Amazing Grace (2006)

    Amazing Grace es un himno cristiano compuesto por John Newton, uno de los personajes de esta película,  que sirve de himno o hilo conductor de esta gran historia de humanismo que cuenta la vida política y personal de  William Wilberforce, luchador  durante toda su vida por la abolición del comercio de esclavos. Amigo del que fuera  premier británico durante casi dos décadas, William Pitt el joven, marchó de derrota en derrota hasta la victoria final. Su campaña contra la esclavitud estuvo muy ligada a su conversión al catolicismo y su apoyo en una secta conocida como Clapham Sect. Su fe lo llevó también a interesarse por las reformas sociales y las mejoras en las condiciones de vida de los obreros en las florecientes industrias británicas dentro del marco de la revolución industrial.  Pero hay que destacar que no estamos ante un biopic al uso aunque también. Porque lo que predomina en esta fiel recreación de la época entre finales del XVIII y principios del XIX en la Gran Bretaña es la idea de lucha justa contra la barbarie, contra la ignominia de los que anteponen los intereses de la oligarquía, de los hombres de negocio, del dinero, del capital en definitiva sobre los derechos humanos, en una época en la que ya se estaban plasmando por escrito los derechos de los que había hablado la Ilustración. Y si bien el Imperio Británico estaba luchando contra la Francia revolucionaria, no es menos cierto que muchos políticos e intelectuales británicos habían aceptado su derrota en los Estados Unidos y el que todas aquellas ideas fueran calando como la lluvia fina, poco a poco.

   En su lucha contra la esclavitud se enfrentará Wilberforce contra toda la bancada parlamentaria porque en un principio ni siquiera sus propios correligionarios le apoyan. La mayoría del parlamento apoya la continuidad de la esclavitud por suponer la base de su economía mercantil. ¿Qué va a ser de la producción de azúcar y de nuestros negocios en Jamaica y las Indias Orientales? argullen sin demasiado pudor ante las proclamas de Wilberforce, el auténtico protagonista de la película. Es cierto que en un principio nuestro protagonista aparece como un acomodado burgués que se interesa por la acción política y que acoge en su palacete a menesterosos que suplican por un plato de comida. Sin embargo será después cuando conozca algunos testimonios aterradores ( que no se obvian en la cinta) cuando tome conciencia de la brutalidad contra seres humanos, de las condiciones infrahumanas del transporte desde África hasta su destino en las plantaciones. Es entonces cuando, tras conocer a un antiguo esclavo ( interpretado por el cantante negro Youssou N'Dour) toma conciencia de la crueldad, de la realidad del drama de la esclavitud. Así se convirtió en el mayor defensor del abolicionsimo iglés.

   Es interesante como documento histórico, pero también como película política, por las escenas de duelo parlamentario, en la cámara de los comunes donde su magnífica oratoria es contrarrestada por brillantes declamaciones. Muy buena ambientación, el guión de Steven Knight consigue adentrarse en las tripas del poder británico, en eso que se suele denominar "las bambalinas del poder", donde de verdad vemos opiniones y actitudes que retratan muy bien a determinados personajes. También es interesante observar como en aquel sistema parlamentario tal y como siempre ha sucedido, son necesarias campañas de concienciación y movilizaciones que presionen al poder establecido para que vaya reconociendo poco a poco determinadas injusticias. Lo más esperanzador es que después de una enorme lucha se consigue siempre el fruto justo a las reclamaciones. Algo también de agradecer es que la película no resulta aburrida y en todo momento mantiene la atención del espectador.

  Otra virtud de la película de Michael Apted es lograr una excepcional ambientación, una recreación fiel de la realidad, sin necesidad de caer en excesos dramáticos. Lo importante es el mensaje, no la imagen, diríamos, pero sin descuidar el atrezzo: vestuarios y peinados de época también están muy bien conseguidos. En general todo el film está muy bien rodado, tanto en interiores como en exteriores, con una fotografía magnífica de Remi Adefarasin.

