PORTERO DE NOCHE (1974)

   Este portero de noche es un drama con connotaciones sexuales y eróticas, centradas en el sadomasoquismo vinculado al terror nazi.   La acción erótico-dramática sucede en un hotel de Viena, en 1957. Un ex-oficial nazi, torturador sadomasoquista que se hacía pasar por médico para violar y después asesinar a mujeres judías, ha cambiado de identidad para huir de la justicia emanada de Nüremberg y, con ayuda de un grupo organizado de antiguos seguidores del partido de Hitler, ha conseguido un empleo en un hotel vienés, el hotel Oper. Pero todo cambia cuando al hotel llega un matrimonio formado por un prestigioso director de orquesta y su esposa judía. Maximilian ( Dirk Bogarde) reconoce a Lucía (Charlotte Rampling) y ella a él. Ambos quedan impactados, sobre todo ella que es la que sufría las violaciones y vejaciones en el campo de concentración. Pero hay que tener en cuenta que ella sobrevivió porque él quiso, porque enamorado de ella, la protegió, de los demás y de él mismo. 

  La organización tiene como objetivo eliminar pruebas y testigos que pudieran haber escapado de los campos del horror para evitar así inconvenientes muy molestos. Maximilian, no obstante, no dice nada porque quiere rememorar aquella posesión sexual de la que disfrutó en el campo de concentración.  La crueldad del verdugo reconvertida en una bella y despiadada pasión. Vemos a través de flashbacks cómo este torturador grababa a sus víctimas, famélicas mujeres judías que posteriormente serían gaseadas para no dejar huella de sus horrores. Sin embargo este caso es diferente. Lucía, después de ser humillada y vejada por Max, acaba sintiendo una fuerte atracción sexual por él. Quizás pueda tratarse de una especie de síndrome de estocolmo, un caso digno de la psiquiatría.

  La cuestión es que, en principio, su encuentro supone un duro golpe para Lucy, queda en estado de shock porque regresan a su memoria todos aquellos horrores, todo aquel sadismo que ya creía haber olvidado en algún cajón remoto de su psique. Quiere abandonar el hotel pero su marido se opone, el concierto es esa misma noche. Ella se verá perseguida por Max. Finalmente el director de orquesta marchará dejándola en el hotel a merced del depredador nazi que la volverá a hacer suya. Pero, sorprendentemente, ella se deja poseer, es sumisa e incluso acepta marcharse a vivir a su apartamento. Las autoridades denunciarán su desaparición y pronto la organización que proteje a los ex-criminales se dará cuenta de que Max, al que están ayudando, tiene a una testigo clave en su poder. 

  En el apartamento revivirán sus macabras escenas sexuales, gracias a los saltos temporales. Ella se entrega definitivamente a su captor, ambos se aman profundamente pero acabarán cercados, obligados a salir de su guaridad por agotamiento, serán literalmente asediados viéndose obligados a subsistir en condiciones infrahumanas, muriéndose de  hambre. Se produce aquí la paradoja de que Max, el torturador vive junto a Lucy algo que ella ya conocía bien: la inanición, la desesperación que los mata de hambre. Casi famélicos deberán dar su brazo a torcer.

   En su momento se consideró una película de culto y hasta supuso un escándalo enorme, hoy en día ha envejecido bastante mal y resulta banstante descabellada. La historia al margen de ser poco creíble está mal contada, no se entiende muy bien la historia de esa organización que, en ocasiones, lejos de dar miedo, da risa. Ese personaje con el monóculo incrustado en el ojo, el bailarín de ballet clásico que solo actúa para Max, etc.

  La directora Liliana Cavani es valiente al tratar el tema de la relación entre víctimas y verdugos y de como la crueldad se puede tornar en una bella y desenfrenada pasión. Y estilísticamente la película está muy bien rodada, con una fotografía cuidada, representando muy bien ese invierno vienés, esa luz tamizada por las nubes, barrunto del drama que se apresta a suceder. Pero poco más, porque la relación sadomasoquista, la atracción-odio de la protagonista no resultan muy convincentes, más bien suena a descabellado.  Y si bien es cierto que la obra consigue atraer nuestro interés en un principio, poco a poco se diluye como un azucarillo y se muestra pesada, absurda y sin sentido.

   Quizás lo mejor sea la interpretación de Charlotte Rampling, bella y majestuosa a pesar de su extremada delgadez y de un siempre correcto y serio Dirk Bogarde, sobrio a la par que elegante y desaforado cuando la pasión sexual así lo requiere. Su mirada refleja muy bien el terror de una psicopatía latente y una pasión desenfrenada.  La música de Danielle Paris también merece elogios, pues sostiene el drama que se está desarrollando, es dulce y tenebrosa a la vez y armoniosa y decida en determinados momentos, generando la tensión propicia para cada escena.

