un individuo muy extraño que aparece siempre persiguiéndolos y parece que es inmune a cualquier golpe o caída.



  Hasta aquí el argumento principal o, al menos, el comienzo de la trama que va a ir derivando cada vez con mayor claridad hacia la ciencia ficción. Obviamente Ally  no estaba loca sino que todos habían olvidado. Quizás este aspecto el más interesante de la historia, el hecho de que todos olviden y la necesidad del olvido para superar determinadas situaciones personales e incluso sociales, el olvido de una socidad al completo para evitar males mayores.


   Bien rodada, buena fotografía, ritmo intenso, pierde fuelle precisamente en la segunda parte aunque quizás sea en este segundo tramo en el que más estremecimiento sentimos,  más congoja ante la evidencia de la situación que observamos. La película logra lo que busca, mantener la atención y sobre todo entretener.  Podrían extrapolarse pensamientos filosóficos y morales como trasfondo de esta película: quizás pensar cómo nos pueden controlar el pensamiento desde fuera es lo que más estremece, al margen de quien lo haga . Esto nos debería hacer reflexionar aunque lo más probable es que se trate de un simple producto de entretenimiento como thriller psicológico en el que hay  un claro acercamiento al mundo irreal de las abducciones. 


   La música de Horner está francamente bien, muy acorde con la situación dramática que vivimos e incluso llegamos a sufrir. Julianne Moore está magnífica como casi siempre, en ese papel de mujer sufridora y luchadora hasta la extenuación y  Dominic West tampoco le va a la zaga, alcohólico, su vida se ha derrumbado pero luchará también para llegar a la verdad. 

  En general una película sin demasiadas pretensiones, de temática sobrenatural, de ficción, pero que no desmerece su visionado sobre todo si lo que buscábamos era sufrir un poquito con el drama, y levantarnos del asiento en el tramo final inquietos ante algunos arrebatos, reflexionando sobre la pertinencia o no del olvido y su manejo por alguien desde "arriba".

domingo, 12 de enero de 2014

EL MILAGRO DE ANNA SULLIVAN (1962)



    Anna Sullivan es el espejo en el que deberíamos mirarnos todos aquellos que hemos pretendido y logrado dedicarnos a ser educadores. Porque ella, encargada de enderezar y sacar adelante a una niña sordociega absolutamente rebelde y maleducada por su familia, es un ejemplo de superación. En un orfanato desde pequeña y medio ciega, consigue labrarse una carrera como maestra. Y su gran reto vital llega cuando la contratan para educar a Helen Keller, una niña que a los pocos meses de nacer sufrió unas fiebres ( posiblemente una meningitis) quedando sorda y ciega para el resto de su vida.  Ella es tenaz, segura de que lo único que puede salvar de la total oscuridad a Hellen es el aprendizaje de unos modales que le acerquen a ser un auténtico ser humano, primero aprendiendo a controlar sus rabietas y, después logrando asimilar el alfabeto y la lengua con la que poder comunicarse. No en vano la película está basada en la historia real de sus personajes y  hay que decir que Hellen Keller fue la primera mujer discapacitada que logró graduarse en una universidad, llegando a escribir sus memorias.  Anna es una mujer valiente y convencida de lo que hace aunque es muy frágil. Anne Bancroft es Anna Sullivan, en una interpretación magistral, soberbia, merecedora de ese Óscar de la academia. Con sus gafas tintadas y sus lavados oculares, con su fuerza de voluntad ( porque motivos para tirar la toalla no le faltan), en una sociedad eminentemente machista y clasista (vemos la esclavitud en el sur de los Estados Unidos, mucho después del final de la Guerra de Secesión) logra hacerse con el control de su vida y, lo que es más importante, de la vida de esa niña que a fuerza de mimos y consentimientos había devenido en una especie de mascota para toda la familia.