   Las interpretaciones son magníficas aunque quizás estén mejor los secundarios que los protagonistas principales. Benedict Cumberbatch en el papel de William Pitt se muestra ambicioso por el poder, llegando a  ser primer ministro de Su Magestad con tan solo 24 años. Michael Gambon maravilloso com Lord Charles Fox, incisivo y vital moviendo sus hilos en la cámara, Albert Finney como John Newton, un antiguo negrero arrepentido que influye decisivamente en el protagonista principal y que cuenta la historia que compuso el himno cristiano "Amazing Grace" que cantan en la película y que sirve de título a la misma, Ciarán  Hinds impresiona en un papel hecho a su medida, como líder fustigador de los antiesclavitud y Rufus Sewell como Thomas Clarkson, en un papel que le aleja de los habituales estereotipos de malvado.  Respecto a los protagonistas principales, Ioan Gruffud, está francamente bien en el papel principal como William Wiberforce y la joven Romola Garai también correcta aunque en un plano inferior.

   

   Un buen documento que saca a la luz a un personaje que hizo mucho por la abolición del comercio negrero en el imperio británico y que nos muestra una lucha personal y parlamentaria soberbia.

 

EL MILAGRO DE ANNA SULLIVAN (1962)

    Anna Sullivan es el espejo en el que deberíamos mirarnos todos aquellos que hemos pretendido y logrado dedicarnos a ser educadores. Porque ella, encargada de enderezar y sacar adelante a una niña sordociega absolutamente rebelde y maleducada por su familia, es un ejemplo de superación. En un orfanato desde pequeña y medio ciega, consigue labrarse una carrera como maestra. Y su gran reto vital llega cuando la contratan para educar a Helen Keller, una niña que a los pocos meses de nacer sufrió unas fiebres ( posiblemente una meningitis) quedando sorda y ciega para el resto de su vida.  Ella es tenaz, segura de que lo único que puede salvar de la total oscuridad a Hellen es el aprendizaje de unos modales que le acerquen a ser un auténtico ser humano, primero aprendiendo a controlar sus rabietas y, después logrando asimilar el alfabeto y la lengua con la que poder comunicarse. No en vano la película está basada en la historia real de sus personajes y  hay que decir que Hellen Keller fue la primera mujer discapacitada que logró graduarse en una universidad, llegando a escribir sus memorias.  Anna es una mujer valiente y convencida de lo que hace aunque es muy frágil. Anne Bancroft es Anna Sullivan, en una interpretación magistral, soberbia, merecedora de ese Óscar de la academia. Con sus gafas tintadas y sus lavados oculares, con su fuerza de voluntad ( porque motivos para tirar la toalla no le faltan), en una sociedad eminentemente machista y clasista (vemos la esclavitud en el sur de los Estados Unidos, mucho después del final de la Guerra de Secesión) logra hacerse con el control de su vida y, lo que es más importante, de la vida de esa niña que a fuerza de mimos y consentimientos había devenido en una especie de mascota para toda la familia.

    Desde el momento en que Anna llega a la mansión colonial en la que se encuentra con Helen saltan las chispas. La verdad es que es un duelo en toda regla, en ocasiones tremedamente angustioso y doloroso para el espectador, pero un duelo maravilloso y singular. Helen, interpretada por una magnífica Patty Duke, una niña que ganó el Óscar con esta interpretación en la que solo pronuncia una palabra en toda la película pero en la que realiza una brutal labor interpretativa que derrocha una tremenda energía, es un ser sin educación,con el alma ensombrecida por su propia familia, que en principio no la considera como digna de convertirse en un ser social pleno, planteándose en muchas ocasiones dejarla en una institución para retrasados mentales. Pero ella no es tonta, ni mucho menos. El problema es que no ha sido educada, pero gracias a su esfuerzo y la lucha de Anna Sullivan logrará mostrarse como lo que es, una chica inteligentísima y vivaz, que poco a poco llegará a las más altas cotas que la vida le dé ( aunque de esto ya no seamos testigos).

  El guión, firmado por Willian Gibson es muy bueno, basado en su propia obra de teatro, logra establecer, tanto mayoritariamente en los interiores como en los exteriores, momentos de gran dramatismo y dureza, de una fuerza vital extraordinaria. La fotografía, en blanco y negro, del cineasta cubano Ernesto Caparrós, es maravillosa. Logra un gran contraste entre los interiores donde se desarrolla la acción dramática ( lúgubres, ocuros, llenos de sombras y luces que se cuelan por las ventanas) y los exteriores muy luminosos, casi paradisíacos. La música de Rosental que escuchamos muy presente en todo el film es muy dramática, destacando esos momentos de enorme tensión, casi desgarradora.

