LA VIDA DE ADÈLE (2013)

 Nota: El comentario contiene spoilers* 

  La vida de Adèle nos muestra una verdad cortante, seca y violenta: la del amor sin tregua, apasionado, sin dulcificaciones innecesarias. Se trata de una historia de amor y desamor entre dos mujeres excepcionales y opuestas entre sí. Una pequeña gran joya del último cine francés que va a perdurar en la memoria de muchos cinéfilos, repleta de momentos de una ternura memorable, realistas y bellos, al fin y al cabo.   Adéle (Adèle Exarchopoulos) es una jovencita de apenas 15 que no ha acabado el instituto. Vemos que sus primeros escarceos sexuales rebosan dramatismo, su identidad sexual no está del todo definida, sus relaciones con los chicos son problemáticas. La sociedad, con su familia a la cabeza,  la incitan a llevar una vida convencional, a salir con chicos. De esta  manera mantiene su primera relación sexual. Sus amigas, verdaderas vívoras, la jalean, son soeces y vulgares, no son buenas estudiantes, se preocupan por lo mundano y superficial. Adèle es diferente, su mundo interior es opuesto al de la mediocridad anodina de una adolescencia prefabricada. Por un tiempo sigue el juego pero pronto entrará alguien en su vida, alguien que la arrollará emocionalmente, con la que descubrirá lo que es el amor sin concesiones.

  Una noche decide salir con un compañero de clase que es homosexual visitando alguno de los garitos de ambiente de la ciudad. Allí conoce a Emma (Léa Seydoux), una chica más mayor que ella, licenciada en bellas artes y con una personalidad fuerte y arrebatadora. Desde el comienzo hay una fuerte atracción amorosa entre ambas. El amor infinito entre dos personas, la lealtad, la belleza del sexo puro entre dos mujeres diferentes pero con almas gemelas, la seguridad que ofrece Emma, con su madurez, a Adèle son de una ternura encomiable.  Pero  la homosexualidad, todavía más si es entre mujeres, sigue siendo un tabú social por mucho que en la moderna Francia ( y en otras sociedades occidentales) se haya aprobado el matrimonio entre personas del mismo sexo.  Vemos a lo largo del metraje las enormes dificultades que el mundo interpone entre las amantes.  La mentira a la familia se torna necesaria para sostener algo que sigue siendo visto como antinatural, el miedo a decir la verdad está patente en todo momento, con sus compañeras de clase y después con la sociedad en su conjunto.

 Pero esta es una historia de lucha, de superación ante todas esas adversidades para demostrar simple y llanamente que lo más puro que un ser humano puede ofrecer a otro, su amor, no puede ser cercenado por los convencionalismos de cada época. Y ese amor tierno y romántico se ve reflejado en el sexo, del que la película no huye sino que se nos muestra descarnado, duro y real, en especial en una interminable escena lésbica en dónde observamos la sublimación pura del deseo sexual, en dónde las dos amantes se convierten en un solo ser capaz de arribar al éxtasis irremediable del amor. En ese momento Adèle descubre que jamás será la misma porque ha encontrado su punto de llegada, ha descubierto su verdadera identidad sexual y que esta se puede desarrollar en plenitud con el ser amado.

    Vemos como  la relación se comienza a agrietar en lo que podríamos destacar como la segunda parte de la película, la rutina, las nuevas relaciones, la vida las va separando poco a poco hasta la fractura irremediable. El espectador sufre con el sufrimiento de unas personas a las que había creído predestinadas para amarse eternamente. Nuevamente la película no escatima en detalles sobre ese desamor: la violencia a la que ambas llegan se nos muestra con total realismo. Adèle se siente desamparada y confundida, queda hundida, como quedaríamos todos tras una ruptura tan dolorosa, intenta recuperar a Emma pero su vida, sin ella percatarse, ya es otra vida que discurre por otros caminos y diverge por completo de la de su amante.

    El guión, francamente bueno, mantiene una estructura lineal en el tiempo, sin flashbacks, a lo largo de un par de años durante los cuales se avanza más o menos rápido en función de esas dos partes de la que hablábamos y no escatima en dramatismo y crudo realismo, con escenas de una gran dureza. A nivel técnico la cámara nos ofrece continuos primeros planos que remiten a la inmanencia de Adèle,vemos por sus ojos, vemos sus ojos, vemos constantemente sus movimientos, su vida, su cuerpo y su cara, hasta los más mínimos detalles, sin trampa ni cartón, con un realismo abrumador.