Tenemos pues una película que ha envejecido mal, con demasiados clichés, de la que se podía esperar bastante más ya que es incómoda, dura, pero al mismo tiempo mantiene en alto su hipnótica capacidad para contar una historia de amor de gran intensidad con un final profundamente romántico.

 

-FICHA TÉCNICA:

• Título original: Il portiere di notte
• Año:1973
• Duración:115 min.
• País: Italia
• Director:Liliana Cavani
• Guión:Liliana Cavani & Italo Moscati
• Música:Danièle Paris
• Fotografía:Alfio Contini
• Reparto:Charlotte Rampling, Dirk Bogarde, Philippe Leroy, Gabriele Ferzetti, Piero Vidal, Nora Ricci, Isa Miranda, Giuseppe Addobbati
• Productora:Ital-Noleggio Cinematografico / Lotar Film Productions

DRIVE (2011)

 

   Fantástica película que destila puro noir. Violencia y romance exacerbados, crueles en ocasiones. Muchos recuerdos del buen thriller trepidante y trepidado, de los que no dan tregua al espectador, del cine que aborda el tema de la mafia y sus ramificaciones y que no está exento de una conveniente historia de amor. Es puro cine policíaco de los 80, Tarantino, al menos el de Reservoir Dogs y Pulp Fiction aunque en este caso el tono general es mucho más negro y sangriento, quizás excesivo y carece de esas dosis de humor que el director norteamericano introduce en sus películas. O quizás recuerde al Scorsese de Taxi Driver, aunque el protagonista en nigún momento pierde la cabeza.   La historia que nos cuenta esta película tiene un protagonista principal que da título a la cinta. Es Driver, un joven mecánico que complementa su sueldo trabajando como conductor en arriesgadas escenas de cine, como especialista. Driver también es un conductor excepcional que llama la atención de promotores que piensan que puede tener llegar lejos como piloto de autos de gran cilindrada. Lo que nadie sabe de él es que, algunas noches, complementa su triste salario en el taller trayendo y llevando a delincuentes. De hecho la película tiene una magnífica presentación o introducción que ocupa las primeras secuencias del film en las que se ve a Driver esperando a los delincuentes para despúes transportarlos a un lugar seguro, persecución policial incluída, a todo gas por las nocturnas calles de Los Ángeles. Así transcurre su vida, entre el taller, las arriesgadas escenas del cine y las cundas de delincuencia que le reportan unos míseros ingresos para subsistir en su pequeño apartamento. 

    Sin embargo algo inprevisible se cruza en su monótona vida: el amor. ¿Qué sería del Noir sin una buena y tormentosa historia de amor?. Nuestro joven protagonista conoce por azar a Irene, que se ha trasladado a vivir con su hijo Benicio al apartamento contiguo al de Driver. Pronto surge una buscada complicidad que lleva irremediablemente a una bella relación. Y a pesar de que ella tiene un hijo, los tres se complementan a la perfección. El problema (siempre en el cine negro ha de surgir algo así que altere la normalidad) es que ella está casada con un delincuente. Y como no podía ser de otra manera el marido sale de la cárcel, debiendo ambos enamorados apartar su historia de amor momentáneamente. Hasta aquí tenemos unos elementos diríamos habituales en una película normal: chico conoce chica, ambos se enamora, ella tiene un hijo, su marido regresa de la cárcel.

    El problema ( y lo que realmente da sentido a toda la película) es la trama que surge con la aparición de la mafia, la pequeña mafia que patrocina a Drive como piloto y la gran mafia de Philadelphia que busca un millón de dólares perdido en una casa de empeños. El marido de Irene, Standard, tiene una deuda que ha contraído en prisión con un grupo mafioso y debe pagarla. Driver, a pesar de que es su competidor por el amor de Irene, decide ayudarlo. En esta acción se ve el lado humano y altruísta de nuestro protagonista. Aunque le duela prefiere ver a Irene y a Benicio felices al lado del hombre que es su marido. Pero todo dará un giro de 180 grados en ese maldito atraco. Drive espera 5 minutos ( nunca espera más, si el delincuente no se las arregla con ese tiempo se queda en tierra). Antes de terminado el tiempo aparece un enorme coche con lunas tintadas que se coloca paralelamente al suyo. Algo pasa aquí, ¿quiénes son estos tipos?. El drama se huele. Drive consigue que el dinero acabe en su maletero pero  Standard, el marido de Irene, es tiroteado y muere. Algo ha salido mal, algo huele a cuerno quemado. Lo que sucede a continuación es que la película se vuelve endiabladamente tenaz, todos los acontecimientos ocultos y sangrientos se precipitan. El millón de dólares ( que Drive ni se imagina) ponen en marcha un proceso en el que todos van a salir bastante perjudicados y en el que el joven conductor mostrará una incalculable sangre fría para poner a salvo lo que más quiere: a Irene y su hijo, aun a riesgo de perder su vida.

