CASABLANCA (1942)

 

    Casablanca, uno de los grandes clásicos de la historia del cine, está atravesada por la mirada de Bogart, fría y distante, cálida y rota. No nos podemos imaginar esta película sin la presencia todopoderosa de su principal protagonista, de Rick, el dueño del club que acoge, todas las noches, en la Casablanca controlada por la administración francesa pronazi durante la II Guerra Mundial, un compendio de lo que era el mundo en su tiempo. El club, principal escenario de interior, es un microcosmos en el que, más allá de las corruptelas, la prostitución, el juego, el alcoholismo y algunas otras bajezas, que se muestran sin ningún reparo, aparecen los dos principales actores de la Segunda Guerra Mundial: nazis contra aliados representados en diversas figuras paradigmáticas que simbolizan la lucha por el dominio del mundo que se libraba en aquellos mismos momentos. Pero el club de Rick es también el escenario perfecto en el que todas las pasiones se desatan, en especial el recuerdo amargo de un amor imposible, de una ruptura dolorosa, de un reencuentro esperado, ansiado y la de una partida definitiva marcada por un enorme sentido de la dignidad y de la probidad, a pesar de que nuestro protagonista se deslice en ocasiones por sendas tenebrosas.

    En la vida se presentan en algunas ocasiones un momento dramático en el que hay que optar entre el bien y el mal y solo los más dignos son capaces de anteponer su interés personal al de la colectividad. El bien mayor, la libertad del ser humano, frente al egoísmo del beneficio individual. Sin embargo, en este caso, la lección de Rick es todavía más noble. El amor infinito, el bienestar al lado del ser amado, ¿debe anteponerse a la idea suprema de la lucha por la libertad?. O dicho de otro modo: ¿debe un hombre enamorado febrilmente poner por delante su amor a cualquier tipo de condicionante moral?. Nuestro protagonista, hombre honesto, responde que no, aunque eso acarree un dolor imposible de mitigar, ni siquiera al lado de un verdadero amigo. Y aunque subyace un machismo propio de aquellos tiempos ("pertences a Víctor") no cabe duda de que toma el camino más doloroso pero también el más recto. Por eso Rick, Bogart, Bogart, Rick es "uno de los nuestros", en palabras de Conrad, es "el bueno" en un mundo de "malos", es el idealista brigada internacional que luchó contra el fascismo de Franco en España aunque trate siempre de aparentar frialdad. Siempre con los buenos o, al menos, con los que él siempre creyó que eran los buenos. Por eso, cuando en un alarde de dignidad, suena la Marsellesa (momento cumbre de la obra), Rick da el "placet" con sus ojos poniéndose del lado de la democracia y la libertad.

 

  La película, de 1942, narra la situación desesperada de muchos refugiados que huyen de la ocupación francesa por las tropas de Hitler hacia esta ciudad del Marruecos francés, teóricamente bajo gobierno la Francia no ocupada, es decir, del régimen fascista del general Petàin. En una de las primeras escenas, mientras la cámara cae en picado hacia una de las populosas y estrechas callejuelas, en la medina (aunque la película no fue rodada allí) un delincuente huye de la policía y es abatido por la espalda delante de un enorme cartel del dictador francés. Una de tantas imágenes icónicas de un film poliédrico, lleno de matices. También de humor. Un humor lleno de sarcasmo, sobre todo centrado en la socarrona figura del inigualable capitán Louis Renault, un magistral Claude Rains, sátiro, corrupto, inigualable. Su presencia da mucha consistencia a la película, al margen de su papel represor y canalla.  Inolvidable también la actuación de Ingrid Bergman en el papel de Ilsa, la femme fatale de esta historia. Mujer de una belleza soberana, en el fondo enamorada de Rick, establece con su llegada un punto y aparte en la narración fílmica. 

