Balada triste de trompeta (2010)

     El cine de Álex de la Iglesia es, ante todo, descarnado, carente de complejos (siempre políticamente incorrecto) y, cosa importante, casi siempre entretenido, al margen de las tramas de sus guiones y de los aciertos o errores que en ellos aparezcan. Todas sus cintas aparecen siempre tamizadas de un humor negro que lo empapa todo, de manera que ha conseguido imprimir un sello propio a cada una de sus películas. Desde aquella aquella  bestial y mítica cinta en la que el diablo iba a nacer en las torres Kio, sus thrillers mezclados con comedia negra, son ya reconocibles como marca de la casa y, hay que señalarlo, como una magnífica marca.

    La tarea de recrear medio siglo de la más reciente Historia de España, desde la Guerra Civil del 36 hasta el inicio de la Transición, con la voladura del Presidente Carrero a manos de ETA es un trabajo demasiado desequilibrado,  a veces hilarante pero que deja de tener gracia muy pronto. Resulta francamente exasperante, una locura esperpéntica típica de un demente, pero con la salvedad importante de que es cine "De la Iglesia" en estado puro. Pero esta vez a Álex se le va la pinza, con unos diálogos francamente incomprensibles que conforman esta especie de "escopeta nacional hitchockiana" sobre la locura de todo un país, representados en los personajes casi psicóticos que nos presenta.

    De la Iglesia ( autor del guión) se levantó un día y pensó: ¿Cómo cuento la eterna disputa entre las dos españas?. Pues a través de tres personajes que se vean irremediablemente atraídos y repelidos entre sí.  Puesto que la historia va a tener como hilo argumental la vida y milagros de una compañía de payasos, tenemos al payaso tonto (Antonio De la Torre), el que hace gracia a los niños que en realidad es un maltratador, lo que dice una mala persona y por otro lado tenemos al payaso triste (Carlos Areces), que primero es un panoli que, traumatizado por la prisión y muerte a manos de los nacionales de su padre payaso, inicia su andadura, feo y desgarbado, como el payaso que no hace gracia pero que en realidad, en contraposición con su compañero, es buena persona, tan buena que acabará torciéndose irremediablemente.  Ya le hemos liado, Álex: una españa de buenos contra malos. 

  ¿Y quién es España?. España, amigos míos, es una mujer bella, maltratada por el payaso tonto, del que está locamente enamorada pero que, incomprensiblemente, es capaz de verse atraída también por el payaso triste que la trata como a una reina pero que "no es para ella". Ella ha nacido para sufrir, para ser vejada, humillada y para trabajar sin descanso hasta reventar desfallecida. Cuando despierta de su letargo y opta por la opción correcta, la que le hubiera dado una buena vida, es tarde ya para ella. Es decir, que España no tiene solución, concluye nuestro maestro de ceremonias. Nada sutil mensaje, por cierto.

No es por tanto difícil averiguar a qué dos españas representa cada payaso. Pero, al margen de esta interpretación histórico-política, lo que hay en el  fondo es una historia de una violencia salvaje, de escenas rodadas con gran virtuosismo y espectacularidad y una segunda parte del film que se desinfla inmersa en un guión insoportable aunque, a lo Hitchkock, como siempre en el cineasta vasco, culmina a lo grande en un escenario épico y epicéntrico, ese lugar en dónde murió el padre del payaso tonto trabajando hasta reventar, el lugar donde fueron sepultados miles de víctimas al lado de su verdugo, el Valle de los Caídos, construido con el sudor y el esfuerzo de una España derrotada que siempre nos alcanza.

Ficha técnica:

Título

Balada triste de trompeta

Año

2010

Duración

107 min.

País

 España

Dirección

 Álex de la Iglesia

Guion

Álex de la Iglesia

Música

Roque Baños

Fotografía

Kiko de la Rica

Reparto

Carlos Areces, Antonio de la Torre, Carolina Bang, Santiago Segura,Alejandro Tejería, Terele Pávez, Alfonso Aragón, Sancho Gracia, Manuel Tejada,Fernando Guillén Cuervo, Manuel Tallafé, Enrique Villen, José Manuel Cervino,Gracia Olayo, Joaquín Climent, Luis Varela, Juana Cordero, Raúl Arévalo,Fran Perea, Fernando Soto

Productor

Coproducción España-Francia; Canal+ España / Castafiore Films / La Fabrique de Films / Televisión Española (TVE) / Tornasol Films

Género

Comedia. Drama. Acción. Thriller | Guerra Civil Española. Comedia dramática. Circo.Comedia negra. Años 70. Payasos

ficha: filmaffiniy

GORDOS (2009)

 Tobogán emocional, película de subidas y bajadas, batiburrillo maravilloso de historias contrapuestas en las que prima lo sentimental, en el que Daniel Sánchez Arévalo nos sumerge en muchas películas, muchas tramas en las que prima la tragicomedia, con momentos de drama intenso y otros de comedia ligera. El punto en común de los protagonistas es una terapia grupal a la que acuden acomplejados por su obesidad.  A partir de ese momento comienza el baile de historias, el baile de gordos, a saber:  El gordo amargado, ex-presentador homosexual de teleprogramas que anuncia unas pastillas-milagro para adelgazar y que acaba preso de la bulimia y acude a pedir ayuda más por inercia que por otra cosa. Su vida es una mierda y, para colmo, su socio de toda la vida lo ha abandonado y es motivo de burlas y chanzas por doquier. La gorda joven y puritana acompañada de su novio ultracatólico que será sojuzgada durante demasiado tiempo. El gordo supuestamente feliz con mellizos que se odian eternamente. La joven gorda ejecutiva acomplejada porque su novio, de viaje en el extranjero, no conoce su actual volumen corporal. Y el terapeuta, de abdominales marcadas pero con un lío sentimental bastante gordo.