    Desde el momento en que Anna llega a la mansión colonial en la que se encuentra con Helen saltan las chispas. La verdad es que es un duelo en toda regla, en ocasiones tremedamente angustioso y doloroso para el espectador, pero un duelo maravilloso y singular. Helen, interpretada por una magnífica Patty Duke, una niña que ganó el Óscar con esta interpretación en la que solo pronuncia una palabra en toda la película pero en la que realiza una brutal labor interpretativa que derrocha una tremenda energía, es un ser sin educación,con el alma ensombrecida por su propia familia, que en principio no la considera como digna de convertirse en un ser social pleno, planteándose en muchas ocasiones dejarla en una institución para retrasados mentales. Pero ella no es tonta, ni mucho menos. El problema es que no ha sido educada, pero gracias a su esfuerzo y la lucha de Anna Sullivan logrará mostrarse como lo que es, una chica inteligentísima y vivaz, que poco a poco llegará a las más altas cotas que la vida le dé ( aunque de esto ya no seamos testigos).

  El guión, firmado por Willian Gibson es muy bueno, basado en su propia obra de teatro, logra establecer, tanto mayoritariamente en los interiores como en los exteriores, momentos de gran dramatismo y dureza, de una fuerza vital extraordinaria. La fotografía, en blanco y negro, del cineasta cubano Ernesto Caparrós, es maravillosa. Logra un gran contraste entre los interiores donde se desarrolla la acción dramática ( lúgubres, ocuros, llenos de sombras y luces que se cuelan por las ventanas) y los exteriores muy luminosos, casi paradisíacos. La música de Rosental que escuchamos muy presente en todo el film es muy dramática, destacando esos momentos de enorme tensión, casi desgarradora.

   El director, Artur Penn, realiza aquí una de sus mejores obras. La cámara no para de moverse, buscando ángulos que acentúen el dramatismo, tanto en el exterior como en el interior de la casa y del cobertizo adonde Anne se lleva a Helen para vivir solas. Hay planos cenitales, americanos, medios, primeros planos, contrapicados que le dan gran dinamismo a la escena aunque lo que predomina son los planos generales de la habitación que le dan ese toque teatral a todo el conjunto.

   La película en conjunto es emocionante, sobre todo cuando Anne, redimiéndose de su complejo de culpa por la muerte de su hermano en el orfanato, saca lo mejor de sí misma y consigue convertir a una persona incivilizada, casi un pequeño salvaje de Truffaut, en un ser humano pleno y libre. Romper el aislamiento, la pequeña burbuja en la que un ser discapacitado jamás debe encerrarse. Una película que saca lo mejor de la condición humana, emocionante y tierna.

jueves, 9 de enero de 2014

BABY, TU VALES MUCHO (1987)

   Entrentenida y convencional comedia para lucimiento de Diane Keaton, una de las musas del cine ochentero por antonomasia. Es una de esas películas para pasar un rato agradable, recordando aquellos maravillosos años 80 y sonriendo sin parar con la multitud de anécdotas graciosas que nos ofrece esta película que, por otro lado, sirve de documental para conocer la situación de discriminación sexista que la mujer ya padecía entonces. Da una visión sarcástica pero a su vez cargada de crítica de la lucha de las mujeres por eso que se conoce hoy como conciliación de la vida familiar y laboral. En los años 80 ya teníamos esa mujer independiente y liberada, trabajadora incansable, que podía superar en formación y capacidad a cualquier hombre pero que arrastraba ( y arrastra hoy, 30 años después) el lastre que supone su estigmatización por ser madre. Al principio vemos a J. C. Wiatt , la protagonista triunfante en su vida profesional, es líder de un despacho de abogados de la gran manzana neoyorkina, ha ganado por méritos propios su puesto e incluso infunde un enorme respeto y admiración por su tenacidad y capacidad de trabajo, unas 70 horas a la semana que le van a llevar pronto a ser socia del bufete, uno de los más prestigiosos de Nueva York. Ella se ha graduado en Harvard como la primera de su promoción, es una gran mujer pero de pronto, inesperadamente recibe una herencia envenenada: debe hacerse cargo de una criatura, de un bebé de un primo suyo de Inglaterra que apenas conocía y que ha fallecido. 