   La fotografía es magnífica, tanto en interiores, en ocasiones con muy poca luz, como en los exteriores luminosos de las calles y parques de la ciudad. Por otro en su interpretación, las dos protagonistas realizan una labor magnífica pese a su juventud, aunque quizás la labor de la protagonista principal peque de bisoñez y rigidez en muchas de las escenas, lo que denota su falta de experiencia.   En definitiva una película que sorprenderá por su realismo  en las escenas sexuales y que brillará con luz propia dentro del nuevo cine francés por su belleza. A nadie dejará indiferente y despertará amor y odio a partes iguales, lo que suele ser indicio de que estamos ante una gran obra, a pesar de su largo metraje y la lentitud y parsimonia, casi pictórica, con la que transcurre gran parte de la película.   

GORDOS (2009)

 Tobogán emocional, película de subidas y bajadas, batiburrillo maravilloso de historias contrapuestas en las que prima lo sentimental, en el que Daniel Sánchez Arévalo nos sumerge en muchas películas, muchas tramas en las que prima la tragicomedia, con momentos de drama intenso y otros de comedia ligera. El punto en común de los protagonistas es una terapia grupal a la que acuden acomplejados por su obesidad.  A partir de ese momento comienza el baile de historias, el baile de gordos, a saber:  El gordo amargado, ex-presentador homosexual de teleprogramas que anuncia unas pastillas-milagro para adelgazar y que acaba preso de la bulimia y acude a pedir ayuda más por inercia que por otra cosa. Su vida es una mierda y, para colmo, su socio de toda la vida lo ha abandonado y es motivo de burlas y chanzas por doquier. La gorda joven y puritana acompañada de su novio ultracatólico que será sojuzgada durante demasiado tiempo. El gordo supuestamente feliz con mellizos que se odian eternamente. La joven gorda ejecutiva acomplejada porque su novio, de viaje en el extranjero, no conoce su actual volumen corporal. Y el terapeuta, de abdominales marcadas pero con un lío sentimental bastante gordo.

    Es cierto que las cinco historias están muy descompensadas entre sí, son como películas diferentes, con situaciones y subtramas de lo más diversas y por tanto el guión no deja de ser un constructo desigual, pero cada una de las historias tiene gancho, pegada y giros inesperados  aunque quizás se hagan demasiado explícitas en determinados momentos, en especial un exceso de corporalidad y de sexo, si bien el cine de Sánchez Arévalo es todo él así, excesivo, irreverente, irrespetuoso, trangresor.  Como ejemplo fantástico el cristo iluminado, fosforescente, preparado para afrontar el desnudo de sus vírgenes seguidores.

  Las interpretaciones están a un buen nivel tanto en el plano dramático como en el cómico, desde el histriónico Enrique un Antonio de la Torre magnífico como suele ser habitual, pasando por una inspiradísima Pilar Castro, en su papel de sufridora, Paula (Verónica Sánchez), bordando su faceta dramática, con el distanciamiento conyugal y los problemas que conlleva el embarazo para toda mujer, Abel (Roberto Enríquez) que está aceptable en su papel de terapeuta que parece tenerlo todo bajo control pero que poco a poco va destruyendo su propia existencia y hasta la joven Sofía (Leticia Herrero) dando muy bien en el papel de puritana que se soltará  el pelo, rebelándose contra su carca pareja, Álex (Raúl Arévalo) que domina a la perfección ese registro ultra puritano que sucumbe al pecado pero que se acaba por hacer insoportable la vida a los demás, papel por el que fue premiado con un goya. Finalmente Fernando Arbizu en el papel de Andrés, el gordo feliz que junto a Teté Delgado forman esa paranoica pareja que tienen unos hijos terribles, quizás la parte más simpática de todas. Finalmente, en esta película coral, destacar el personaje de Leonor (María Morales) que añade una nota muy lograda de acidez a todo el conjunto.

   Quizás el mayor logro de Gordos sea hilvanar en muchas historias  los traumas de unos seres acomplejados y conseguir lanzar el mensaje de la obsesión que la propia sociedad tiene sobre este tema, algo que raya ya en la paranoia colectiva y que desplaza a muchas personas a la marginalidad y el desprecio. El montaje también merece un comentario aparte, difícil empresa ante tantas historias que se entrecruzan entre sí,  por momentos nos abruma la cantidad de cambios y de saltos que la película va ofreciendo, acaba resultantdo excesivo, caótico, desbordante. Varias cosas  dan sentido a este sinsentido de filme y  lo elevan a la categoría de película altamente recomendable. No solo el guión y las actuaciones sino el trabajo de dirección que consigue dar coherencia a todo el conjunto. También la música de Pascal Gaigne, que destaca por su sencillez y profundidad, un compositor que se está labrando una buena fama en la música cinéfila.

   En definitiva una tragicomedia excesiva, irregular, paradójica e incluso entretenida que no nos dejará indiferentes, que nos conmoverá a iguales dosis de las que nos conseguirá crispar. 