    Es cierto que las cinco historias están muy descompensadas entre sí, son como películas diferentes, con situaciones y subtramas de lo más diversas y por tanto el guión no deja de ser un constructo desigual, pero cada una de las historias tiene gancho, pegada y giros inesperados  aunque quizás se hagan demasiado explícitas en determinados momentos, en especial un exceso de corporalidad y de sexo, si bien el cine de Sánchez Arévalo es todo él así, excesivo, irreverente, irrespetuoso, trangresor.  Como ejemplo fantástico el cristo iluminado, fosforescente, preparado para afrontar el desnudo de sus vírgenes seguidores.

  Las interpretaciones están a un buen nivel tanto en el plano dramático como en el cómico, desde el histriónico Enrique un Antonio de la Torre magnífico como suele ser habitual, pasando por una inspiradísima Pilar Castro, en su papel de sufridora, Paula (Verónica Sánchez), bordando su faceta dramática, con el distanciamiento conyugal y los problemas que conlleva el embarazo para toda mujer, Abel (Roberto Enríquez) que está aceptable en su papel de terapeuta que parece tenerlo todo bajo control pero que poco a poco va destruyendo su propia existencia y hasta la joven Sofía (Leticia Herrero) dando muy bien en el papel de puritana que se soltará  el pelo, rebelándose contra su carca pareja, Álex (Raúl Arévalo) que domina a la perfección ese registro ultra puritano que sucumbe al pecado pero que se acaba por hacer insoportable la vida a los demás, papel por el que fue premiado con un goya. Finalmente Fernando Arbizu en el papel de Andrés, el gordo feliz que junto a Teté Delgado forman esa paranoica pareja que tienen unos hijos terribles, quizás la parte más simpática de todas. Finalmente, en esta película coral, destacar el personaje de Leonor (María Morales) que añade una nota muy lograda de acidez a todo el conjunto.

   Quizás el mayor logro de Gordos sea hilvanar en muchas historias  los traumas de unos seres acomplejados y conseguir lanzar el mensaje de la obsesión que la propia sociedad tiene sobre este tema, algo que raya ya en la paranoia colectiva y que desplaza a muchas personas a la marginalidad y el desprecio. El montaje también merece un comentario aparte, difícil empresa ante tantas historias que se entrecruzan entre sí,  por momentos nos abruma la cantidad de cambios y de saltos que la película va ofreciendo, acaba resultantdo excesivo, caótico, desbordante. Varias cosas  dan sentido a este sinsentido de filme y  lo elevan a la categoría de película altamente recomendable. No solo el guión y las actuaciones sino el trabajo de dirección que consigue dar coherencia a todo el conjunto. También la música de Pascal Gaigne, que destaca por su sencillez y profundidad, un compositor que se está labrando una buena fama en la música cinéfila.

   En definitiva una tragicomedia excesiva, irregular, paradójica e incluso entretenida que no nos dejará indiferentes, que nos conmoverá a iguales dosis de las que nos conseguirá crispar. 

LA HERIDA (2013)

   Una gran interpretación de la enfermedad es lo que Marian Álvarez exhibe en esta película sencilla y sufrida de Fernando Franco. No es un film que atrape o apasione sino que, por el contrario, se torna por momentos sinceramente desagradable ya que nos sitúa a Ana, una mujer que trabaja en una ambulancia ayudando a los demás, como centro de su propia enfermedad mental y de su autodestrucción. Tanto es así que el director sitúa la cámara en el cogote de la actriz protagonista y, por momentos, sentimos que estamos persiguiéndola, como si huyera despavorida, no como una manía persecutoria sino de la propia enfermedad psiquiátrica que padece, el conocido como trastorno límite de la personalidad. Pero no puede salir de su infierno particular, es consciente de ello y por eso se hiere, se castiga a sí misma, en secreto, sin que su madre lo pueda siquiera percibir.

   Todo en su vida se derrumba en su interior: su padre se marchó de casa y ahora se va a casar con otra mujer, su novio ya no le responde al teléfono y ha decidio cortar, carece de amistades fuera del trabajo, se sinte sola y culpable de todo lo que le sucede. La depresión la desborda y pronto llega la herida o, mejor dicho, las heridas que ella misma se inflige en una espiral autodestructiva.

   La película es como un documental de la enfermedad mental, que desborda el todo de la narración. El conjunto del guión está dedicado a describir la decadencia, la soledad, el infierno que vive Ana. Pero quizás por eso la historia no es tal, es decir, no hay historia o esta es tan endeble que acaba por mostrarse tediosa e irremediablemente intrascendente aunque en cierta medida conmueve por su realismo y crudeza. Y es que todo gira entorno a la descripción de unos síntomas que van a más, que son incurables e irremediables.  

  El director Fernando Franco, montador profesional que realiza aquí su primer largometraje, utiliza reiterativamente el plano secuencia, en un interminable seguimiento de todos los movimientos de su actriz que, dicho sea de paso, da sentido a esta historia, la llena y desborda por completo. Su interpretación es suficientemente contundente como para justificar su visionado, es desbordante, sorprendente, su rostro refleja el enorme sufrimiento que padecen este tipo de personalidades límite, el dolor y la frustración por no poder controlar su propia existencia. Merecido el premio del cine español a su interpretación.