      Su aparición, junto a la de su esposo, el resistente checo Laszlo (Paul Henreid) da un giro copernicano a la vida de Rick Blaine, nuestro Rick. Ilsa había sido su vida, un amor verdadero en el París (siempre nos quedará París, dice al final) previo a la ocupación. Esa mujer le hizo mucho daño, un daño irreparable. Su olvido había sido su mejor medicina, la lejanía y el olvido. Pero, de repente, ella regresa, como esposa del héroe, del resistente, del luchador. Difícil de asimilar, nuestro protagonista sufre una fractura interna. La desprecia pero la ama irremediablemente. Reaparecen los recuerdos de aquel tiempo feliz en París y los sinsabores del abandono. De ese tren que está a punto para escapar del horror al que ella nunca llega. Entonces Ricky, acompañado de su sempiterno amigo Sam, el cantante y pianista de su bar, parte para su exilio marroquí, roto y amargado para siempre.

HABITACIÓN EN ROMA (2010)

  Vuelta de tuerca en el barroquismo del imaginario de Médem, pero en parte fallida vuelta en esta ocasión.  Ese mundo tan especial y, en ocasiones, caótico del director vasco queda aquí reducido y encorsetado en una habitación de hotel.  En esta ocasión para mayor gloria de las dos intérpretes de este diálogo lesbiano: Elena Anaya (Alba) y Natasha Yarovenko (Natasha). El argumento de la película permite a Médem rodar una buscada instrospección y alcanza a rozar un sentimiento humano puro de amor, sexual y sensual, erótico y emotivo. Logrará una atmósfera repleta de erotismo dentro de la pequeña estancia. Ambas irán reconociendo, poco a poco, que algo más que una simple amistad les une. A pesar de sus diferencias culturales, físicas y geográficas crecerá un sentimiento que acabará por derrotar las barreras mentales de ambas. Serán amigas, amantes y cómplices: relatarán sus vidas y compromisos, reconocerán sus amores previos, pretendidamente sólidos que acabarán derribados.

 

  Dos personas que se cruzan por azar en la vida, además, en la bella ciudad italiana y marchan por una estrecha calle romana, Via dei coronari, sin saber todavía lo que les depara la noche. Alba invita a su nueva amiga a subir a su habitación. Ella, carente de experiencias lésbicas, acaba aceptando. En la fachada del hotel de Alba tenemos tres astas de banderas. Dos están ocupadas pero una permanece vacía, como símbolo de lo que puede deparales su encuentro. Pronto comienzan a descubrir en la habitación del lujoso hotel que tienen algo más en común que el sexo. Son dos mujeres que Médem nos muestra insistentemente desnudas pero con una complicidad que va más allá de los simples convencionalismos en estos casos. Se produce una interconexión emocional entre ellas que dará paso a una romántica noche que no querrán que finalice nunca y que, después de despuntar el alba deberán abandonar para no volver a verse jamás, ¿o quizás no?. Especial atención muestra el director en la decoración de la habitación que es casi tan protagonista como el duo de actrices principales: los cuadros, esas pinturas renacentistas que Natasha conoce de memoria y el eterno cupido que desde el techo está siempre presente de manera alegórica.

  

 Aparentemente parece que la historia no es que tenga mucho más que ofrecer en muchos aspectos y, profundizando un poco parece toda una reflexión quasi filosófica sobre el amor. Los diálogos tratan de avanzar en este camino pero se hacen monótonos, repetitivos, salpicados de las escenas puramente eróticas. Alba lleva la voz cantante en la cama y en una amistad que va creciendo con el metraje. Natasha, que juega con su identidad confundiendo a Alba con su verdadero ser, no se atreve a reconocer que se ha enamorado y que ya nada será como antes en su vida. Ella está prometida y se va a casar en breve, tiene una hermana gemela que anda por Roma investigando el renacimiento, además es tenista profesional. Aunque no llegamos a saber si es ella la tenista y su hermana la doctorando en historia del arte o al revés. Las dos se divierten( juntas, en la ducha, cantan "volare")  y se aman pero en la cama quien demuestra mayor ímpetu y dominio de la situación es Alba que mantiene una relación con otra mujer en su país y que ha sufrido la pérdida traumática de un hijo. En realidad ambas tienen mucho que contarse: ambas han sufrido. Y entoces la película deja de ser puro sexo, dos tías en bolas, todo el rato desnudas y achuchándose ferozmente y empieza a ser la historia de ambas, sus miserias y logros en la vida. 