  La película hechiza por muchas razones: el guión de Hossein Amini es muy negro, tanto que recuerda a esas películas de cine criminal de toda la vida.  Destaca por encima de todo un clasicismo que se ve fragmentado, roto y salta por los aires cuando la terrible y brutal violencia hace acto de presencia. Si bien aparece como pleno de sentimentalismo la bestialidad del mundo en el que se desarrolla deja poco espacio para el romance. En realidad deja muy poco espacio para casi nada que no sea la violencia, el crimen. Ningún espacio para la absolución.

   La estética de la cinta, es tan ochentera que recuerda a otras películas del género como ya decíamos. La actuación de los protagonistas, en especial un Ryan Gosling en estado de gracia, como el frío y calculador Drive, el mártir engominado  y chuleta, bella fiera que no se deja amilanar por nada ni nadie, aunque una mafia criminal de la peor especie amence lo que más quiere. Sus acciones al volante recuerdan a Bullit, son excepcionalmente emocionantes. Carey Mulligan es Irene, la madre de Benicio. Es la típica mujer frágil que ha acabado con un criminal de poco fuste y se ve atrapada por su amor por Drive. En ese sentido interpreta magníficamente su papel de mujer débil pero enamoradiza, asustada y dura, inflexible ante el mal que contempla a su alrededor. Ron Pearlman es Nino. El veterano actor continúa en su estilo personal, que le acerca mucho a estos papeles de mafioso sin escrúpulos que tan bien aborda. El resto de los actores dan la talla, incluso Christina Hendriks en un papel ínfimo ( sí, la tetona de Mad Men).

  El director Nicholas W. Refn demuestra que sus anteriores trabajos no eran flor de un día. Incorpora a la película una serie de detalles visuales muy logrados, una fotografía sombría que se troca por momentos en luminosa, una luminosidad pavorosa, apabullante que destaca claramente los momentos de lucidez y los de descenso a los infiernos. Así, el realizador lleva a cabo un derroche de estilo, con todos los elementos propios del género cinematográfico: las carreras trepidantes de coches, las amistades peligrosas y el romance, el cine de gangsters y de vengadores. Consigue crear una situación de tensión que se incrementa con el paso del metraje, cuando nos apercibimos de la crueldad hacia la que se dirige Drive, devorado por el monstruo de la venganza. De esta manera Refn consigue crear una serie de escenas inolvidables que quedarán indelebles en nuestro imaginario.

   Quizás haya violencia gratuíta pero seguramente no haya mejor ocasión para mostrarla. Escenas como cuando vemos el cine dentro del cine, con esa máscara impersonal que tanto protagonismo tendrá al final o el momento del ascensor, con esa penumbra remarcada por unos personajes que sabemos malvados, ejemplifican la idea clave de esta obra de arte. Esto es cine, amigos.

CRIMEN PERFECTO (1954)

    Genial cine de crímenes y suspese de Hitchckok, una de las mejores películas de su filmografía. En un espacio reducido a un salón comedor de un bello hogar londinense de aspecto victoriano se desarrolla esta enrevesada trama en la que un marido agraviado por los cuernos de la mujer con un amigo escritor y sabedor de su jugosa herencia planea una sofisticada forma de quitarsela de enmedio sin despertar ninguna sospecha. El crimen perfecto. Todo está calculado al milímetro. Tan solo necesita la colaboración de un delincuente común al que convenientemente chantajea para que realice el trabajo por él. El asesino material deberá ejecutar su macabra misión tras una conveniente llamada por teléfono del marido que permitirá que su esposa salga de la cama y coja el teléfono. Entonces el vil criminal estrangulará a la bella pero infiel esposa. Y aquí paz y después gloria piensa Tony Wendice (Ray Milland), el marido. Pero resulta que la bella damisela se revuelve, se estira y agarra unas potentes tijeras que fulminan al criminal. Entonces comienzan a surgir las complicaciones y el crimen perfecto se empieza a desmoronar. No obstante Tony muy habilmente trata de reconducir el caso. Y consigue que su mujer sea declarada culpable de homicidio aunque todo dará un giro inesperado que amenazará con dar al traste todo su diabólico plan.