  Hasta aquí digamos, la parte seria y de denuncia social porque, evidentemente, ella va a ser rechazada y degradada cuando sus jefes descubran que ahora es madre ( aunque sea circunstancial). Y, sin embargo, aquí empieza la comedia. Desde luego para todo aquel que haya sido padre o madre o esté camino de serlo esta es su película. Porque nuestra protagonista, al principio reticente ( llega a intentar la adopción), se va a ir poco a poco enamorando de esa criatura que nos enamora a todos, por poco instinto paternofilial que tengamos. Ella va a ir descubriendo su instinto maternal y va a defender a capa y espada a su niña, renunciando incluso a su carrera profesional y a su marido ( que se niega a convivir con un niño) y abandonando la gran ciudad por una vida más tranquila en un pequeño pueblo. Compra una casa pero todo le sale mal: el invierno se le echa encima y la casa es un desastre, el pueblo le resulta odioso y a punto está de abandonarlo todo pero la pequeña Elisabeth, que así se llama, le proporcionará las fuerzas necesaria para salir adelante.

    La película no es ni siquiera una gran comedia, pero si una comedia ligera y que se hace agradable de ver como decimos. No cabe duda que las peripecias de esta madre, con un gran trabajo cómico de la Keaton, nos logra emocionar, sobre todo cuando vemos a ese pequeño bebé que no para de "maquinar". Además ver esa escenografía, esos decorados, ese Nueva York, esos trajes y peinados nos aseguran una vuelta a los 80 que si bien demuestra que la cinta no ha envejecido nada bien, a aquella generación en concreto nos devuelve una sincera sonrisa. Una película entretenida para desconectar un poco aunque hay momentos en que el guión resbala bastante, sobre todo cuando la chica conoce al chico y todo se vuelve francamente convencional pero tampoco podemos pedir mucho más.  Al final, como era de esperar, triunfará el amor incondicional por esa ricura de bebé aunque la moraleja suene un poco arcaica: teniéndolo todo a su favor para regresar triunfal renuncia a todo para ser una buena madre. Es lo que hay.

martes, 7 de enero de 2014

MISSING (DESAPARECIDO) (1982)

   Terror, impacto, crimen, thriller, dictadura, fascismo. Todo eso y mucho más representa el cine político de Costa-Gavras, uno de los cineastas más comprometidos con sus ideales, siempre atento a denunciar en sus películas los desmanes del modelo capitalista y el criminal contubernio entre el imperio norteamericano y las dictaduras más abyectas de América Latina en la segunda mitad del siglo XX. Quizás el mejor resumen de toda la película se encuentra en las palabras del embajador americano en Santiago de Chile. Este, en los días  posteriores al Golpe de Estado de Pinochet, enmedio de la barbarie desatada por los militares, salpicada de asesinatos, secuestros y torturas generalizadas contra todo lo que oliera a oposición al nuevo régimen criminal de extrema derecha, le dice a Ed Horman, un magnífico Jack Lemmon, el padre que busca a su hijo desaparecido algo así como que los Estados Unidos deben garantizar la integridad y los intereses de las más de 3000 empresas americanas en el país del cono sur. Los intereses de un país por encima de la vida de las personas. Nada más y nada menos. Es toda una declaración de intenciones. Costa-Gavras deja constancia en su cine y, en particular, en esta película  de los apoyos americanos a la dictadura pinochetista. Pero podría ser Argentina, Brasil, Paraguay o cualquier otro país americano.  Resultaba mucho más conveniente una dictadura de derechas que garantizara el orden y los intereses económicos yankies que un inestable e izquierdista (un comunista en la retorcida visión de Kissinguer) Salvador Allende. Dicho y hecho. El 11 de Septiembre de 1973 los militares chilenos, al mando del general Pinochet derrocan al gobierno democrático de Allende, imponiendo una dura dictadura militar que gobierna con mano de hierro el país y lleva a cabo una persecución política contra cualquier elemento sospechoso de no ser afecto al levantamiento.