 

     Decía que la historia no era muy original. No en vano Médem se ha basado en otra película. Habitacíon en Roma es una secuela de "En la cama" de Matías Bize y además no podemos obviar las influencias de El último tango en París. Es esto lo que nos aleja del Médem puro y auténtico que parece ausente en este film. El desarrollo de la historia se llega a hacer tedioso, algo desconocido en el director español. Parece no avanzar, como si la noche no llegara a su fin. Diálogos breves interrumpidos por sexo lésbico a raudales. Interrupciones para ver el ordenador, google maps para visualizar sus respectivos hogares.  El amor y la muerte como símbolo ya que  ambas han conocido la tragedia está tan solo apuntado en el guión. Y, por el contrario, hay momentos supuestamente cómicos que podrían ser prescindibles, como el karaoke o el juego sexual con una botella.

  

  La interrupción nefasta del camarero que rompe esa ilusión de dos únicos intérpretes a lo largo del metraje, un camarero italiano predispuesto a todo que llega a proponer un trío. Verdaderamente absurdo lo de este personaje, prescindible por completo. Lo mejor llegará con el final, que emociona en unos momentos en los que, despuntando el alba, en esa Roma milenaria, con el cielo romano que verdaderamente parece el paraíso, las dos amantes llegan al máximo de compenetración unidas piel con piel en una bañera en la que dan vueltas sin parar. El desayuno bajo la tenue luz romana es lo que da cierto sentido a la película, esa compenetración de dos almas que saben que tenían que encontrarse en algún lugar del universo porque estaban hechas la una para la otra.

  En cuanto al duo protagonista hay que señalar que están ambas correctas, Elena Anaya mucho mejor, con más seguridad en lo que está haciendo, convincente en su papel de lesbiana. Yarovenko mucho más floja, a veces forzada. Al margen de ellas, una fugaz  aparación en un video de Nawja Nimri, que no se puede siquiera comentar y el desafortunado camarero italiano cierran el elenco protagonista.  Quizás lo más desconcertante es que, al estar rodada en inglés, el doblaje resta naturalidad a las interpretaciones.

La banda sonora es magnífica con temas excelentes de Russian Red ( la maravillosa Loveng strangers) y esos temas barrocos y cadenciosos, cual arias de ópera de Jocelyn Pook que se van repitiendo en los momentos más románticos y singnificativos quizás demasiado machaconamente.

   Técnicamente la película está muy bien realizada, como siempre sucede con Julio Médem aunque en mi opinión abusa de primeros planos y busca perspectivas inverosímiles en esa oscura habitación, planos cenitales que ayudan a forzar la tensión dramática. Utiliza magistralmente el travelling ascendiendo y descendiendo desde la calle hasta el interior. Sin embargo no creo que dentro de su filmografía acabe ocupando un lugar destacado este film. Quizás una oportunidad perdida, como ese final incierto, esa bandera en el asta de la esperanza, un final ciertamente increscendo, lo mejor de la película.

ALBERT NOBBS (2011)

  Glenn Close buscaba con esta producción en la que ella pone también la pasta conseguir su ansiado Oscar y lo cierto es que a punto estuvo de ello. Sin embargo, en esta ocasión no se lo merecía. No digo que no haga un buen papel como el retraído  y pusilánime mayordomo de un viejo hotel dublinés del siglo XIX. Pero el excesivo maquillaje ( no sé porque tanto con sus facciones hombrunas) y su encorsetada manera de actuar ( quizás todo el atrezzo de ir disfrazada de hombre lo necesitaba) le resta mucha credibilidad, aunque como digo, siempre Close está bien, pero deja escapar una oportunidad a huevo. Por otro lado la película ( con varias nominaciones al Óscar) no aporta mucho a la consabida historia de la mujer que tiene que fingir ser hombre para poder subsistir en una sociedad machista y arcaizante. Nobbs atiende desde hace décadas en un hotel aristocrático y, como todo el servicio, habita en las habitaciones del ático. Debajo de un trozo del suelo deposita todos sus ahorros, que han llegado a ser ingentes. Su ilusión sería ahorrar lo suficiente para establecerse por su cuenta pero la soledad le atenaza.