   Es puro cine de suspense Hitchckokiano. Es un chute en vena que siempre resulta deslumbrante, inteligente, atrevido, impetuoso. No me canso de verlo. En realidad hay que decir que es la traslación de una obra de teatro al séptimo arte. Todo el thriller se circunscribe a las cuatro paredes de la casa. Ello consigue generar mayor sentimiento de claustrofobia, algo que el maestro siempre buscaba. Quizás no alcanza a La soga, otra de su obras fundementales que, como esta, encontrará en el escenario del crimen la solución al mismo. Destaca sobre todo el papel de Ray Milland, ese Tony Wendice endiabladamente inteligente que sabe improvisar sobre la marcha cuando los acontecimientos se tuercen con una soltura deslumbrante. Es casi un genio del asesinato, hasta sabe mal que no consiga su objetivo por su maldad congénita, casi diabólica. Porque finalmente la inteligencia y perspicacia de un anciano detective encontrará, en el momento límite, cuando todo parece indicar que Tony conseguirá que su plan sea perfecto, la clave de bóveda, la llave que resuelve todo el entuerto. Es curioso como Hitchock utiliza precisamente ese elemento para resolver el enigma.

   El guión es brillante porque la trama está perfectamente elaborada, meticulosamente engrasada,  cuidando cada detalle para que todo encaje a la perfección. En cada secuencia introduce la tensión necesaria con vuelcos argumentales contínuos que nos sorprenden cada vez más ofreciéndonos las dosis necesarias para no parpadear apenas, para dejarnos exhaustos con un final muy imaginativo, imprevisible y brillante. Hitchock se ríe de nosotros, juega con nuestras emociones gracias al genial dominio de los tiempos, de los momentos narrativos.

   Los actores están francamente brillantes, sobre todo un magnífico Ray Milland, soberbio, arrebatador. Los gestos, las facciones parecen perfectamente esculpidas para reflejar las emociones, el odio hacia el escritor que le ha robado a su mujer, la hipocresía, el aguante ante situaciones casi desesperadas. Es de esas interpretaciones en las que el villano consigue transmutarse en héroe sublime, perfecto, resultandonos tremendamente simpático aunque sepamos de la vileza de su crimen. Grace Kelly interpreta a Margot, una bella y dulce  mujer atrapada por su deseo hacia otro hombre.  Como siempre está correcta, no sobresaliente pero es la Kelly, siempre arrebatadoramente bella y elegante.  Robert Cummings es el escritor y amante Mark Halliday resolviendo con brillantez su papel de comparsa en la trama principal, un papel ambiguo que parece rozar con su mente la solución del asunto. Y magnífico el papel de John Williams como el inspector Hubbard, ese venerable anciano, tranquilo y sagaz que conseguirá con su flema británica cautivar al espectador, un papel escueto pero magníficamente interpretado. 

  En cuanto a la realización destacaremos aspectos habituales en el cine del autor británico: un cuidadoso uso del travelling, unas secuencias donde la cámara está quieta, inmovil, cual documentalista que se limita a filmar lo que esos animales de la interpretación se aprestan a llevar a cabo. Y ese voyer que mira desde un punto subjetivo, particular, ofreciéndonos su propia visión de los hechos desde diversos puntos de la habitación con planos a veces imposibles que propician una enorme expresividad y tensión emocional. ¿Dónde esta Hitchcock?, deberán adivinarlo, pero estar está, como en todas sus películas, en un cameo casi inapreciable.  Como curiosidad destacar que fue rodada con la cámara de visión natural de Gunzberg que permitía su proyección en tres dimensiones.

  Otra obra maestra del maestro, quizás no entre el grupo colosal que forman cintas como Psicosis o Vértigo pero fundamental en su filmografría. Una nueva reflexión sobre el crimen perfecto, sobre su materalización e imposibilidad porque el crimen perfecto no existe, solo sucede que, en ocasiones,no aparece la persona precisa para dar con el enigma.

EL CLUB DE LA LUCHA (1999)

    El club de la lucha es una película que marcó el final de siglo suponiendo un punto y seguido en ese cine hipnótico y psicológico tan fin de época constituyendo una de las mejores películas de David Fincher. No en vano es una auténtica joya del cine de culto porque su guión es de una gran densidad y potencia. Se puede hablar de un exceso de violencia, que si violencia gratuíta, etc. pero yo solo veo la historia, el guión,  y me atrapa, no me importa tanta violencia sino que existan los ingredientes necesarios para contar lo que se quiere contar. A pesar de las malas críticas que obtuvo en su estreno para mi no cabe duda que es una obra revisable y con muchos mensajes que en un primer momento pasan desapercibidos. Además, el humor negro que destila me pirra.