    Una película obligatoria para los que disfrutamos de grandes interpretaciones aunque el contexto de la película no sea excesivamente atractivo. Un cine de desolación sin límite, sin alharacas ni pretensiones, de bajo presupuesto y alta calidad aunque no apto para personas poco acostumbradas a sufrir, a pasarlo mal viendo cine casi documental. También óptima para estudiosos de la psiquiatría y para los que, en general, sufren con el sufrimiento ajeno.

LA GRAN FAMILIA ESPAÑOLA ( 2013)

    Españolada, ese es el calificativo que se me ocurre después de ver esta nueva y premiada obra de Daniel Sánchez Arévalo. Y no sé muy bien si eso es malo o es bueno porque la película tiene de todo y muchas cosas de las que hablar. La historia tiene como eje aquella noche memorable en la que España logró, por fin, el campeonato mundial de fútbol, ansiado ahelo de buena parte de una sociedad adocenada. Resulta que en torno a ese día una familia bastante compleja, formada por cinco hermanos, todos con los nombres de los protagonistas de Siete novias para siete hermanos, al parecer película fetiche para sus padres, va a celebrar la boda del pequeño, con dieciocho añitos cumplidos. Se va a casar en el jardín con la que había sido su novieta desde que iban al parvulario, algo bastante surrealista. Anque yo sigo sin saber si todo lo que se cuenta es puro suerrealismo o que nos están tomando el pelo. Situaciones incomprensibles, absurdas diría yo. Veamos: el padre está separado de la madre que al final no acude al evento y además casi está ausente porque sufre un vahído, un infarto en plena boda y en vez de llevarlo al hospital, uno de los hermanos, médico en el tercer mundo, decide tratarlo en la habitación de la casa. La boda se suspende por momentos, hay que esperar. Los invitados se impacientan y mientras uno de los hermanos, deprimido, intenta fingir que roban en la casa para trincar todo el oro en lingotes que su padre atesora. Pero hay más. Uno de los hermanos es disminuído psíquico, hace de tontito pero de esos que se acaban enterando de cosas que nadie más sabía.

  En este contexto se desarrolla una película técnicamente bien rodada, con una buena fotografía, unos temas musicales agradables y adecuados para cada situación y unos actores en general aceptables, en especial Antonio De la Torre, que úlitimamente se está saliendo. También Roberto Álamo aporta dosis de ternura y momentos de gran hilaridad con su papel del hermano con pocas luces. Sin embargo el guión es rocambolesco y caótico y supone una especie de actualización de la Gran Familia, aquella película del franquismo con Alberto Closas y Pepe Isbert pero pasándose mucho de rosca. Evidentemente ahora los padres están separados, los hijos ídem de lo mismo, uno tiene depresión, otro inseguridades vitales y hasta el muchachito casi imberbe monta la gorda. Para rematar la faena, tenemos una especie de pieza de musical sustituyendo a la tradicional música de entrada de la novia al altar jardinero donde se van a casar, algo perfectamente prescindible. Y como no una colección de personajes y personajillos, de freakis de manual, que pululan extraviados por esta singular parodia de  lo que pretende ser una familia bastante desestructurada con momentos que parecen tratar de emular a aquel caos maravilloso de El guateque, solo que con Raúl Arévalo haciendo un cameo-imitación a lo Peter Sellers.

  Pero no podemos obviar que el film transmite unas enormes ganas de vivir, de salir adelante a pesar de las dificultades, del desamor, de la depresión, de la crisis...también contiene escenas de un humor sencillo y cálido. Y también momentos de tensión dramática y pasión amorosa. En realidad podría ser algo así como un compendio de lo que es la propia sociedad española, esa que se agolpó aquella noche de verano para celebrar la victoria en el mundial de fútbol. Y por eso tiene algo de fotografía de esa sociedad compleja y contradictoria: la españa solidaria y la cainita, la romántica y la histriónica...en fin, España.  Una película irregular, repleta de un gran caos incontrolado, de momentos hilarantes y otros absurdos. En definitiva una obra contradictoria, como lo es España.

MIENTRAS DUERMES (2011)

   La inquietud se apodera del espectador poco a poco, sin prisa pero sin pausa, viendo a un personaje vil y sádico, que ejerce como portero de un lujoso edificio del centro de Madrid. Está a punto de suicidarse porque ya nada hay que merezca la pena seguir viviendo, es un ser infeliz, incapaz de sentir. Pero entonces llega Clara. Ya ha elegido una nueva víctima para su colección poniendo en marcha el ritual, su enfermiza obsesión por las mujeres jóvenes, en este caso su obsesión por Clara ( Marta Etrura).  El obseso, pervertido y malévolo portero es César ( Luis Tosar), la verdadera encarnación de la vileza, podría ser un perfecto enemigo público número uno, solo que sutil y actuando con alevosía y nocturnidad. César destila maldad por todos sus poros, está obsesionado con Clara y puede penetrar a diario en su apartamento, antes de que llegue de su trabajo, esconderse debajo de la cama y esperar a que el sueño profundo le permita realizar su ritual, con el cloroformo preparado para dormirla anestesiándola, poseyéndola en su propia cama.