   De pronto una mujer y su suegro buscan desesperadamente al marido, al hijo que ha desaparecido y que, probablemente, jamás encuentren. La historia que nos cuenta el realizador franco-griego se mueve en la línea del cine político de gran altura y se basa en esta ocasión en una  historia verídica. Charles Horman ( John Shea) es un joven escritor y articulista norteamericano de ideas liberales y progresistas que es testigo del golpe militar chileno. Se encuentra en Viña del mar junto a una amiga periodista mientras su esposa Bet ( Sissy Spacek) permanece en su casa de Santiago. Quedando atrapados y sin posibilidad de salir por que el ejército ha ocupado los principales puntos neurálgicos del país, Charles comienza a anotar en un cuaderno todo lo que ve. Cuando regresan a Santiago, enmedio de tiroteos y secuestros Charles desaparecerá. Entonces su padre Ed Hormann ( Jack Lemmon) decide presentarse en Santiago y pedir explicaciones a la embajada americana obteniendo una tibia respuesta que no invita precisamente al optimismo.  

  La película se vuelve endiabladamente entretenida y tenebrosa. Una serie de personajes deambulan por ese escenario de horror, siempre acompañados de tiroteos sin sentido ni orden por las calles de la capital Chilena. Esa banda sonora permanente, que nos sobresalta en cualquier momento del film no desmerece al buen trabajo de Vangelis. Padre y nuera están enfrentados, son de ideologías diferentes. Ed es conservador y piensa que su hijo ha obrado mal acercándose a sectores liberales y señala que "tenemos que defender nuestro modelo de vida". Bet le contradice, afirmando que no hacían nada malo.  Y así era, solo fueron demasiado "curiosos", algo extremadamente revolucionario para los fascistas de toda la vida, los de viejo y los de nuevo cuño. Resulta muy destacable la evolución de Ed, lenta y sin retorno, del hombre mayor y conservador ante el empuje de la barbarie nazi, como es descrito el régimen de terror que se ha impuesto en Chile por uno de los protagonistas. Ed acabará viendo la realidad de lo que hace su querido país, su adorada democracia, apoyando a criminales que secuestran y matan a jóvenes por su ideología. Su agotador  e interminable periplo por hospitales, albergues y diversos puntos de la capital son una pérdida de tiempo. La imagen del Estadio Nacional de fútbol, como si de un descenso a los infiernos se tratase, lleno de detenidos y torturados es estremecedora, las salas atestadas de cadáveres identificados y sin identificar nos remiten a una no resuelta Guerra Civil. Todo eso produce el lento cambio en la mente de Ed...y en la nuestra,  quedando desbordados ante la crudeza de lo que está pasando ante nuestros ojos.


   Ellos se darán de bruces con múltiples trabas administrativas, incluyendo las de su propia embajada, a la que en principio acuden y dan crédito pero que se verá  como un impedimento para la búsqueda más que una solución. La mentira y el embuste para acallar a esta familia desgraciada que ha perdido a uno de sus seres queridos se vuelve moneda común. La tragedia nos invade, con una sensación de derrota total y absoluta. El guión es magnífico pues sabe captar el cruel infierno en el que convierten Chile los facciosos militares y la evolución de las conciencias de los protagonistas, llenas de sensaciones emocionales muy profundas. Es un guión panfletario, pero ¿podía ser de otra manera?. La fotografía es brumosa, acentuando la sensación de desazón, el miedo, la pérdida de esperanza no ya de una familia sino de todo un pueblo.  

  Las interpretaciones son fabulosas, en especial la de un Jack Lemmon al que descubrimos como un actor dramático extraordinario. Es ese padre que evoluciona dentro del drama absoluto en el que se ve inmerso y, feroz y austero, lucha por su único hijo aunque este se hubiera desviado de su ideología primigenia. La nuera, Sissy Spacek también interpreta un papel dramático lleno de fuerza y coraje, primero enfrentándose al padre de su marido y después, con soberbia dignidad, a los embustes de todos los que les hacen creer que lo que ven no es cierto. En realidad todos hacen creíbles sus papeles porque Gavras consigue montar una película casi documental, hiperrealista,de los sucesos acaecidos aquellos días, parece que estemos viendo las noticias o un "informe semanal" de aquel horror, lo cual da mucha mayor veracidad a todo lo que vemos y nos pone los pelos de punta sin descanso, hasta el desenlace final que no por previsto se hace más indigesto a nuestra plácida tarde de cine.