HABITACIÓN EN ROMA (2010)

  Vuelta de tuerca en el barroquismo del imaginario de Médem, pero en parte fallida vuelta en esta ocasión.  Ese mundo tan especial y, en ocasiones, caótico del director vasco queda aquí reducido y encorsetado en una habitación de hotel.  En esta ocasión para mayor gloria de las dos intérpretes de este diálogo lesbiano: Elena Anaya (Alba) y Natasha Yarovenko (Natasha). El argumento de la película permite a Médem rodar una buscada instrospección y alcanza a rozar un sentimiento humano puro de amor, sexual y sensual, erótico y emotivo. Logrará una atmósfera repleta de erotismo dentro de la pequeña estancia. Ambas irán reconociendo, poco a poco, que algo más que una simple amistad les une. A pesar de sus diferencias culturales, físicas y geográficas crecerá un sentimiento que acabará por derrotar las barreras mentales de ambas. Serán amigas, amantes y cómplices: relatarán sus vidas y compromisos, reconocerán sus amores previos, pretendidamente sólidos que acabarán derribados.

 

  Dos personas que se cruzan por azar en la vida, además, en la bella ciudad italiana y marchan por una estrecha calle romana, Via dei coronari, sin saber todavía lo que les depara la noche. Alba invita a su nueva amiga a subir a su habitación. Ella, carente de experiencias lésbicas, acaba aceptando. En la fachada del hotel de Alba tenemos tres astas de banderas. Dos están ocupadas pero una permanece vacía, como símbolo de lo que puede deparales su encuentro. Pronto comienzan a descubrir en la habitación del lujoso hotel que tienen algo más en común que el sexo. Son dos mujeres que Médem nos muestra insistentemente desnudas pero con una complicidad que va más allá de los simples convencionalismos en estos casos. Se produce una interconexión emocional entre ellas que dará paso a una romántica noche que no querrán que finalice nunca y que, después de despuntar el alba deberán abandonar para no volver a verse jamás, ¿o quizás no?. Especial atención muestra el director en la decoración de la habitación que es casi tan protagonista como el duo de actrices principales: los cuadros, esas pinturas renacentistas que Natasha conoce de memoria y el eterno cupido que desde el techo está siempre presente de manera alegórica.

  

 Aparentemente parece que la historia no es que tenga mucho más que ofrecer en muchos aspectos y, profundizando un poco parece toda una reflexión quasi filosófica sobre el amor. Los diálogos tratan de avanzar en este camino pero se hacen monótonos, repetitivos, salpicados de las escenas puramente eróticas. Alba lleva la voz cantante en la cama y en una amistad que va creciendo con el metraje. Natasha, que juega con su identidad confundiendo a Alba con su verdadero ser, no se atreve a reconocer que se ha enamorado y que ya nada será como antes en su vida. Ella está prometida y se va a casar en breve, tiene una hermana gemela que anda por Roma investigando el renacimiento, además es tenista profesional. Aunque no llegamos a saber si es ella la tenista y su hermana la doctorando en historia del arte o al revés. Las dos se divierten( juntas, en la ducha, cantan "volare")  y se aman pero en la cama quien demuestra mayor ímpetu y dominio de la situación es Alba que mantiene una relación con otra mujer en su país y que ha sufrido la pérdida traumática de un hijo. En realidad ambas tienen mucho que contarse: ambas han sufrido. Y entoces la película deja de ser puro sexo, dos tías en bolas, todo el rato desnudas y achuchándose ferozmente y empieza a ser la historia de ambas, sus miserias y logros en la vida. 

 

     Decía que la historia no era muy original. No en vano Médem se ha basado en otra película. Habitacíon en Roma es una secuela de "En la cama" de Matías Bize y además no podemos obviar las influencias de El último tango en París. Es esto lo que nos aleja del Médem puro y auténtico que parece ausente en este film. El desarrollo de la historia se llega a hacer tedioso, algo desconocido en el director español. Parece no avanzar, como si la noche no llegara a su fin. Diálogos breves interrumpidos por sexo lésbico a raudales. Interrupciones para ver el ordenador, google maps para visualizar sus respectivos hogares.  El amor y la muerte como símbolo ya que  ambas han conocido la tragedia está tan solo apuntado en el guión. Y, por el contrario, hay momentos supuestamente cómicos que podrían ser prescindibles, como el karaoke o el juego sexual con una botella.