   El director, Artur Penn, realiza aquí una de sus mejores obras. La cámara no para de moverse, buscando ángulos que acentúen el dramatismo, tanto en el exterior como en el interior de la casa y del cobertizo adonde Anne se lleva a Helen para vivir solas. Hay planos cenitales, americanos, medios, primeros planos, contrapicados que le dan gran dinamismo a la escena aunque lo que predomina son los planos generales de la habitación que le dan ese toque teatral a todo el conjunto.

   La película en conjunto es emocionante, sobre todo cuando Anne, redimiéndose de su complejo de culpa por la muerte de su hermano en el orfanato, saca lo mejor de sí misma y consigue convertir a una persona incivilizada, casi un pequeño salvaje de Truffaut, en un ser humano pleno y libre. Romper el aislamiento, la pequeña burbuja en la que un ser discapacitado jamás debe encerrarse. Una película que saca lo mejor de la condición humana, emocionante y tierna.

UN HOMBRE PARA LA ETERNIDAD (1966)

  Tomás Moro logró pasar a la esfera de la inmortalidad por la puerta grande, porque fue fiel a sus ideas, a sus creencias, y no se dejó doblegar por el abuso de poder, no aceptado las consignas del tirano rey de Inglaterra Enrique VIII  que habiéndolo nombrado Canciller del Reino en sustitución del cardenal Wolsey, le solicitó su ayuda para obtener el divorcio de su mujer Catalina de Aragón (hija de los Reyes Católicos). La historia nos dirá que Enrique buscaba un hijo varón que Catalina no le podía dar y que con ello pretendía garantizar la sucesión del reino, es decir, que era un asunto de Estado. Pero sus argumentos a favor del divorcio esconden también su atracción por una cortesana llamada Ana Bolena a la que ya sabemos que acabará cortando el pescuezo sin que le hubiese dado el deseado varón. El rey, que es un monarca autoritario, no se detiene ni siquera ante la suprema amenaza del Papa y de la religión católica. Llegará a preferir la excomunión y la ruptura con Roma para garantizar sus intereses. Pero Sir Thomas More, gran humanista (Utopía) fiel a sus ideas, rechazará dar su apoyo al monarca. Al principio se limitará a no pronunciarse, regresando a su hogar con su familia a pesar de que ello le comporte perder sus privilegios. Pero, finalmente,  su silencio será verdaderamente atronador, tan atronador que el rey lo encarcelará en la mítica Torre de Londres para intentar doblegarle, cosa que no consiguió a pesar de la amenaza de ejución.

  Hay varias cosas en esta película que la hacen inmortal y de obligado visionado para los amantes del séptimo arte. Lo primero es un extraordinario guión basado en la obra de teatro del autor del mismo,  Robert Bolt, lleno de fuerza y de situaciones dramáticas que se entreteje dentro de un ambiente que se torna opresor. El perfil de Tomás Moro es maravilloso. Los diálogos están repletos de sabias reflexiones sobre el poder y la moral. Las frases del político y pensador inglés son memorables. Son el fiel reflejo de la sabiduría, el humanismo y la prudencia ante una situación en la que pende sobre su cabeza el filo del hacha de la ejecución sumaria. Seguramente es lo mejor de la película.

   Destacar también la impresionante interpretación de Paul Scolfield en el papel de Tomás Moro, que el solito se echa a sus espaldas la pelicula entera. Su gesto severo y tranquilo, su parsimonia deliciosa, sus frases ya comentadas, todo él mereció con creces el Óscar de la Academia. También realizan una gran labor  Robert Shaw como el Rey Enrique,  Leo Mackern como el pérfido y ambicioso secretario Thomas Cromwell y un obeso y decadente Orson Welles en un pequeño papel como Cardenal Woolsey, al que sustituirá precisamente Moro como Canciller.