   He descrito la película de hipnótica y casi onírica porque todo lo que vemos, en un entorno de una gran ciudad, o gran parte de ello, tiene mucho de paradoja, de sueño de un demente, en un entorno ciertamente hostil, oscuro, casi diabólico que deja bastante desconcertado la primera vez que la ves. En mi caso no pude terminarla en su día por un exceso de somnolencia bien es cierto que era a altas horas de la madrugada y mi sueño en aquella época atravesaba ya severas dificultades. Era una espinita clavada en mi subconsciente, siempre deseando volver a verla. Para esta ocasión me pertreché con una buena dosis de cafeína para no perder ni un ápice de las locuras de un fantástico, como siempre, Edward Norton ( como me gusta este actor) junto a un no desdeñable Brad Pitt ( para mi, una de sus mejores interpretaciones).

   Pues bien, hay que decir que podemos ver la película como una crítica social o, al menos, como una lucha contra ella,  contra sus convencionalismos, contra el aburrimiento y apatía de un trabajo de oficinista regularmente remunerado u otra ocupación cualquiera. Y también una lucha contra el interior de las personas, contra nuestro sistema límbico, ese que está en la frente y mantenemos desde que éramos animales. Pero una lucha fallida pues este se impone en una orgía delirante de violencia, sangre y autodestrucción.  Se podría hablar de una película antisistema, que pretende derribar los muros de nuestro modelo, que derrumba grandes rascacielos de oficinas y derrumba el interior de nuestra propia alma.

   Todo es un cúmulo  de brutalidad y autodestrucción con diálogos impactantes entre Norton y su alter ego, Pitt, una especie de Jeckyl y Hyde postmodernos con situaciones indescriptibles e insólitas. La música de Dust Brothers  acompaña a ese tremendo desquicie de manera muy efectiva. Y que coño, me sentí muy reflejado en Norton, esas noches interminables sin dormir, ese médico que se niega a recertarte nada porque puedes hacer ejercicio y una vida sana y demás sandeces. Este pobre hombre se va a ir volviendo loco aunque asistiendo a terapias de grupo, cuando se desahoga de sus incomprensiones, sobre todo en las tetazas gigantescas de un castrado y hormonado grandullón, consigue dormir. Pero algo ha estado ya larvando en su cabecita que le llevará al paroxismo. La figura de Tyler Durden es icónica y paradigmática y, como alter ego de Norton, consigue arrastrarlo a esa espiral de autodestrucción , a ese antihéroe que tanto nos fascina.  

   

Como crítica negativa es cierto que la historia puede cojear por muchos lados, las costuras se rompen pero, ¿en cuál no?. Si hasta Hitchkock tiene fallos de guión. Pues bien, es cierto que no se entiende muy bien como consigue convencer a tan enorme número de adeptos al club de la lucha, como lo hace en un local tan escondidas sin que nadie se entere ( hasta el final) y otros "peros" que se le pueden hacer como que su jefe no se de cuenta antes, a la vista de las magulladuras con las que siempre acude al trabajo, del camino a la perdición que ha emprendido. Pues todo eso a mi me da igual,  habrá quién diga que la película es de crítica social hacia el consumismo y el sucio mundo capitalista, sobre los problemas de nuestra sociedad, etc. Otros dirán que "nanái del peluquín", que ellos no compran este subproducto, pseudoprogre o psudointelectual. Yo también pensé como ellos por momentos, pero me quedo con la película en conjunto, con sus diálogos, su velocidad endiablada, con esa casa mugrienta y abandonada donde malviven de lujo los dos protagonistas y con esa primera parte de humor negro acudiendo a todo tipo de terapias, incluída la de los castrados por cáncer de testículos, una enfermedad muy difundida hoy día.

     El proyecto Mayhem es el responsable de sembrar el terror por toda la ciudad, disponiendo en los pilares de un gran número de rascacielos de las cargas de explosivo necesarias para convertirla en un infierno. Este terrorismo es el que prefigura ese pequeño club generado en torno a un grupo de insomnes descontentos con sus vidas y dispuestos a autolesionarse para sentirse mejor, en un gigantesco acto de sadomasoquismo. Cada espectador, por tanto, debe dejar de lado sus valores o escoger los que más le interesen para llegar a su propia conclusión. Para mi es un terror delicioso, como ya he señalado. Un gran trabajo del duo Northon- Pitt, no tanto de Boham-Carter, pero sí de Fincher, que realiza otra obra sublime del nihilismo, como ya hiciera con Seven.