  

  La interrupción nefasta del camarero que rompe esa ilusión de dos únicos intérpretes a lo largo del metraje, un camarero italiano predispuesto a todo que llega a proponer un trío. Verdaderamente absurdo lo de este personaje, prescindible por completo. Lo mejor llegará con el final, que emociona en unos momentos en los que, despuntando el alba, en esa Roma milenaria, con el cielo romano que verdaderamente parece el paraíso, las dos amantes llegan al máximo de compenetración unidas piel con piel en una bañera en la que dan vueltas sin parar. El desayuno bajo la tenue luz romana es lo que da cierto sentido a la película, esa compenetración de dos almas que saben que tenían que encontrarse en algún lugar del universo porque estaban hechas la una para la otra.

  En cuanto al duo protagonista hay que señalar que están ambas correctas, Elena Anaya mucho mejor, con más seguridad en lo que está haciendo, convincente en su papel de lesbiana. Yarovenko mucho más floja, a veces forzada. Al margen de ellas, una fugaz  aparación en un video de Nawja Nimri, que no se puede siquiera comentar y el desafortunado camarero italiano cierran el elenco protagonista.  Quizás lo más desconcertante es que, al estar rodada en inglés, el doblaje resta naturalidad a las interpretaciones.

La banda sonora es magnífica con temas excelentes de Russian Red ( la maravillosa Loveng strangers) y esos temas barrocos y cadenciosos, cual arias de ópera de Jocelyn Pook que se van repitiendo en los momentos más románticos y singnificativos quizás demasiado machaconamente.

   Técnicamente la película está muy bien realizada, como siempre sucede con Julio Médem aunque en mi opinión abusa de primeros planos y busca perspectivas inverosímiles en esa oscura habitación, planos cenitales que ayudan a forzar la tensión dramática. Utiliza magistralmente el travelling ascendiendo y descendiendo desde la calle hasta el interior. Sin embargo no creo que dentro de su filmografía acabe ocupando un lugar destacado este film. Quizás una oportunidad perdida, como ese final incierto, esa bandera en el asta de la esperanza, un final ciertamente increscendo, lo mejor de la película.

ALBERT NOBBS (2011)

  Glenn Close buscaba con esta producción en la que ella pone también la pasta conseguir su ansiado Oscar y lo cierto es que a punto estuvo de ello. Sin embargo, en esta ocasión no se lo merecía. No digo que no haga un buen papel como el retraído  y pusilánime mayordomo de un viejo hotel dublinés del siglo XIX. Pero el excesivo maquillaje ( no sé porque tanto con sus facciones hombrunas) y su encorsetada manera de actuar ( quizás todo el atrezzo de ir disfrazada de hombre lo necesitaba) le resta mucha credibilidad, aunque como digo, siempre Close está bien, pero deja escapar una oportunidad a huevo. Por otro lado la película ( con varias nominaciones al Óscar) no aporta mucho a la consabida historia de la mujer que tiene que fingir ser hombre para poder subsistir en una sociedad machista y arcaizante. Nobbs atiende desde hace décadas en un hotel aristocrático y, como todo el servicio, habita en las habitaciones del ático. Debajo de un trozo del suelo deposita todos sus ahorros, que han llegado a ser ingentes. Su ilusión sería ahorrar lo suficiente para establecerse por su cuenta pero la soledad le atenaza.

   Un día llega un pintor para reparar algunos desconchones del avejentado edificio. Como debe hacer cama la regente decide que duerma en la habitación de Nobbs. Él se resiste pero finalmente debe dormir con el grandullón pintor de brocha gorda. El problema se suscita cuando una pulga le obliga a desnudarse advirtiendo entoces su compañero que es una mujer. Aterrorizado, Nobbs le promete  el oro y el moro para que no revele su secreto, que le costaría el trabajo y el honor. Sin embargo, sorprendido, descubre que el pintor grandote es también una mujer que se hace pasar por un hombruno obrero, es un travesti. Y para su sorpresa, está casado con una mujer. Esta actriz, Janet McTeer, está soberbia en su papel. Ella ( o él) consiguen animar a Nobbs, que sueña con tener también esposa y regentar un pequeño estanco. La elegida por Albert parece ser una de las camareras, muy mona ella (  Mia Wasikowska), en un nuevo papel a su medida. El problema o inconveniente es que se ha enamorado de un truhan que la deja embarazada.(todo muy tópico y típico, ¿verdad?).

    Como podemos comprobar la historia es lo de siempre, está muy trillada ya, en mi opinión. No aporta nada nuevo, solo el ver a una desesperada Close en busca de reconocimiento en un papel inverso al de Tootsie ( Dustin Hoffman) pero que no llega ni a la altura del betún. Técnica y formalmente la película está bien, aceptable: buena ambientación y escenografía adecuada, vestuario correctamente seleccionado y escenas agradables de exteriores, como la de la playa. Los decorados interiores muy conseguidos también. La música correcta y preciosa la canción de Sidney O'Connor.  Y el director, Rodrigo García, continúa aquí su carrera ascendente.