    Por la mañana Clara está aturdida, cada día se encuentra peor. Al descender el rústico ascensor  camino del trabajo allí está César sonriente, alegre, retomando en su interior nuevas esperanzas. Visita a su madre en estado casi vegetativo, desconocemos si la enfermedad es natural o forzada por su hijito. César le cuenta lo que va haciendo con Clara que no es más que una de sus víctimas, a la que le ha tocado en gracia, es un decir, padecer el suplicio de este obseso. Sin embargo una no menos malvada vecina, un niña pequeña pero tremendamente diabólica le ha descubierto entrando y saliendo de su casa y lo chantajea  aunque ella también probará la terrible medicina de César.

    La tensión crece cuando vemos al desaprensivo poner larvas de cucaracha para provocar una infección en el piso de Clara o cuando pone en todo su maquillaje droga que la va aturdiendo más y más. Después surgirá como salvador, luchando contra la plaga, creyendo ingenuamente que ya hay algo más que un simple hola y adiós entre vecina simpática y  un portero de paso.  Pero lo peor está todavía por llegar, sobre todo cuando aparece Clara con su novio Marcos ( Alberto San Juan). Entonces rabia de celos, porque cree que es suya, que solo él tiene derecho a poseerla.

   Pero todo  está en su imaginación y cuando ve a Marcos la locura se apodera de su ser. Entonces estará dispuesto a todo por no perderla. Una noche Clara y Marcos llegan por sorpresa al piso y César ya está allí, el depravado está debajo de la cama dispuesto a su ritual diario. Entonces debe aguantar una gran humillación y, tras estar a punto de ser descubierto por la mañana, logra evadirse de una manera típicamente criminal, con una habilidad magistral. Pero Marcos no lo ve claro, ¿por qué se había dejado una bolsa debajo de la cama?.¿Cómo es que puede entrar y salir del apartamento de Clara?. El drama estará servido, el asesinato, la culpa, el destrozo de una vida, la de Clara  marcará la segunda parte de la película.

   Lo cierto es que el guión de Alberto Marini consigue crear un muy convincente suspense durante todo el metraje y tenernos muy despiertos, ojo avizor, no sin provocar en nosotros un inquieto malestar. El director, Jaume Balagueró, teje una obra maestra negrísima, una película que no puede dejar a nadie indiferente, un thriller psicológico con todas sus características. Plano a plano nos sumerge un paso más en esa mente enfermiza incapaz de ser feliz, que solo vive para causar el mayor daño posible a las personas.

   Luis Tosar realiza de nuevo una extraordinaria interpretación, que destila maldad por todos sus poros. Ya lo habíamos visto como Malamadre e incluso en aquel abyecto papel de maltratador en Te doy mis ojos. Si en aquellas ocasiones bordaba su papel como villano, como escoria de la socidad, en este ejercicio de drama aterrador, bate todos los récords demostrando todas las caras de la psicopatía. Es que no se puede ser más malo. Pero Tosar no está solo, Marta Etrura se muestra como una extraordinaria partenaire, frágil y vulnerable ser que desconocerá en todo momento la verdadera identidad del psicópata César y cuya vida quedará terriblemente marcada por el abyecto criminal. Por último una banda sonora muy acertada de Lucas Vidal redondea esta obra maestra del último cine español. Un cine negro negrísimo que afortunadamente cada vez mejor el cine de casa está siendo capaz de abordar con mucha solvencia. Después de ver esta película pocas personas podrán dormir tranquilas si a su comunidad de vecinos llega un nuevo conserje o portero. Ese es el gran triunfo de esta película.

SILENCIO EN LA NIEVE (2011)

  Impactante escena inicial. Un buen número de caballos congelados en medio de un frío horripilante, que se palpa en la propia imagen y estremece. Estamos en las grandes llanuras de Europa Oriental en pleno inviero de 1943. Al menos, dicen los españoles, habrá comida para unos cuantos días. Magnífico entretenimiento el que nos ofrece Gerardo Herrero, director y realizador de cine, en esta película en la que la trama se ambienta en un contexto poco trabajado en el cine español contemporáneo: la Segunda Guerra Mundial y el papel de los españoles en ella a través de la División Azul. Además de contemplar un fresco bastante ilustrativo y realista de su misión en el frente ruso, apoyando al amigo Hitler, consigue atraparnos con una historia detectivesca, un buen thriller policíaco, casi un Holmes-Watson, protagonizado por Carmelo Gómez y Juan Diego Botto. La historia se centra en la aparición de un asesino en serie justo en el corazón de las tropas españolas, un asesino con alguna motivación presuntamente diabólica que deja escrito a navaja en los torsos de los que asesina una serie de frases. Entonces el soldado raso Arturo Andrade, que interpreta Juan Diego Botto es encargado por la superioridad de investigar y obtener resultados rápidos para tapar el asunto lo más rápido posible. No le pilla de imprevisto porque ya  había sido inspector de policía. Le ayuda el sargento Estrada, interpretado por Carmelo Gómez. Es curioso como se trastoca la cadena de mando y un soldado dirige a un sargento, una idea brillante del guión. 

    La cosa se complica cuando empiezan a encajar las piezas y unen esas frases, en las que se divide la propia película: Mira que te mira Dios, Mira que te está mirando, Mira que has de morir, mira que no sabes cuando. Alguien relacionado con algún tipo de rito masónico, algún quintacolumnista rojo que se ha infiltrado en el ejército azul de Franco, algún traidor o, quizás, alguien que persigue un objetivo. Con todas estas cartas y una espléndida y realista puesta en escena Herrero nos consigue transmitir esa sensación de agobio propia de un policíaco de nivel. La iluminación es muy certera y en todo momento, en los exteriores nevados, casi impraticables, la luz tenue del invierno, del durísimo invierno ruso y en los interiores sombríos, extraños, casi diabólicos aciertan a transmitir al cinéfilo esa sensación de desamparo y de tierra quemada, de pérdida de tiempo y hasta de hastío por la inutilidad de una misión suicida para la que muchos no estaban preparados. Esa luminosidad tan bien elegida para la fotografía de este film es otro gran acierto porque refleja unas sensaciones muy buscadas: miedo, angustia, drama, crimen, violencia.