  

INCENDIES ( 2011)

   

Incendies es una complicada película que podríamos calificar de road-movie de lo siniestro, dentro de una guerra de religión y genocidio en oriente próximo que nos conduce a un complejo entramado de relaciones maternofiliales con unas consecuencias imprevisibles en un desarrollo intrincado  y delirante que nos mantiene a la espera durante todo el metraje. Es un thriller debastador repleto de misterio. Todo el desarrollo de la película borda la fatalidad y está lleno de dificultades a veces insuperables ofreciéndonos la visión más cruel de la humanidad en una sucesión de acontecimientos que en ocasiones es difícil de seguir. Logra mantener al espectador en vilo a lo largo de todo el metraje y   tiene un desenlace insospechado que nos deja muy tocados.

  

    La escena inicial es fabulosa: con una cadenciosa y lenta música vemos a un conjunto de niños que están siendo rapados para ser instruidos como niños soldado.  Intuimos con ella que lo que vamos a ver es una auténtica aberración, un drama brutal y no nos vamos a equivocar, pronto lo vamos a confirmar. Un pie tatuado con tres puntos negros va a ser la primera clave y el eje central de toda la enrevesada trama y su dueño, con su mirada repleta de odio, será el enigma a desentrañar.

  

Salto temporal sutil hasta la actualidad, hasta el  presente, donde un notario busca el expediente de Nawal Marwan (Lubna Azabal) ,  ex-empleada suya y que acaba de morir. En sus últimos meses de vida dejó de hablar y ahora sus dos hijos gemelos se disponen a abrir su testamento. Ellos se van a ver enormemente sorprendidos por lo que el notario les desvela y una frase enigmática que deja prevista en un anexo: " deseo ser enterrada sin féretro, desnuda y sin oraciones. La cara contra el suelo de espaladas al mundo....sin epitafio...no hay epitafio para quien no cumple sus promesas...": su madre les pide un favor a través de dos sobres lacrados. Estamos en Canadá pero la familia es de origen libanés. Pide a sus hijos que viajen al Líbano para encontrarse con su pasado.

A  Jeanne ( Melissa Désormeaux-Poulin) le propone encontrar a su padre desconocido para hacerle entrega de un sobre y a su hermano Simon (Maxim Gaudette)  le encomienda encontrar a un hermano del que nunca les había hablado y al que debe entregar otro sobre. Una vez hayan cumplido con su ardua misión ella, su madre, habrá cumplido su promesa. Sólo entonces podrá descansar eternamente con "un epitafio grabado bajo el sol".  Antes de decidir si van a llevar a cabo la misión Jeanne recibe del notario un colgante con una cruz y el pasaporte de su madre. Son las primeras pistas donde agarrarse para empezar la búsqueda además de una vieja foto en una cartera del mueble de su habitación. Y la intriga se va a poner en marcha.

    Estamos en el primer capítulo, "los gemelos". La historia se divide en diversos capítulos conectados sentimentalmente aunque no estrictamente en orden cronológico. Sin embargo no perdemos el hilo argumental por ese ir y venir temporal sino que en todo momento sigue la narración una línea clara.  Los hermanos discuten: él no quiere moverse, cree que su madre estaba loca pero su hermana, que estudia matemáticas, decide lanzarse a la aventura y viajar al Líbano buscando las raíces maternas que habían permanecido ocultas para ellos."Sin paz espiritual no hay matemáticas" le asegura su profesor que además le facilita un contacto en Líbano para poder empezar por algún sitio.  Antes de abandonar Canadá ella piensa en el momento cuando su madre dejó de hablar, en una piscina ahora congelada y otrora repleta, en pleno verano. La mirada perdida de su madre nos situa en el hospital donde, no sabemos muy bien porque, morirá de inanición ante la incomprensión de su familia y médicos. 

   Entonces, sin solución de continuidad nos encontramos con el siguiente capítulo: "Nawal". De momento tenemos una visión de la vida de la madre que en su juventud en líbano, en plena guerra entre musulmanes y judíos, con la intervención de guerrillas cristianas financiadas por Israel. Ella es cristiana pero comete el terrible error de enamorarse de un chico de otra religión, un refugiado. Aparece ya, desde esta primera parte de la película, el conflicto religioso en oriente medio. Nawal está enamorada  pero pronto sus hermanos y familia ven como una deshonra su amor. En un enfrentamiento muy fuerte aparecen las armas y un hermano asesina a su novio y a punto está de acabar con su propia hermana por la grave deshonra que ha cometido: está embarazada. Pronto su madre decidirá que ese niño no es digno de ser criado allí, en esa lúgubre y prejuiciosa aldea cristiana. Tras el parto hará desaparecer a su nieto entregándolo en un orfanato del que Nawal no tendrá noticias hasta mucho más tarde. Después, en otros capítulos alternos, vemos como Nawal se adentra en las oscuridades del activismo político en plena guerra del Líbano llegando incluso al atentado personal contra un líder cristiano al servicio de las milicias islámicas. Todo tras la falsa promesa de ayudarle a encontrar a su hijo.