 Sin embargo la película se queda en un ensayo a mayor gloria de Glenn Close aunque no hay que desdeñar la enseñanaza social que aporta, de una Irlanda puritana y atrasada, pacata, vergonzante, extremadamente dominada por el catolicismo imperante y la relación de este mundo con una homosexualidad que se debe esconder a toda costa.  

 

WILDE (1997)

  Interesante retrato del afamado y genial escritor británico Oscar Wilde, en una Inglaterra prejuiciosa, de moral pacata y conservadora, en la etapa victoriana que dió con sus huesos en la cárcel por sus relaciones homosexuales tras un juicio que sirvió de escarnio público para él y su familia heterosexual   y que lo condujo a un estado de postración física e intelectual que pagó muy caro en su propia salud, que no en su labor creativa que continuó tan lúcida como siempre.

 

   La historia está muy bien trazada, cronológica y sentimentalmente porque, en el fondo, es una historia de amor. Un amor desbordante que Wilde sentía por la vida sin más, por el amor, por la naturaleza, por su familia e hijos y por su amante Alfred Douglas ( Jude Law) en el que cree descubrir la belleza pura y auténtica, un ser al que jamás dejó de querer a pesar de su alejamiento de dos años en la cárcel.

  Vemos durante la película a un Oscar Wilde desbordante: ocurrente, inteligente en casi todo lo que decía y hacía. Incluso en su peculiar relación con el padre de su amante, el  marqués de Queensberry ( Tom Wilikinson) que lo denunciará por sodomía. Sin embargo él  no  perderá nunca la calma, será un auténtico gentelman inglés, intentando dialogar con él y evitar el escándalo por evitar sufrimiento a su mujer y su familia.

   El guión se centra en ese problema que era ser homosexual en la sociedad inglesa que le tocó vivir, deja de lado otros aspectos interesantes o, al menos, los toca de pasada, sobre todo su carrera literaria e intelectual. Sin embargo consigue mantener al espectador a la espera de un destino que ya conoce de antemano.  Dentro de la película vemos la utilización del cuento el gigante egoísta   que el protagonista utiliza y sirve de nexo entre las distintas partes de la narración, cuando juega con sus hijos en el jardín e intenta explicar de esta sutil manera quién es en realidad su padre y que deben aprender y saber el gran amor que por ellos siempre a pesar de su naturaleza sexual.

La ambientación está muy lograda y detallada, consiguiendo el director un buen conjunto visual que nos cautiva. El ritmo de la película es pausado pero no se hace tedioso en ningún momento. Las imágnes del sufrimiento y trabajos forzados de Wilde en prisión son conmovedoras y nos hacen reflexionar sobre la injusticia y la discriminación en una sociedad supuestamente avanzada.

 Lo mejor de esta película es la actuación del actor británico  Stephen Fry que consigue reflejar la extraordinaria y poliédrica personalidad del autor inglés. El actor británico consigue una magnífica caracterización del genio inglés: no sólo en el aspecto, sino en sus  ademanes, en su forma de caminar y hablar y en su extraordinario sentido del humor.  Jude Law realiza una convincente labor teniendo que lidiar con un personaje también  es muy complejo, que gusta y desagrada por igual. El resto de actores secundarios también brillan a gran nivel: la esposa de Wilde, Constance (Jennifer Ehle), en particular representa ese papel de sufrimiento por una situación que le desborda, junto a sus dos hijos, abandonará a su marido y cambiará su apellido.

   Un biopic del escritor británico que resulta interesante y tremendamente conmovedor. Un gran documento para entender una sociedad conservadora y plagada de prejuicios. Y un precioso retrato del amor y del desamor. Recomendable.

  

MUERTE EN VENECIA ( 1971)

  Lenta, cadenciosa, sutil y hasta un tanto exasperante en ocasiones. Así podríamos definir, a vuela pluma, una de las más afamadas obras maestras de Lucchino Visconti. Aunque ha sido objeto de numerosas controversias a lo largo de las décadas incluso entre los propios seguidores del maestro italiano, no cabe duda de que resultan inolvidables esas evocadoras imágenes de una decadente Venecia bajo la impresionante melodía del Adagietto de la quinta sinfonía de Mahler.