    El guión también, como ya habíamos comentado, nos sumerge al fondo de un pozo de difícil salida, nos desconcierta la historia y no sabemos como en esa circunstancia tan deplorable, tan al filo de la navaja, los rusos prestos a llegar a ese lugar del frente, los bombardeos contínuos, esta historia puede salir a flote y a fe que lo consigue. No obstante la solución a la trama principal peca de ingenuidad lo cual no desmerece para nada el conjunto narrativo que hemos vivido. Otro gran acierto se encuentra en saber sacarnos de la cabeza el contexto general, es decir, no ver a estos dos individuos como dos fascistas que resuelven un crimen entre fascistas, sino que consigue abstraernos de ello y consigue representar valores positivos en los protagonistas, algo muy poco frecuente cuando se trata de poner el foco en el bando nazi. La guerra solo es el escenario y nada más.

  Los actores rozan un gran nivel, particularmente un actor que ha ido creciendo artísticamente en cada film que interpreta: un  Juan Diego Botto que consigue trasmutar una misión agria y fea en algo agradable, simpático para el espectador.  Carmelo Gómez también realiza una gran labor, fiel a su estilo duro y sobrio. El resto del reparto, en un segundo plano, brillan también en gereral es ese contexto duro y dramático, cruel en sí mismo. La música de Lucio Godoy reafirma ese contexto general de desesperación e inhumanidad tan propicio a una guerra de exterminio en el que los protagonistas saben que han sido enviados al matadero, aunque ese matadero sea un lugar de placer para los ideologizados fascistas españoles. Una película destacable de Gerardo Herrero, entretenida y que no decae salvo en algún momento muy puntual. Una historia fictícia que como ficción histórica funciona a pesar de algunos lastres que podremos observar a lo largo del metraje.

EL CUERPO (2012)

  Sorpresa agradable del último cine español. Magnífico thriller que va increscendo a lo largo de su metraje en una película de misterio, asesinatos y supuestas apariciones sobrenaturales con un final auténticamente impactante que justifica plenamente su visionado. De esos finales que te dejan aturdido y sin aliento, sorprendido, pensativo, encajando piezas que no pensabas que fuera necesario encajar porque todo lo dejabas del lado de  lo sobrenatural pero finalmente la mano del hombre está más presente de lo que parece.

   Para ser la ópera prima de su director, Oriol Paulo, guionista también de otras películas de suspense como "los ojos de Julia", lo cierto es que está cuidadosamente rodada, con una fotógrafía oscura y mortecina que aumenta ese buscado suspense, esa intriga que nos acogota durante todo el metraje. La historia trata de la desaparición de un cuerpo en una morgue. El misterio está servido. ¿Dónde está el cuerpo y porqué el guardia de seguridad salió despavorido, presa del terror, siendo atropellado en la carretera por otro vehículo y falleciendo al instante?. La policía revisa las cintas del vídeo dónde se ve al segurata salir huyendo como alma que lleva al diablo.¿Ha visto un fantasma, es que acaso ha visto a la muerta fuera de su fría nevera en la sala de fiambres?. El misterio está servido. La muerta es Mayka Villaverde (Belén Rueda), una rica empresaria casada con Álex Ulloa (Hugo Silva). Cuando la policía llama a Álex este queda, como es lógico, tremendamente alterado. ¿Su mujer ha vuelto de entre los muertos o es que acaso algún gracioso ha robado el cuerpo?. Las dudas se acrecentan por ese sentimiento de culpa que tiene el que ha asesinado a su mujer para estar con su amante. ¿venganza, miedo?. Un conjunto de sensaciones embargan a Álex, que es reclamado por la policía e interrogado por el inspector Jaime Peña ( José Coronado), que no duda de su culpabilidad: alguien tiene que haber escondido el cadáver y ser el responsable de la muerte del guardia de seguridad. En una habitación lúgubre del edificio siniestro en el que se encuentra la morgue comienza el interrogatorio. Lo que sucede después es altamente perturbador e inexplicable y conduce al espectador a ese estado de nerviosismo y suspense que, mostrando a cuentagota y en estupendos flashbacks el asesinato de Mayka y la relación de Álex con su amante Carla ( Aura Garrido) que parece haber descubierto su mujer, no deja lugar a dudas de que alguien pretende amargar la existencia a Álex, a lo mejor la propia Mayka.

     Es una auténtica sorpresa porque el film es muy entretenido y atrapa, a pesar de que hay momentos en los que piensas que todo el guión es una completa chorrada. Y sin embargo la historia va enganchando progresivamente. Pasas de la típica película de fantasmas que se aparecen y regresan de la muerte para vengarse por su asesinato a algo mucho más profundo e incisivo, lejos del mundo del averno. Por tanto el guión está muy bien trabajado, consiguiendo un final de los que sorprenden, de esos que encajan todas las piezas del puzzle de una manera totalmente inesperada y justifican una entrada de cine o una descarga a diestro y siniestro.