     Pero la jugada le saldrá muy mal y será encarcelada durante 15 años en una prisión semi-clandestina en donde será torturada, vejada y violada por un sanguinario individuo. Allí se forjará la leyenda de la Mujer que canta.  La historia tiene partes verídicas, basadas en la vida de Souha Béchara, activista del Frente Nacional de Resistencia libanesa en la época en la que Israel invadió Líbano, en 1982.   A partir de su vida apareció una aclamada obra teatral de Wajdi Mouawad, co-guionista con Villeneuve, en la que se basa la historia

     En este mundo de odios transcurre la película que ofrece una poderosa fotografía y un gran trabajo de dirección, con una utilizacion magistral de la cámara en diversas escenas de gran complejidad. Aunque es cierto que peca en ocasiones de un ritmo monótono y ello nos puede alejar temporalemente de lo que estamos viendo con una sensación de confusión y de cierta incredulidad.  

 Las interpretaciones del duo de mujeres protagonistas, madre-hija, son excepcionales, particularmente el papel de Ludna Azabal como Nawal que nos transmite toda la desesperación y el drama de una madre desposeída de su hijo y después maltratada y que, finalmente, logra huir del horror para instalarse en Canadá en donde rehace su vida acompañada de sus dos gemelos, fruto de las violaciones en prisión. Su capacidad de sentir y de pensar diferente a lo establecido en la sociedad en la que vive y cómo canaliza todo lo que le acontece añadido a su tremeda evolución fruto de la injusticia más feroz es lo que la eleva por encima del resto del film. Tampoco es de desdeñar la interpretación de la debutante Melissa Désormeaux-Poulin que realiza un gran papel en su desesperada y solitaria búsqueda de la verdad, por muy cruda que esta sea.  En el reparto brilla por tanto lo femenino. Ambas mujeres ( madre e hija)  se reparten equitativamente una importancia paralela, casi simbiótica. Ambas descienden a los infiernos en épocas diferentes pero que vemos que no están tan alejadas, que las cosas no han cambiado tanto como podíamos pensar.  Jeanne se verá envuelta en una cantidad de acontecimientos que  harán de la búsqueda del reto materno un descenso a su propio infierno.

 

    El final de la película depara una gran sorpresa y nos hace preguntarnos cuántas Nawal hay en nuestro mundo, cuántas mujeres que logran escapar del terrible drama del mundo retrógrado y convulso en el que viven. Ella es la gran heroína de esta película que deja una huella indeleble en el espectador. Una gran película en todos los sentidos. Imprescindible

LA PIANISTA (2001)

  Uno de los títulos más controvertidos de Michael Hanecke. La pianista es un viaje hacia el submundo de la enfermedad mental y las obsesiones sexuales, del inconsciente erótico de las personas. La protagonista Isabelle Huppert ( Erika) lleva a cabo una extraordinaria interpretación, llena de matices, de luces y de oscuridades bien trabajadas desde el guión. Ella es una profesora de piano en el conservatorio,  una mujer de mediana edad, sin pareja, muy volcada con su profesión y muy estricta para con sus alumnos.

     Pero en el fondo esconde visitas a cines porno y sex-shops, es una persona que busca encontrar un camino en el sexo, pero en su vertiente más macabra, precisamente para poder evadirse del control e influencia se su madre anciana, con la que vive y que la domina. Vive, por tanto, una doble personalidad. Es una mujer con una belleza a punto de apagarse y una gran profesional del piano, muy admirada por el mundo académico ofreciendo una imagen de gran seriedadad y respetabilidad. En una audición a la que asiste como invitada queda admirada de la maestría del que será uno de sus alumnos, ( Benoit Magimel), mucho más joven que ella, pero que tratará de seducirla, de acercarse y atrevese a entrever a través de  esa estricta máscara de seriedad en la que envuelve sus verdaderas pasiones.

   Observamos las dificultades emocionales de la pareja protagonista, sobre todo Erika. Es un quiero y no puedo contínuo, donde ella parece que no se atreve a dar el paso definitivo mientras fantasea con juegos eróticos demasiado " arriesgados", casi enfermizos. Mientras, el joven amante está buena parte de la película desconcertado, no sabe muy bien cual es el secreto de la pianista. Sin embargo nos vamos adentrando en esa personalidad disfuncional en lo sexual, la relación se vuelve salvaje y violenta.