   La fotografía y la música son de una calidad magníficas. Sobre la primera destacar la luz de los paisajes en torno al río Thámesis, auténtica vía de comunicación, autopista incesante de barcazas que acercan y alejan a nuestro protagonista y al tiránico rey. Sobre la música de Georges Deleury destaca el tema principal que tintinea en nuestros oídos desde la escena inicial de presentación en que un correo recoje una carta lacrada y secreta a toda velocidad para Sir Thomas del cardenal Woolsey. Al abrir el portón el secretario entrega la carta al paje y estalla la música que estará muy presente a lo largo de todo el film

    Una buena película sobre el reinado de Enrique VIII y su relación con el humanista y católico Thomas More ( traducido al Español como Tomás Moro). Muy bien ambientada, con un magnífico atrezzo y unos diálogos, como decía, inmortales. Un goce para los que nos gusta el cine político y la historia a pesar de que las motivaciones religiosas de Moro se exalten un tanto.  Una pelicula para reflexionar por su actualidad y su carga moral: ¿acaso hoy no matarían en vida o defenestrarían a un político que fuese honesto, que renunciara al poder absoluto por sus convicciones?. Lo dicho, una película más que recomendable, de obligada visión en los tiempos que corren, una película para todas las épocas.

LOS FANTASMAS DE GOYA (2006)

      Francisco de Goya y Lucientes fue uno de los mayores innovadores de la Historia de la pintura. Lo malo de la película, en mi opinión, es que Goya queda un tanto marginado de toda la trama. Es  prácticamente irrelevante su aparición. No se pone el acento en su personalidad y en su obra. La historia se centra más en los aspectos truculentos de la historia de la protagonista femenina, Inés( Natalie Portman) que siendo de la mediana nobleza, es entregada a la inquisición donde sufre todo tipo de vejaciones y torturas. Su verdugo es el cruel padre Lorenzo ( Javier Bardem) que llegará a violarla en la lúgubre y fétida prisión. 

   Los padres de ella, desconociendo su destino acuden a Goya( que la había retratado) para que interceda por ella, sabedores de que Lorenzo es un cliente distinguido y que también está siendo retratado por el pintor. Pero de nada sirve esa mediación, tan solo queda el buen sabor de boca de ver cómo es humillado y vilipendiado por el padre en una cena a la que se había comprometido a asistir  y en la que se había negado a ayudar a la familia de la pobre chica.

  Por los avatares de la invasión napoleónica y la Guerra de Independencia, la inquisición será abolida y España, gracias a los afrancesados de los que Goya era seguidor, comenzará, bajo el reinado de José Bonaparte, a avanzar en un todavía incipiente liberalismo. El padre Lorenzo huirá y, después aparecerá en España convertido en un revolucionario, transmutado en sus ideas, encarcelará a los que antes habían sido sus compañeros de torturas. Entonces traerá mujer e hijos.

 Mientras tanto ya Inés, desdentada y enferma mental, había sido liberada al desaparecer la inquisición. Los terribles años en presidio dejan en ella unas enormes secuelas. Ella querrá encontrar a su hijita, arrebatada por la siniestra organización religiosa. Acudirá a Goya, pues sus padres han muerto fruto del fulgor revolucionario y ambos tratarán de encontrarla. Goya pedirá ayuda al antes cura e inquisidor y ahora oficial napoleónico pero, otra vez, será vil y cruel con su anterior víctima. No hará nada por ayudarla, la internará en un manicomio, empeorando todavía si cabe su delicada situación mental.  La hija, Alicia, fiel retrato de la madre, interpretada por la  misma Portman, no llegará a conocer a la madre y será prostituta para ganarse el sustento.

   La película es muy mejorable por toda una serie de avatares. Parece imposible así calificarla con la dirección de Milos forman, guión de Jean-Claude Carrière y los actores de primer nivel que actúan: Bardem, Portman, etc. y sin embargo el que mejor está en su papel es Skarsgard como Goya que aunque no decisivo en el argumento, hace una interpretación más que creíble. Bardem está muy mal, no sabemos si por su propio auto-doblaje.  Y Portman, con su belleza arrebatadora que siempre sabe ganarse el favor del público, está justita, aunque tiene el mérito de interpretar dos personajes que tienen matices diferentes y aparecer en el primer papel, el de Inés, como un monstruo que emerge del  averno de la inquisición. Se hace difícil verla es ese estado de fealdad, ella que es un mito sexual en cada cosa que toca.  Por lo que respecta a Forman podemos decir que su dirección está bastante desacertada: planos muy cortos con muchos primeros que no saben extraer la expresividad y el sufrimiento que los personajes principales sufren.