  En lo que respecta a las interpretaciones merecen destacarse los papeles de un Jose Coronado últimamente muy inspirado, como el detective incisivo y sin escrúpulos que presiona lo indecible a Álex porque no se cree la vesión sobrenatural a pesar de que todo apunta a ella. Es el personaje clave que nos dejará helados al final de la trama. Belén Rueda regresa a una magnífica interpretación, llena de fuerza, en unos flashbacks en los que es fiel esposa enamorada de su marido y que después es traicionada, pero ella guardará su sublime venganza. Hugo Silva está correcto en el papel quizás más difícil, el de asesino incofeso que ya duda de todo porque no sabe que ha pasado con el cuerpo de su exmujer y lucha por salir del atolladero y regresar a los brazos de su amante, la jovencita Carla, interpretación muy lograda de Aura Garrido.

   Una magnífica ópera prima de un director que habrá que seguir con lupa, un prometedor hitchcock patrio. Esperamos que nos siga deleitando con más y más suspense. Un perfecto y deleitoso producto de entretenimiento que nos hará pasar un mal rato.

  

15 AÑOS Y UN DÍA (2013)

 

  Una historia desgarradora, de sufrimiento familiar, en torno a los errores de un adolescente problemático. A pesar de que el muchacho es de buena familia, educada aunque desestructurada,  Jon será un chaval muy conflictivo del que ya vemos en la primera escena de la película cómo trata de destacar en su grupo de amigos desafiando a la muerte por una simple apuesta.  Sus barrabasadas serán de tal calibre que será expulsado del instituto. Su madre, viuda, ya no puede con él y decide enviarlo al mediterráneo con su abuelo, separado de su madre desde hace décadas. El abuelo es un militar retirado que tratará de enderezar lo que se ha torcido pero que se verá también desbordado por el empuje de rebeldía del muchacho que pronto hará nuevos amigos, se tatuará el emblema de su banda y acabará inmerso en una reyerta en la que un chaval hispano morirá.

  Esta es la historia base en la que la directora vasca Gracia Querejeta introduce su peculiar punto de vista, más centrado en ese sufrimiento familiar y en particular de las mujeres, ya sean madres, abuelas o partícipes en la trama. El personaje principal, Jon, es tan solo la excusa propiciatoria de todos los desmanes que provocan ese dolor, ese padecimiento femenino. La madre, será la que sufra, en parte a distancia, como madre que es del desacerebrado chaval, sufrirá también su abuela y también la amiga íntima del abuelo, policía para más inri. Y sufre también la chica de la banda, que se enamora del chaval. También hay hombres que sufren, en especial el sufrido abuelo que trata de ser un padre estricto, que imponga disciplina al chico pero que consigue el efecto contrario. Como siempre en sus películas Querejeta, que en esta ocasión dedica su trabajo a su padre, recientemente fallecido, bucea en la psicología de los personajes, realiza esa instrospección que nos desvela el interior de sus almas atormentadas. Y también utiliza los silencios, momentos tan dramáticos e intensos como en los diálogos propiamente dichos

  Y sin embargo el guión no acaba de arrancar a lo largo de todo el metraje, es un quiero  y no puedo contínuo en el que el dramatismo desatado no se dispara, se diluye en otros temas de menor enjundia. Es como si el guión abordase una serie de aspectos muy interesantes y no los desarrollara, perdiera la oportunidad  de tomar esos nuevos caminos y quedara finalmente sensiblemente desaprovechado. Hay temas a los que se acerca, como digo, pero no profundiza: la familia desestructurada, la violencia en la adolescencia, el drama del desempleo, la soledad de la vejez, las dificultades de una personalidad poco empática, etc.  Además hay un errático caminar del argumento que, de pronto se trasmuta en un thriller de medio pelo, una investigación policíaca que no aporta nada, descafeinada, que podría haber dado mucho de sí pero se diluye como un azucarillo dejando de lado el tronco principal del argumento que es la relación nieto-abuelo que podía haber sido mucho más trascendente e interesante.

 Todo ello lo suple una magnífica, como casi siempre Maribel Verdú en el papel de Margo, la madre sufridora con apariciones de gran dramatismo a principio y final de la película, en especial su monólogo final, y Tito Valverde que está mejor que bien en el papel del abuelo, Max. El resto del elenco solo correcto:  Belén López como la policía Aledo, amiga de Max y el protagonista juvenil del drama, Jon, interpretado por Arón Piper que es el más flojito de los protagonistas principales según mi punto de vista.  En realidad los protagonistas adolescentes dejan mucho que desear, desde el inmigrante vendedor ambulante a la peluquera y trabajadora de un locutorio. Piper no acaba de convencer, le faltan tablas y mayor convicción en lo que hace.

   En definitiva una película aceptable que por momentos descarrila, por un guión no muy bien enlazado y trabado que pone al filo del desastre un drama sobre esa etapa de la vida de una persona que es la difícil adolescencia y que solo salvan las magníficas apariciones estelares de la Verdú y de Valverde, recuperado en esta película para el cine.

    La factura técnica de la película no deja de ser correcta y sencilla. Querejeta escapa siempre del uso de planos rebuscados o artificios mágicos, haciendo fácil lo difícil y facilitando al espectador inmiscuirse en esa bomba de sensaciones, de desgracias y aspectos positivos, que de todo hay en su cócktel íntimo y personal aunque en esta ocasión desacertado. Es por ello que dentro de la ya nutrida e interesante filmografía de su autora esta  historia de adolescencia mal llevada no acabe ocupando un lugar preeminente, a pesar de su nominación para representar a España en los Óscar.