   

 Es interesante esa relación que observamos entre el mundo del piano, cruel y descarnado con aquel que carece de talento, donde la propia protagonista se muestra extremadamente dura para con muchos de sus alumnos, a los que casi humilla, examinándolos con extremada dureza y su vida personal que esconde ese deseo de dominio y masoquismo. Sin embargo no ofrece situaciones excesivamente morbosas. No esperen ver nada más allá de lo que pueda dejar aparecer su  imaginación. No obstante, el director no deja de ofrecernos unas situaciones que no dejarán indiferente al espectador, al que no se le hace pesado el metraje.

  Los personajes están muy bien trabajados, tanto protagonistas como secundarios. El guión está bien construido, sabe mostrar deseos ocultos que todos podemos albergar pero que jamás nos los hemos planteado. Hay escenas que  quedan en la retina: la bañera, el cine porno, el abrigo) y que nos revelan todo ese interior tormentoso de Erika, la pianista.   Sin embargo, el final deja algo perplejo, como poco convincente, esperaríamos algo más, que no acabase de esa manera, pero eso no desmerece esta película ya considerada de culto.

      Dentro de la segunda etapa de Haneke, la pianista es una de sus mejores obras. Utiliza ese estilo frío y sobrio habitual .  Igual que en otras películas trata de la perversidad de las relaciones humanas. E igual que en toda su filmografía, traza muy bien ese lado anónimo que todos tenemos, que todos podemos albergar en el fondo de nuestro inconsciente: nuestros instintos más salvajes.

   

Exótica

    Atom Egoyan es de esos directores que siempre dejan su huella en las empresas que llevan a cabo. Exótica fue la película que lo"puso en circulación" en los círculos cinéfilos, que lo dió a conocer.  Ha llevado a cabo otras películas de gran éxito como "Ararat" o "El dulce porvenir". 

    Exótica es un gran puzzle que debemos construir conforme avanza la trama. Todo comienza ( al menos la trama principal) en un club de streptease de algún barrio bajo de Toronto en el cual una chica llamada Cristina baila para los clientes por 5 dólares. Un día llega un inspector de hacienda y solicita sus servicios estableciéndose una relación muy peculiar entre ellos y que sólo al final descubriremos de que cariz es. Igualmente aparecen otras líneas argumentales que aparentemente no nos dicen nada pero que se irán cruzando al final.  El director juega con imágenes fijas, repetitivas, con las que nos quiere decir algo que todavía no acertamos a saber. De igual manera la fotografía y los ambientes son sombríos, oscuros, como anticipándonos el resultado final de toda la trama.  Una película muy recomendable para los que gusten de tramas complejas y para los que no le molesten las regresiones temporales ( no tan exageradas como las de Lynch).   

 Para finalizar señalar que  el erotismo que desprende la película es solamente una excusa para crear un clima perturbador, ayudado de una banda sonora magnífica.

CARRETERA PERDIDA

Ayer vi en mi casa "Carretera Perdida", obra del inigualable David Lynch. La verdad es que conocía a este cineasta únicamente por " El hombre Elefante", película que me vi hace muchos años y me impresionó muy gratamente. Carretera Perdida es una película que yo calificaría como " paranoica-crítica" (emulando al genial Salvador Dalí,puro surrealismo). El argumento es completamente circular y tratar de entender lo que ha pasado en el film una vez terminada su visión es labor absolutamente infructuosa. La película comienza siendo un thriller psicológico y acaba siendo una experiencia inigualable para los que la han visto.
El film trata sobre un músico de jazz que vive con su esposa, a los cuales les comienzan a llegar una serie de misteriosos videos con filmaciones del exterior e interior de su casa. Eso es sólo el comienzo y me tiento a contar más, pero como sabrán no me gusta dar muchos detalles sobre la trama, ya que le quita un poco de sentido a lapelícula. Lo que tengo que aclarar es que las actuaciones me parecen excelentes, sobre todo la de Robert Loggia (Mr. Eddy).

Si bien evidentemente no es una película para cualquiera, pienso que a los lectores del blog les puede llegar a gustar y que además a quienes les llegue les va a fascinar, casi podría decir que la van a amar. Recomiendo que no la vean tratando de darle sentido a todo, sino que abran la cabeza y vayan más allá, que interpreten las cosas a su manera.

Es de destacar la magnífica banda sonora, de una extraordinaria fuerza, y el poder de la fotografía y las imágenes con las que David Lynch nos bombardea constantemente.Salvaje,atractiva,desconcertante....pero simplemente genial.