   El guión es muy irregular aunque posiblemente por ser excesivamente ambicioso: trata de abordar demasiados aspectos de la sociedad española de la época de Goya, con sus cambios históricos tan rápidos, evoluciones e involuciones incluídas, una gran carnaval de personajes y situaciones a cual más complejas. Es pretencioso y por eso naufraga aunque no omite elementos positivos como la progresión dramática, tan negra como toda la época que retrata. La ambientación, atrezzo y vestuario logra una recreación bastante fidedigna, no se esperaba menos en una superproducción norteamericana.

 

  Es por tanto una obra de dolor y sufrimiento, que Forman martiriza con esos planos cortos de los que hablábamos, hay que verla así. Una película del sufrimiento de todo un pueblo ( el español), de unas clases privilegiadas que ven perder esos privilegios por obra y gracia de la revolución, de Inés y su familia martirizada por el anacrónico Santo Oficio y por Lorenzo, de su hija desconocida Alicia, criada en un orfanato y llevada  a la prostitución y de Francisco de Goya que pasaba por allí y que no es capaz de sustentar nada, con su sordera, alejamiento, dolor y olvido. Un mundo de fantasmas que solo el genio de Goya supo retratar en su excelsa obra pictórica.

WILDE (1997)

  Interesante retrato del afamado y genial escritor británico Oscar Wilde, en una Inglaterra prejuiciosa, de moral pacata y conservadora, en la etapa victoriana que dió con sus huesos en la cárcel por sus relaciones homosexuales tras un juicio que sirvió de escarnio público para él y su familia heterosexual   y que lo condujo a un estado de postración física e intelectual que pagó muy caro en su propia salud, que no en su labor creativa que continuó tan lúcida como siempre.

 

   La historia está muy bien trazada, cronológica y sentimentalmente porque, en el fondo, es una historia de amor. Un amor desbordante que Wilde sentía por la vida sin más, por el amor, por la naturaleza, por su familia e hijos y por su amante Alfred Douglas ( Jude Law) en el que cree descubrir la belleza pura y auténtica, un ser al que jamás dejó de querer a pesar de su alejamiento de dos años en la cárcel.

  Vemos durante la película a un Oscar Wilde desbordante: ocurrente, inteligente en casi todo lo que decía y hacía. Incluso en su peculiar relación con el padre de su amante, el  marqués de Queensberry ( Tom Wilikinson) que lo denunciará por sodomía. Sin embargo él  no  perderá nunca la calma, será un auténtico gentelman inglés, intentando dialogar con él y evitar el escándalo por evitar sufrimiento a su mujer y su familia.

   El guión se centra en ese problema que era ser homosexual en la sociedad inglesa que le tocó vivir, deja de lado otros aspectos interesantes o, al menos, los toca de pasada, sobre todo su carrera literaria e intelectual. Sin embargo consigue mantener al espectador a la espera de un destino que ya conoce de antemano.  Dentro de la película vemos la utilización del cuento el gigante egoísta   que el protagonista utiliza y sirve de nexo entre las distintas partes de la narración, cuando juega con sus hijos en el jardín e intenta explicar de esta sutil manera quién es en realidad su padre y que deben aprender y saber el gran amor que por ellos siempre a pesar de su naturaleza sexual.

La ambientación está muy lograda y detallada, consiguiendo el director un buen conjunto visual que nos cautiva. El ritmo de la película es pausado pero no se hace tedioso en ningún momento. Las imágnes del sufrimiento y trabajos forzados de Wilde en prisión son conmovedoras y nos hacen reflexionar sobre la injusticia y la discriminación en una sociedad supuestamente avanzada.

 Lo mejor de esta película es la actuación del actor británico  Stephen Fry que consigue reflejar la extraordinaria y poliédrica personalidad del autor inglés. El actor británico consigue una magnífica caracterización del genio inglés: no sólo en el aspecto, sino en sus  ademanes, en su forma de caminar y hablar y en su extraordinario sentido del humor.  Jude Law realiza una convincente labor teniendo que lidiar con un personaje también  es muy complejo, que gusta y desagrada por igual. El resto de actores secundarios también brillan a gran nivel: la esposa de Wilde, Constance (Jennifer Ehle), en particular representa ese papel de sufrimiento por una situación que le desborda, junto a sus dos hijos, abandonará a su marido y cambiará su apellido.