HABITACIÓN EN ROMA (2010)

  Vuelta de tuerca en el barroquismo del imaginario de Médem, pero en parte fallida vuelta en esta ocasión.  Ese mundo tan especial y, en ocasiones, caótico del director vasco queda aquí reducido y encorsetado en una habitación de hotel.  En esta ocasión para mayor gloria de las dos intérpretes de este diálogo lesbiano: Elena Anaya (Alba) y Natasha Yarovenko (Natasha). El argumento de la película permite a Médem rodar una buscada instrospección y alcanza a rozar un sentimiento humano puro de amor, sexual y sensual, erótico y emotivo. Logrará una atmósfera repleta de erotismo dentro de la pequeña estancia. Ambas irán reconociendo, poco a poco, que algo más que una simple amistad les une. A pesar de sus diferencias culturales, físicas y geográficas crecerá un sentimiento que acabará por derrotar las barreras mentales de ambas. Serán amigas, amantes y cómplices: relatarán sus vidas y compromisos, reconocerán sus amores previos, pretendidamente sólidos que acabarán derribados.

 

  Dos personas que se cruzan por azar en la vida, además, en la bella ciudad italiana y marchan por una estrecha calle romana, Via dei coronari, sin saber todavía lo que les depara la noche. Alba invita a su nueva amiga a subir a su habitación. Ella, carente de experiencias lésbicas, acaba aceptando. En la fachada del hotel de Alba tenemos tres astas de banderas. Dos están ocupadas pero una permanece vacía, como símbolo de lo que puede deparales su encuentro. Pronto comienzan a descubrir en la habitación del lujoso hotel que tienen algo más en común que el sexo. Son dos mujeres que Médem nos muestra insistentemente desnudas pero con una complicidad que va más allá de los simples convencionalismos en estos casos. Se produce una interconexión emocional entre ellas que dará paso a una romántica noche que no querrán que finalice nunca y que, después de despuntar el alba deberán abandonar para no volver a verse jamás, ¿o quizás no?. Especial atención muestra el director en la decoración de la habitación que es casi tan protagonista como el duo de actrices principales: los cuadros, esas pinturas renacentistas que Natasha conoce de memoria y el eterno cupido que desde el techo está siempre presente de manera alegórica.

  

 Aparentemente parece que la historia no es que tenga mucho más que ofrecer en muchos aspectos y, profundizando un poco parece toda una reflexión quasi filosófica sobre el amor. Los diálogos tratan de avanzar en este camino pero se hacen monótonos, repetitivos, salpicados de las escenas puramente eróticas. Alba lleva la voz cantante en la cama y en una amistad que va creciendo con el metraje. Natasha, que juega con su identidad confundiendo a Alba con su verdadero ser, no se atreve a reconocer que se ha enamorado y que ya nada será como antes en su vida. Ella está prometida y se va a casar en breve, tiene una hermana gemela que anda por Roma investigando el renacimiento, además es tenista profesional. Aunque no llegamos a saber si es ella la tenista y su hermana la doctorando en historia del arte o al revés. Las dos se divierten( juntas, en la ducha, cantan "volare")  y se aman pero en la cama quien demuestra mayor ímpetu y dominio de la situación es Alba que mantiene una relación con otra mujer en su país y que ha sufrido la pérdida traumática de un hijo. En realidad ambas tienen mucho que contarse: ambas han sufrido. Y entoces la película deja de ser puro sexo, dos tías en bolas, todo el rato desnudas y achuchándose ferozmente y empieza a ser la historia de ambas, sus miserias y logros en la vida. 

 

     Decía que la historia no era muy original. No en vano Médem se ha basado en otra película. Habitacíon en Roma es una secuela de "En la cama" de Matías Bize y además no podemos obviar las influencias de El último tango en París. Es esto lo que nos aleja del Médem puro y auténtico que parece ausente en este film. El desarrollo de la historia se llega a hacer tedioso, algo desconocido en el director español. Parece no avanzar, como si la noche no llegara a su fin. Diálogos breves interrumpidos por sexo lésbico a raudales. Interrupciones para ver el ordenador, google maps para visualizar sus respectivos hogares.  El amor y la muerte como símbolo ya que  ambas han conocido la tragedia está tan solo apuntado en el guión. Y, por el contrario, hay momentos supuestamente cómicos que podrían ser prescindibles, como el karaoke o el juego sexual con una botella.

  

  La interrupción nefasta del camarero que rompe esa ilusión de dos únicos intérpretes a lo largo del metraje, un camarero italiano predispuesto a todo que llega a proponer un trío. Verdaderamente absurdo lo de este personaje, prescindible por completo. Lo mejor llegará con el final, que emociona en unos momentos en los que, despuntando el alba, en esa Roma milenaria, con el cielo romano que verdaderamente parece el paraíso, las dos amantes llegan al máximo de compenetración unidas piel con piel en una bañera en la que dan vueltas sin parar. El desayuno bajo la tenue luz romana es lo que da cierto sentido a la película, esa compenetración de dos almas que saben que tenían que encontrarse en algún lugar del universo porque estaban hechas la una para la otra.

  En cuanto al duo protagonista hay que señalar que están ambas correctas, Elena Anaya mucho mejor, con más seguridad en lo que está haciendo, convincente en su papel de lesbiana. Yarovenko mucho más floja, a veces forzada. Al margen de ellas, una fugaz  aparación en un video de Nawja Nimri, que no se puede siquiera comentar y el desafortunado camarero italiano cierran el elenco protagonista.  Quizás lo más desconcertante es que, al estar rodada en inglés, el doblaje resta naturalidad a las interpretaciones.