    El director de "Z", esa extraordinaria obra de denuncia política, aprovecha un hecho verídico, la desaparición de un joven escritor americano para narrar lo que a él más le gusta: la barbarie de un modelo inhumano y cruel y el apoyo miserable de la nación que dice defender los derechos humanos a un régimen tiránico. Un auténtico alarde de hipocresía y un film verdaderamente necesario. Una lección magistral de Costa-Gavras.


-FICHA TÉCNICA:

lunes, 23 de diciembre de 2013

THE EAST (2013)



     The East  es de esas películas que, en apariencia, no parecen aportar nada nuevo pero que en el fondo dejan un mensaje que, no por repetido, deja de ser actual y, sobre todo, necesario. Una nueva vuelta de tuerca al cine ecologista de denuncia social, en esta ocasión centrada en los atentados de una banda terrorista conocida como el título de la cinta, que trata de lanzar a la opinión pública una serie de golpes muy sonados, con el objetivo de despertarla de su letargo, de sacudir con fuerza las conciencias difuminadas por el consumismo y la publicidad en nuestra acomodado estilo de vida occiental. Asuntos como la manipulación de los medicamentos y los grandes beneficios de las farmaceúticas salen a relucir en este sorprendente ejercicio cinematográfico, interesante por la tesis que presenta casi más que por el contenido formal al que nos invita a participar.

  Sarah Moss ( Brit Marling) es una competente agente de contraespionaje que ahora trabaja para una compañía de seguridad. Esta empresa recibe encargos de grandes empresas, algunas multinacionales, que se están viendo atacadas y desprestigiadas por la labor clandestina de The East. Ella deberá contactar con ellos y mediante su habilidad profesional, adentrarse en la organización y desenmascararla, destruirla, sabotearla desde dentro. Esa es su misión. Sin embargo, cuando se encuentre dentro del cogollo de la banda, junto a sus líderes, quedará fuertemente impresionada por su ideología, por sus intenciones y, sobre todo, por su líder, un misterioso joven que también sentirá una fuerte atracción sexual ( como no) por ella.

 Quizás lo más interesante de la cinta no sea la acción ecoterrorista en sí, espectacular en ocasiones, ni tampoco el mensaje de crítica social que hace a las grandes empresas que contaminan impunemente, conscientemente, destrozando poco a poco nuestro ecosistema. Seguramente lo más destacable de la película es la idea que queda flotando cuando se dilucida varios dilemas morales de gran trascendencia. La disyuntiva entre defender la legalidad, la que representan esas empresas criminales que revientan conscientemente el delicado equilibrio ecológico o las vidas de las personas a las que utiliza como cobayas para su rápido enriquicimiento o apoyar firmemente la radicalidad, el por aquí no paso y rebelarse contra el sistema, contra esa legalidad. Y, a continuación, la duda terrible entre apoyar la violencia, el pasar por encima de lo que haga falta para hacer valer tu ideología, por muy justificadas que estén sus razones o rechazarla enérgicamente, debate muy en boga en la actualidad, debate siempre pertinente. 

   La  cinta penetra en ese submundo un tanto oscuro, casi religioso y extremadamente peligroso, un mundo en el que se entra con  facilidad pero del que resulta muy complicado salir. Como aspecto negativo, esperamos más de un grupo de personas que se están jugando la vida por sus ideales, sobre todo no es muy creíble esa especie de comuna hippie convencional, todos los personajes estereotipados, que se reúne en torno al fuego en casa del líder ( aunque la casa esté destartalada). A pesar de ello, de esos revolucionarios un tanto chicks y apacibles, tenemos muchos ingredientes inquitantes y vemos con asombro como cualquiera puede convertirse en un revolucionario, un individuo que puede hacer remover los cimientos del sistema. Quizás por todo ello el guión no resulta del todo convincente, ciertos diálogos son un tanto absurdos por momentos, apectos claves no quedan bien explicados, solo mal sugeridos. El final puede también parecer demasiado previsible si bien es de agradecer que, al menos, la coherencia y los principios de los protagonistas venzan al romance sentimentaloide.