   Un biopic del escritor británico que resulta interesante y tremendamente conmovedor. Un gran documento para entender una sociedad conservadora y plagada de prejuicios. Y un precioso retrato del amor y del desamor. Recomendable.

  

THE QUEEN ( LA REINA ) ( 2006)

  The queen ( La Reina) es Hellen Mirren. Y esta afirmación no es baladí.  Porque lo que debemos destacar de esta película es la fabulosa interpretación de la actriz inglesa, interpretación que justamente le valió el Óscar de la academia. Todo lo demás puede parecer accesorio viendo su actuación. Sin embargo la película tiene un interés que casi se convierte en obscenidad. Porque Stephen Frears pone la cámara en el interior del palacio de Buckingham y en Balmoral cuando la familia veranea en Escocia. Entra en en las habitaciones particulares de la reina y nos enseña la intimidad regia con una gran naturalidad, es como si hubiese perforado el muro del palacio londinense y hubiese insertado una cámara oculta ( aunque no utiliza este tipo de planos-visión). El derecho a la intimidad salta por los aires desvelándonos todo lo ruín y humano que una familia corriente puede llegar a expresar, a vivir en definitiva puertas adentro de su domicilio. Este es uno  de los grandes logros del film porque la familia "espiada" no es la del común de los mortales sino, como decimos, la de la Jefa del Estado y de la Iglesia de Gran Bretaña. Ahí es nada.

   Y además esa cámara que nos desvela las miserias de la reina aparece en el peor momento de su reinado cuando acaba de morir la Princesa Diana. Estamos en septiembre de 1997. Por su actitud fría y distante se va a producir una crisis de consecuencias imprevisibles. El pueblo británico, todavía en estado de shock, comienza a mostrar una enorme indiganción por su actitud. Indignación que a punto estuvo de dejar muy tocada la centenaria institución inglesa. Solo una decidida y enérgica actuación del del Premier Tony Blair ( Michael Sheen), un primer ministro laborista, hizo posible la reconducción de un asunto que estaba a punto de estallar en las narices a la familia real.  La reina Isabel II no sentía especial simpatía por la princesa Diana porque esta había provocado uno de los mayores escándalos que se recuerdan en una casa real: se había divorciado del Príncipe de Gales, Carlos, heredero y futuro rey. Además Diana se había mostrado como una mujer liberal al tratar de rehacer su vida pese a tener la pesada carga de ser madre de príncipes y del  futuro heredero. Eso exasperaba a la reina que creía que no era digno de su situacíon su licenciosa vida privada. Una hipocresía total y absoluta teniendo en cuenta las andanzas de su familia sanguínea. 

   Cuando se produce la muerte de la ex-princesa de Gales en un túnel de la ciudad parisiense Isabel se mostrará sorprendida y disgustada por el deceso pero no sabrá darle la importancia y solemnidad requerida a un suceso que atañía a la que ya era considerada como "la princesa del pueblo" por la gran popularidad y simpatía que había despertado Diana entre los británicos. La reina se mostrará distante y fría tratando de no darle la importancia que en realidad tenía para el pueblo británico la impactante noticia. Tanto es así que, ni corta ni perezosa, no cambiará sus planes de marcharse  durante unos días a Balmoral junto a su marido el príncipe Felipe en pleno duelo nacional por Lady Di. 

     A partir de ese momento vemos reflejada en la película la parte política del asunto, los hechos que, rápidamente y en cuestión de días, diríamos de horas, se desencadenan por la actitud real. Observamos de que forma el Primer Ministro habla con la reina por teléfono y trata de reconvenirla para que acepte su rápido regreso a Londres en donde multitudes enfervorecidas y lacrimosas depositan centenares de coronas fúnebres a la puerta de palacio donde ni tan siquier ondea en señal de duelo la bandera nacional. Blair se va a dar cuenta enseguida ( hay que pensar que llevaba poco tiempo en el cargo) de la importancia política que la situación podía albergar y que podía incluso perjudicar a su propio gobierno, no solo a la monarquía. Isabel se muestra tajante de no querer regresar y plantea el tipo de funeral que se debe hacer a Diana. Por supuesto se niega a que sea un funeral de estado. Hellen Mirren dibuja un perfecto y detallado retrato de una persona con una elitista educación y visión del mundo y, a la vez, una falta de sensibilidad humana que asombra al espectador.