La banda sonora es magnífica con temas excelentes de Russian Red ( la maravillosa Loveng strangers) y esos temas barrocos y cadenciosos, cual arias de ópera de Jocelyn Pook que se van repitiendo en los momentos más románticos y singnificativos quizás demasiado machaconamente.

   Técnicamente la película está muy bien realizada, como siempre sucede con Julio Médem aunque en mi opinión abusa de primeros planos y busca perspectivas inverosímiles en esa oscura habitación, planos cenitales que ayudan a forzar la tensión dramática. Utiliza magistralmente el travelling ascendiendo y descendiendo desde la calle hasta el interior. Sin embargo no creo que dentro de su filmografía acabe ocupando un lugar destacado este film. Quizás una oportunidad perdida, como ese final incierto, esa bandera en el asta de la esperanza, un final ciertamente increscendo, lo mejor de la película.

Siete mesas de billar francés (2007)

   Película de carambolas sentimentales con una bárbara, como casi siempre (es mi perdición) Maribel Verdú, !!ay, Maribel¡¡. ¿Cómo decir algo negativo de ti?. Soberbia como siempre, es el eje, el motor, la clave de bóveda de esta especie de comedia bufa de lo grotesco con salón de billar de por medio. Porque es un dramón, pero es una comedia del absurdo de gran parte de los protagonistas, sus  papeles y su disparatada conexión con un padre que nunca vemos ( solo en un cuadro que siempre hay que enderezar) que acaba de morir, dejando a una novia poco creíble, un personaje atávico, antipático a más no poder que borda la dignísima Blanca Portillo con su cara de cartón siempre propicia para estos papeles funestos de amargura. Ella es Charo, mujer-amante de Leo, el padre de Ángela-Maribel, que nada más llegar a Madrid a conocer de la enfermedad paterna se entera de su fallecimiento. Ella es una madre coraje, puesto que cargada con su hijo Guillermo, abandonada por su marido, un policía corrupto que tiene un hijo ilegítimo del que ella desconocía, tiene que superar todas las adversidades sola, en Madrid, en un barrio del extrarradio feo y sucio sin apenas ayudas.

  

   En la capital española deberá levantar un negocio que se está yendo a pique, una sala de billares, las siete mesas. Decide reunir al equipo que capitaneaba su padre, compuesto de unos personajes avejentados y maniáticos para que compitan en la liga de billar como antes. Necesitan un sustituto que será un jovenzuelo pintor de brocha gorda, mujeriego y bribón bien interpretado por Raúl Arévalo. Los otros cuatro son también conocidos actores secundarios de nuestra filmografía, quizás menos conocido Jesús Castejón, que hasta cantante de zarzuelas ha sido. Este es el que se pasa toda la película tirándole los tejos infructuosamente a Charo que siempre lo ignora en sus pretensiones. Los otros dos, un siempre estupendo Ramón Barea y un inquietante y simpático Enrique Villén, que encaja en su papel siempre marcado por su ojo extraviado.

   La película narra la vida dificultosa de gente corriente, que nunca saldrá de su agujero, que siempre tendrá que bregar con la época, el país y la sociedad que le ha tocado vivir. Gente corriente y sencilla, que luchará siempre por la dignidad de sus vidas y de sus familias, en una ciudad magníficamente retratada, triste, gris, sin alma  ni corazón que más parece una traba en el camino de sus vidas.

   Hay aspectos de este magnífico guión coescrito por la directora Gracia Querejeta que parecen no encajar. Desde luego el papel del marido huído de la policía por corrupto, el que tiene un hijo secreto,el que intenta recuperar a su mujer presentándose en Madrid, un papel sin mucho fuste interpretado por Jose Luis García Pérez, el simpre recordado homosexual de "Cachorro" no acaba de tener mucho sentido. Aparece y desaparece fugazmente como una bólido espacial. El papel del niño, que configura una parte de lo que más detesto en el cine que es el género de "película con niño". No es que esté mal, es que es un incordio contínuo con su actitud reiterativa. 

    Si es cierto que hay otros aspectos maravillosos, yo diría que "mágicos" en el guión, como el agujero en el techo que permite ver desde el piso de arriba, donde viven, la mesa de billar, como si de un catalejo se tratara o la apasionada historia de amor del pintor suburbial y la asistenta, ayudante inmigrante casada al que el marido deja en la estacada también. El papel de la madre de Charo, una estupenda y quejica Amparo Baró con su repetitivo ¿para qué vale un viejo? es también muy destacable. La estupenda y divertida escena de la cena en el chino, por invitación tardía del difunto, graciosísima. Estas pequeñas cosas, reunidas por Querejeta, consiguen aliñar una ensalada revuelta que deja un buen sabor de boca al final de la comida. Aunque hay aspectos mejorables la directora vasca consigue redondear un sólido trabajo. Logra el difícil propósito de extraer lo mejor del elenco que participa en la película.

  Pero, desde luego, si algo hay que destacar en la película es la interpetración del duo protagonista. Sencillamente sublime Maribel Verdú, como ya señalé al principio, con sus arranques pasionales, sus pausas, sus silencios, sus corajes: una interpretación completísima. Y una Blanca Portillo también en estado de gracia, terrible, feroz, implacable, deliciosa en definitiva. Todo ello aderezado con una bonita banda sonora, delicada y emotiva del francés Pascal Gaigne que sirve de perfecto y digno fluído por el que discurre el metraje. Una película interesante, divertida y un poco alocada, por momentos hasta difícil de digerir pero, sin duda, recomendable.