     Es una película pausada, a fuego lento pero es de esas ocasiones en las que no resulta  tan tediosa esa lentitud, sobre todo si se sabe apreciar la belleza vaporosa de la arquitectura veneciana. Podríamos hablar de un auténtico documental, un viaje iniciático a la ciudad italiana bajo el pesado prisma de un anciano compositor que, enfermo, sabe de la cercanía de su viaje final y que busca desesperadamente el mejor final posible: el que proporciona la contemplación de la auténtica belleza, la belleza sublime de una melancólica ciudad y de una juventud que trata de ser aprehendida por su protagonista, que intenta ser atrapada y que se escapa finalmente en un mundo que se derrumba. Partiendo de esta visión general podemos entrar a valorar algunos aspectos que generaron y siguen generando una viva polémica.

   Hay un debate entre los que afirman que es una obra maestra total, inigualable y los que piensan que es una auténtica pérdida de tiempo, una película amanerada y sin sentido. Y posíblemente ambos bandos entén en lo cierto porque de todo eso se compone la obra de Visconti.    Para entender un poco la película quizás hata que haber visto alguna otra del director milanés, conocer su trayectoria desde el neorrealismo a un cine más aristocrático, cercano a su propio origen social. Paradigmática sería su incursión en el mundo del nazismo en la caída de los Dioses, donde introduce otra de sus grandes pasiones: la ópera. 

   La llegada de Gustav ( Dirk Bogarde) a Venecia, escenario del drama, define mucho lo que veremos a continuación. Es una escena inacabable, montado en un bote de pasajeros para acercarlo a la isla donde se encuentra su hotel, sufre ya ciertas humillaciones dentro del mismo viéndose su estado de extrema debilidad, de enfermedad terminal, al mismo tiempo que su enorme sensibilidad para apreciar la belleza de la puesta de sol en el gran canal veneciano. El hotel es la residencia de buena parte de la aristocracia europea del momento, principios del siglo XX. Esa nobleza que representa un mundo que está a punto de derrumbarse en la Primera Guerra Mundial y que nunca más volverá a ser lo que había sido.

   Allí el avejentado compositor acude para reponerse de su precedente fracaso artístico, del rechazo que provoca su última obra al mismo tiempo que aliviar su delicado estado de salud. Paseando por la playa descubre la belleza quasi angelical de Tadzio, un joven adolescente de largos y ondulados cabellos rubios que encarnan para él todo un compendio de la belleza irresistible y carnal. Por él se sentirá inexorablemente atraído y será el leitmotiv del resto de su vida, su pasión e inspiración a pesar de que sea un deseo se tornará en neurosis enfermiza y por ese motivo se agravará su salud irremediblemente. Acabará siendo un pelele en manos de un niño de mamá un tanto juguetón que advierte muy pronto las intenciones del hombre maduro. En realidad no llegará nunca a establecer con él un contacto real y toda la relación se sustentará en miradas y silencios, en juegos un tanto infantiles a los que el vetusto compositor accederá para alimentar más si cabe su pasíon.


   Una relación homosexual a pesar de que la película nos equivoca al apuntarnos en una sutil regresión temporal que Gustav tuvo una familia heterosexual anteriormente. Durante la película Gustav recorre Venecia al compás quasi musical que marca el  bello Tadzio, fenomenalmente caracterizado por un actor que pasó a la fama por este papel, Björn Andrésen, un andrógino joven que puede representar esa dualidad sexual del protagonista, que será cruel con el anciano compositor, haciéndole sufrir de manera gratuita en sus andanzas  con sus compañeros más jóvenes en diversos escenarios: el hotel, la sucia y decadente ciudad y la playa.

  Este juego perverso nos permite admirar la belleza de una Venecia asolada por una epidemia de Tifus que compromete la vida de los veraneantes. Quizás podríamos decir que la ciudad de los canales sea la principal protagonista de esta historia de amores imposibles truncada por la muerte en un final tremendo, en el que Gustav sufre el colapso fatal en la playa mientras contempla a ese amor puro y virginal que jamás pudo alcanzar, esa belleza enigmática que tan solo regala una mirada esquiva al anciano agonizante. La música de Mahler provoca un podereso efecto conmovedor , más poderoso que cualquier evocación en nuestra  mente.

           
Obligado resulta reseñar el trabajo de Dirk Bogarde, ese mayordomo nazi sádico de Portero de Noche, que en esta ocasión resulta impagable en el papel del músico agonizante, buscando desesperadamente una Venecia enigmática y confusa donde encontrará a su Tadzio, a su amor platónico, que lo llevará a la dulce muerte en un bello ocaso a la orilla del adriático. Bogarde resulta creíble a pesar del aparatoso maquillaje que todo el tiempo nos recuerda una vejez fingida. El joven actor Andersen también es de destacar a pesar de ser prácticamente su única interpretación. Es su papel y ese su momento: apareció para ser Tadzio. En otro plano Silvana Mangano, mayor y con un papel con poca relevancia aunque su sola presencia es inspiradora.  