    Blair supo captar el sentimiento de un pueblo y transmitírselo a Isabel II que fue cambiando de actitud: primero compareciendo en televisión ofreciendo unas breves palabras de duelo y después aceptando un funeral de estado. Resulta paradójico que un político laborista con una mujer que se muestra a lo largo de toda la película como contraria a la monarquía decide apostar fuerte por la reina tras reunirse con su gabinete de crisis, con un conjunto de asesores que ven una oportunidad para afianzar su prestigio personal utilizando a la monarquía, apareciendo como el salvador de una situación que no creemos que fuera tan extrema como se dibuja. Algo de político hábil y dispuesto a marcar una larga etapa en la política británica se observa en la actitud del primer ministro y su equipo.

  Maravillosas son las escenas en las que la reina queda sola en la campiña escocesa preocupada en extremo por el destino de unos ciervos, un destino incierto mientras todo un pueblo llora la muerte de su tótem, de una mujer que pasaba a la categoría de  mito. Y con los mitos no conviene jugar. Menos si eres un Jefe de Estado no elegido por las urnas. La película consigue alcanzar un sutil equilibrio entre lo serio y lo caricaturesco. El guión está bien construído aunque en ocasiones puede hacerse tedioso. Debemos ver la película como un ejercicio de introspección en una mentalidad arcaica, casi antidiluviana y su choque con otra mentalidad más abierta y de otra época, la de su propio hijo y la de Blair, que establece con la reina unos diálogos en los que finalmente se impone la firmeza del poder ejecutivo aunque la reina trata de pastorear al político aconsejándole casi como si de un hijo se tratara. Es el choque entre dos épocas en el que triunfa Blair pero dejando su propio espacio y opinión a la soberana con la sombra alargada del cadáver de Diana presente en todo momento. Para que no nos alejemos de los hechos reales el director introduce imágenes televisivas de aquel momento en las que se observa el clamor popular por un entierro digno para su heroína y por conseguir que la reina sea otra vez su reina, que escuche a un pueblo que en el fondo quiere volver a entregarse a su reina como siempre lo había hecho desde que muy joven asumió la tarea de simbolizar a una nación.

   El resto de actores, incluído Sheen, hacen un buen trabajo de caracterización porque tienen que parecerse a los personajes reales que interpretan aunque no llegan a la altura de la Mirren. Un acierto porque parece que estemos viendo un documental de aquellos momentos, reviviendo en nuestros propios recuerdos aquellos acontecimientos. A destacar también el papel de la reina madre, un personaje que mantiene una imagen impoluta como abuela querida por el pueblo pero que revela una mentalidad ultraconservadora. Un buen documento histórico revelador de la personalidad de un personaje casi eterno en un momento muy delicado para su posición. Una película que nos indica también el nivel de libertad y democracia de un país en donde se pueden contar cosas insospechadas de todo un jefe de estado, además en pleno ejercicio. ¿Aprenderemos alguna vez?

RASPUTÍN ( THE MAD MONK)

    Pasable cinta de la Hammer, pretendidamente de terror, pero no tanto. Rasputín no es una película histórica al uso. Es más bien una aproximación al malvado personaje del monje ruso que terminó de destruir la reputación de la familia real rusa en los albores de la Revolución de 1917. Recuerda más a la saga de Drácula por la estética y la actuación de Christopher Lee es demasiado forzada y poco convincente. Demasiado enlatada. La película se deja ver pero nada más. La caracterización de Lee es bastante aproximada a la realidad, aunque el atrezzo resulte un poco penoso visto hoy día. No esperéis ver la realidad histórica pero sí a un personaje malvado, mujeriego, alcoholico y destructivo que dominó a la zarina Alejandra y provocó en gran medida la Revolución Rusa de 1917. Como documento histórico está poco trabajada, es más bien una mezcla de todos los tópicos más siniestros sobre este enigmático personaje. Recomendable para los fanáticos de la Hammer, no recomendable para los no seguidores de este tipo de cine, ni siquiera, como digo, como documento histórico.