  El plantel artístico está correcto, tanto la protagonista principal, en su doble papel de espía-terrorista, la ya citada Brit Marling, en el papel de la metódica pero débil Sarah Moss, como los otros protagonistas esenciales, Alexander Skarsgard, en el  papel de Benji, ese líder casi mesiánco y firme de la banda o  la pequeña Ellen Page como la débil y fuerte al mismo tiempo Izzy. Destacable por su presencia rotunda el breve papel de Patricia Clarkson como Sharon, la jefa de la empresa de espionaje, firme, tenaz e implacable en la defensa de sus clientes. La banda sonora es de lo mejorcito de la cinta. Halli Cauthery, en especial con ese piano inquietante, consigue transmitirnos ese desasosiego  presente a lo largo y ancho de la historia. La fotografía oscura, matizada, llena de momentos de cielos nubosos y grises reincide en lo ya dicho para la música: lo tenebroso, lo inseguro, lo inquietante. 



  En definitiva, diríamos que es una película irregular, que podía haber dado mucho más de sí, dibujando unos personajes en exceso inestables y exaltados, una imagen en exceso convencional y estereotipada pero que en definitiva permite abrir de  nuevo el debate, un debate nunca cerrado. Ecologismo versus degradación del medio y, lo más importante, violencia versus legalidad. O quizás debiéramos decir violencia versus violencia, justificando así el uso de la fuerza como forma de lucha contra lo presuntamente legal o, mejor dicho, lo legal legalizado gracias a la presión del capital.
 
-FICHA TÉCNICA:

   

  

lunes, 16 de diciembre de 2013

DRIVE (2011)



 
   Fantástica película que destila puro noir. Violencia y romance exacerbados, crueles en ocasiones. Muchos recuerdos del buen thriller trepidante y trepidado, de los que no dan tregua al espectador, del cine que aborda el tema de la mafia y sus ramificaciones y que no está exento de una conveniente historia de amor. Es puro cine policíaco de los 80, Tarantino, al menos el de Reservoir Dogs y Pulp Fiction aunque en este caso el tono general es mucho más negro y sangriento, quizás excesivo y carece de esas dosis de humor que el director norteamericano introduce en sus películas. O quizás recuerde al Scorsese de Taxi Driver, aunque el protagonista en nigún momento pierde la cabeza.   La historia que nos cuenta esta película tiene un protagonista principal que da título a la cinta. Es Driver, un joven mecánico que complementa su sueldo trabajando como conductor en arriesgadas escenas de cine, como especialista. Driver también es un conductor excepcional que llama la atención de promotores que piensan que puede tener llegar lejos como piloto de autos de gran cilindrada. Lo que nadie sabe de él es que, algunas noches, complementa su triste salario en el taller trayendo y llevando a delincuentes. De hecho la película tiene una magnífica presentación o introducción que ocupa las primeras secuencias del film en las que se ve a Driver esperando a los delincuentes para despúes transportarlos a un lugar seguro, persecución policial incluída, a todo gas por las nocturnas calles de Los Ángeles. Así transcurre su vida, entre el taller, las arriesgadas escenas del cine y las cundas de delincuencia que le reportan unos míseros ingresos para subsistir en su pequeño apartamento. 

    Sin embargo algo inprevisible se cruza en su monótona vida: el amor. ¿Qué sería del Noir sin una buena y tormentosa historia de amor?. Nuestro joven protagonista conoce por azar a Irene, que se ha trasladado a vivir con su hijo Benicio al apartamento contiguo al de Driver. Pronto surge una buscada complicidad que lleva irremediablemente a una bella relación. Y a pesar de que ella tiene un hijo, los tres se complementan a la perfección. El problema (siempre en el cine negro ha de surgir algo así que altere la normalidad) es que ella está casada con un delincuente. Y como no podía ser de otra manera el marido sale de la cárcel, debiendo ambos enamorados apartar su historia de amor momentáneamente. Hasta aquí tenemos unos elementos diríamos habituales en una película normal: chico conoce chica, ambos se enamora, ella tiene un hijo, su marido regresa de la cárcel.