   La ambientación y el vestuario son magníficos y destacables, reflejando perfectamente el barroquismo que nos habla de ese fin de ciclo, de ese final de época que en el fondo es el argumento principal del film.

 

LA MUERTE DE MIKEL ( 1983 )

 

  Película ambientada en la España de la Transición, en el País Vasco. Naturalmente aparece de lleno el conflicto político existente, el terrorismo etarra y la lucha parapolicial del Estado, y también algunos aspectos de las nacientes estructuras de los partidos políticos. Todo ello tocado de una manera marginal, muy transversalmente, sin entrar a fondo a tocar los problemas. Y quizás en eso falle la película. Mikel, el personaje principal ( Inmanol Arias), en un farmaceútico de una pequeña localidad guipuzcoana. Su vida personal es un desastre: su  matrimonio hace aguas y  su persona también. Vemos a lo largo de la película a un personaje errabundo, sin tener muy clara su personalidad. Se ha casado y también ha ejercido malos tratos a su pareja, recibe asistencia psiquiátrica, pero parece que no sale del pozo en el que está metido. Por otro lado, milita en una formación de la Izquierda Abertzale, es uno de sus más feroces militantes, apareciendo a la cabeza de las manifestaciones políticas en la calle. Aunque este aspecto quizás sea secundario porque Mikel va a descubrir, de manera casi accidental, su homosexualidad. Conoce a un travesti en Bilbao del que se acabará enamorando. Digamos que "saldrá del armario" y en su salida nos deja vislumbrar los enormes prejuicios sociales de los primeros 80, incluso en un contexto más progresista, donde se supone que recibiría más comprensión, es incomprendido. Su familia, muy conservadora en lo social, tampoco lo apoya. Llegará al intento de suicidio, como se puede preveer por la situación asfixiante que padece en el plano personal.

   El título ya anuncia el desenlace de la película, si bien este nos es mostrado contínuamente a lo largo del film, con contínuos saltos temporales hacia el  sepelio, en la iglesia del pueblo. De hecho la película comienza con dicho funeral. Un aspecto interesante es cómo los abertzales, los compañeros del partido, reivindican su muerte como un acto de violencia estatal, lo elevan a mártir, cuando nosotros ya sabemos, al ver la película, que la muerte de Mikel no tiene nada que ver con ello.

   Si la película nos quiere mostrar el ambiente que se vivía en una pequeña población vasca gobernada por los amigos de los terroristas, el ambiente de  intimidación  y la violencia de las fuerzas de seguridad, no lo consigue plenamente. Aborda ese tema como telón de fondo pero  se queda corta, en comparación con otras películas posteriores. El tema queda como de perfil, como muy de pasada. Quizás el guión pudo haber penetrado más en ese mundo o quizás no se pudo hacer por la época en que se rodó el film.

   Otro aspecto en el que la película falla es en la puesta en escena de los malos tratos que recibe Mikel de la policía. Son poco creíbles para lo que en realidad pudo haber pasado con las torturas y el crimen de Estado que se vivió entonces. La lucha parapolicial no aparece bien reflejada, solo unas leves palizas que recibe nuestro protagonista por su silencio, tratando de no implicar a ninguno de sus conocidos en los actos terroristas de ETA. Y después, tan tranquilo, sale a la calle. 

   

    Mejor tratada está la lucha entre su familia ultraconservadora, fundamentalmente la madre, y el protagonista cuando muestra claramente su orientación sexual, cuando pasea con su novio, el travesti Fama, las miradas de desaprobación del pueblo, ese ambiente opresivo en las costumbres sociales. Ahí está el gran acierto de la película, tratar ese tema en ese momento de la historia de nuestro país. Los malos tratos que inflinge a su mujer, de la que está separado pero hay una reconciliación momentánea al principio de la película, tampoco están muy bien abordados, es más, la escena en cuestión peca de morbo y violencia gratuítas, sin sentido. 

  El trabajo de Uribe es destacable pero quizás nos deja la sensación de un quiero y no puedo, de unas posibilidades desaprovechadas en cuanto a guión y un rodaje con abundancia de primeros planos que no logran transmitir toda la emoción que podría desprenderse de esas situaciones Logra captar el ambiente opresivo de un pueblo tan cerrado en lo social y político, donde aparentemente se está disfrutando de unas fiestas en las que se trata de arrancar de cuajo el cuello de un pato, lo cual no deja de ser paradigmático. El trabajo de Inmanol Arias es correcto, sin más, no llega a ser totalmente creíble en su papel, ni como maltratador, ni como líder violento abertzale, ni como homosexual. No me parece una interpretación a la altura de otras como en El Lute, por poner un ejemplo. Si que destaca y es creíble Ramón Barea, en el papel de líder batasuno, con una barba que a penas deja entrever su rostro. El resto de actores nadan en la mediocridad a excepción de la madre de Mikel ( Montserrat Salvador) que convence con su duro papel conservador, en lucha constante con su hijo.