    El problema ( y lo que realmente da sentido a toda la película) es la trama que surge con la aparición de la mafia, la pequeña mafia que patrocina a Drive como piloto y la gran mafia de Philadelphia que busca un millón de dólares perdido en una casa de empeños. El marido de Irene, Standard, tiene una deuda que ha contraído en prisión con un grupo mafioso y debe pagarla. Driver, a pesar de que es su competidor por el amor de Irene, decide ayudarlo. En esta acción se ve el lado humano y altruísta de nuestro protagonista. Aunque le duela prefiere ver a Irene y a Benicio felices al lado del hombre que es su marido. Pero todo dará un giro de 180 grados en ese maldito atraco. Drive espera 5 minutos ( nunca espera más, si el delincuente no se las arregla con ese tiempo se queda en tierra). Antes de terminado el tiempo aparece un enorme coche con lunas tintadas que se coloca paralelamente al suyo. Algo pasa aquí, ¿quiénes son estos tipos?. El drama se huele. Drive consigue que el dinero acabe en su maletero pero  Standard, el marido de Irene, es tiroteado y muere. Algo ha salido mal, algo huele a cuerno quemado. Lo que sucede a continuación es que la película se vuelve endiabladamente tenaz, todos los acontecimientos ocultos y sangrientos se precipitan. El millón de dólares ( que Drive ni se imagina) ponen en marcha un proceso en el que todos van a salir bastante perjudicados y en el que el joven conductor mostrará una incalculable sangre fría para poner a salvo lo que más quiere: a Irene y su hijo, aun a riesgo de perder su vida.


  La película hechiza por muchas razones: el guión de Hossein Amini es muy negro, tanto que recuerda a esas películas de cine criminal de toda la vida.  Destaca por encima de todo un clasicismo que se ve fragmentado, roto y salta por los aires cuando la terrible y brutal violencia hace acto de presencia. Si bien aparece como pleno de sentimentalismo la bestialidad del mundo en el que se desarrolla deja poco espacio para el romance. En realidad deja muy poco espacio para casi nada que no sea la violencia, el crimen. Ningún espacio para la absolución.

   La estética de la cinta, es tan ochentera que recuerda a otras películas del género como ya decíamos. La actuación de los protagonistas, en especial un Ryan Gosling en estado de gracia, como el frío y calculador Drive, el mártir engominado  y chuleta, bella fiera que no se deja amilanar por nada ni nadie, aunque una mafia criminal de la peor especie amence lo que más quiere. Sus acciones al volante recuerdan a Bullit, son excepcionalmente emocionantes. Carey Mulligan es Irene, la madre de Benicio. Es la típica mujer frágil que ha acabado con un criminal de poco fuste y se ve atrapada por su amor por Drive. En ese sentido interpreta magníficamente su papel de mujer débil pero enamoradiza, asustada y dura, inflexible ante el mal que contempla a su alrededor. Ron Pearlman es Nino. El veterano actor continúa en su estilo personal, que le acerca mucho a estos papeles de mafioso sin escrúpulos que tan bien aborda. El resto de los actores dan la talla, incluso Christina Hendriks en un papel ínfimo ( sí, la tetona de Mad Men).

  El director Nicholas W. Refn demuestra que sus anteriores trabajos no eran flor de un día. Incorpora a la película una serie de detalles visuales muy logrados, una fotografía sombría que se troca por momentos en luminosa, una luminosidad pavorosa, apabullante que destaca claramente los momentos de lucidez y los de descenso a los infiernos. Así, el realizador lleva a cabo un derroche de estilo, con todos los elementos propios del género cinematográfico: las carreras trepidantes de coches, las amistades peligrosas y el romance, el cine de gangsters y de vengadores. Consigue crear una situación de tensión que se incrementa con el paso del metraje, cuando nos apercibimos de la crueldad hacia la que se dirige Drive, devorado por el monstruo de la venganza. De esta manera Refn consigue crear una serie de escenas inolvidables que quedarán indelebles en nuestro imaginario.

   Quizás haya violencia gratuíta pero seguramente no haya mejor ocasión para mostrarla. Escenas como cuando vemos el cine dentro del cine, con esa máscara impersonal que tanto protagonismo tendrá al final o el momento del ascensor, con esa penumbra remarcada por unos personajes que sabemos malvados, ejemplifican la idea clave de esta obra de arte. Esto es cine, amigos.