  Esta dualidad de la que hablo, entre un pueblo progresista en lo político (aunque con amenza de terrorismo) y socialmente tan conservador queda también en un final poco claro, con demasiados interrogantes. Sabemos que no es una muerte política porque en el momento anterior al fallecimiento ( que no se muestra) Mikel está solo, queda ese interrogante que, sin embargo, no desluce del todo la película, que es un retrato del conflicto vasco en un pequeño pueblo en la Transición y de la moral arcaica de la sociedad no solo vasca, sino española del post-franquismo. Y si que aparece una crítica hacia ese mundo filoterrorista que busca rentabilizar políticamente cada muerte propia. Aunque para ser sinceros debemos afirmar que la cinta ha envejecido muy mal, en su momento podía ser rompedora pero vista desde la óptica actual es antigua, arcaica, incluso si la intentáramos ver con los ojos de 1983.

CACHORRO ( 2004)

   Destacable película del director alicantino Miguel Albadalejo que continúa con su mundo particular, en este caso abordando asuntos sociales espinosos como es la homosexualidad y sus consecuencias en la España de principios del siglo XXI donde observamos un microcosmos con el que logra crear situaciones extemadamente divertidas trufadas de dramas familiares mal resueltos. 

   Violeta ( Elvira Lindo) madre separada con un hijo menor, Bernardo, decide emprender un viaje exótico por la India con su nueva pareja ( realmente será encarcelada por tráfico de drogas). Como no tiene con quien dejar al chaval se lo encasqueta a su hermano Pedro ( Jose Luis García Pérez) que se encuentra con un buen marrón, ya que él, profesional liberal y homosexual no reprimido lleva una vida nocturna bastante activa. Desde su perspectiva, la de Pedro, vamos a realizar un viaje por el mundo gay madrileño, se supone que por el barrio de chueca, en la noche madrileña y van a surgir muchísimas situaciones cómicas entre sus amigos, novios circunstanciales ( ya que Pedro no quiere atarse sentimentalmente) y su sobrino Bernardo ( reconocible como el pequeño quinqui de la serie Aida), un inocente y pequeño chaval que llega a la gran ciudad y descubre cosas que desconocía, que su madre sólo había esbozado pero que ahora descubre por sí mismo.

   

    Pedro, al hacerse cargo del niño debe bajar el pistón, debe moderarse en su vida privada para que no se de cuenta de su condición sexual desenfrenada.  Asume una gran responsabilidad al hacerse cargo de su sobrino y se agobia al principio pero iremos viendo cómo se van adaptando mutuamente de una manera muy tierna. Y lo que más sorprende es como el pequeño no se extraña para nada de las cosas que ve: las acepta con total naturalidad. Ve salir del dormitorio de su tío a diferentes novios de este, observa con esos ojillos voraces de conocimiento la vida de Pedro y ese Madrid loco y salvaje y lejos de deprimirse, de achantarse, sobrevive y se adapta fenomenalmente.  De repente aparece por allí, sin venir mucho a cuento, la abuela, es decir, la madre del protagonista que quiere recuperar el tiempo perdido y pretende quedarse con su nieto y llevárselo. Hay fricciones y momentos dramáticos ciertamente duros, pero el tono general es simpático.

  Es cierto que  hay algunas escenas que son gratuítas, como la inicial, y que pretenden sobresaltar al espectador o quizás provocar escándalo, desde luego muchos apagarían la tele y se perderían una comedia dramática bastante buena,  que rebosa realismo y  humor, pero que también tiene sus dosis de dramatismo, de situaciones familiares y personales muy duras, casi desgarradoras. Aunque hay que reconocer que en la parte final pierde algo de fuelle y busca la lágrima fácil.

  

     Podemos decir que la película tiene altibajos propiciados por un guión no muy bien resuelto pero desde un punto de vista global la película resulta interesante. En cuanto al aspecto interpretativo, el actor principal, García-Pérez está fabuloso y convincente, hace un magnífico trabajo, dando vida a un personaje poliédrico que sabe ganarse el afecto del espectador a pesar de algunos aspectos desagradables de su vida. El joven niño, David Castillo,  interpreta bien un papel que llega a enternecer. No se puede decir lo mismo de otros personajes, como la escritora-actriz Elvira Lindo que deja mucho que desear, aunque es una de las casi fijas en las  películas de Albadalejo. Película un tanto histriónica pero divertida y emocional. Buena película para entrar en el mundo de este atípico director español.