   Un día llega un pintor para reparar algunos desconchones del avejentado edificio. Como debe hacer cama la regente decide que duerma en la habitación de Nobbs. Él se resiste pero finalmente debe dormir con el grandullón pintor de brocha gorda. El problema se suscita cuando una pulga le obliga a desnudarse advirtiendo entoces su compañero que es una mujer. Aterrorizado, Nobbs le promete  el oro y el moro para que no revele su secreto, que le costaría el trabajo y el honor. Sin embargo, sorprendido, descubre que el pintor grandote es también una mujer que se hace pasar por un hombruno obrero, es un travesti. Y para su sorpresa, está casado con una mujer. Esta actriz, Janet McTeer, está soberbia en su papel. Ella ( o él) consiguen animar a Nobbs, que sueña con tener también esposa y regentar un pequeño estanco. La elegida por Albert parece ser una de las camareras, muy mona ella (  Mia Wasikowska), en un nuevo papel a su medida. El problema o inconveniente es que se ha enamorado de un truhan que la deja embarazada.(todo muy tópico y típico, ¿verdad?).

    Como podemos comprobar la historia es lo de siempre, está muy trillada ya, en mi opinión. No aporta nada nuevo, solo el ver a una desesperada Close en busca de reconocimiento en un papel inverso al de Tootsie ( Dustin Hoffman) pero que no llega ni a la altura del betún. Técnica y formalmente la película está bien, aceptable: buena ambientación y escenografía adecuada, vestuario correctamente seleccionado y escenas agradables de exteriores, como la de la playa. Los decorados interiores muy conseguidos también. La música correcta y preciosa la canción de Sidney O'Connor.  Y el director, Rodrigo García, continúa aquí su carrera ascendente.

 Sin embargo la película se queda en un ensayo a mayor gloria de Glenn Close aunque no hay que desdeñar la enseñanaza social que aporta, de una Irlanda puritana y atrasada, pacata, vergonzante, extremadamente dominada por el catolicismo imperante y la relación de este mundo con una homosexualidad que se debe esconder a toda costa.  

 

LOS AMANTES DEL CÍRCULO POLAR (1998)

  Un cúmulo de sensaciones y emociones arrebatadoras y perturbadoras se asientan en aquel espectador que tenga un mínimo de sensibilidad después de visionar esta obra de arte. Podemos poner todos los reparos que queramos, que si esnobismo, que artificiosos alardes poéticos, que si pedantería intelectualoide, engaños argumentales o tomaduras de pelo. Pero esto es cine señores y de muchos quilates, cine con mayúsculas porque todo eso también es cine.

  Reconozcámoslo, Médem lleva a cabo una de  sus más geniales creaciones. Consigue atrapar con ese cine circular y simbolista, lleno de imágenes sugerentes y evocadoras de una belleza deslumbrante. Es de esas películas que, después de ser vista, se estanca en nuestra imaginario durante mucho tiempo porque es una película capicúa, como no se cansan de repetir sus dos protagonistas esenciales, Otto ( Fele Martínez) y Ana ( Nawja Nimri), es decir, es una película que puede ser vista de principio a fin al igual que desde el final al principio: inicio y fin son el mismo, los impresionantes ojos de Ana en los cuales se refleja el rostro compungido de Otto dan inicio y final a esta extraordinaria historia de amor. Médem busca eso precisamente, jugar con el espectador creando un conjunto de símbolos que se repiten y giran contínuamente alrededor de él.

  Sin embargo lo que Médem quiere contarnos es una historia de amor poco convencional, la de dos chiquillos casi adolescentes que, por las casualidades del destino ( algo que a su autor tanto gusta representar) se encuentran en un colegio religioso de EGB en los primeros ochenta, en donde separan a niños de niñas. Allí se enamoran profundamente y por esos azares de la vida acaban viviendo juntos como hermanastros: la madre de Ana, viuda, se enamora del padre de Otto, separado. Aunque al principio Otto y Ana, Ana y Otto viven cada uno con sus madres, es Otto el que da el paso de estar mucho más cerca de Ana, yéndose a vivir con su padre y dejando a su madre sola, algo que después tendrá terribles consecuencias y que darán un nuevo salto mortal en la historia.

   Mucho de lo que nos impacta es que nadie conoce el amor de estos dos adolescentes hermanastros, el secretismo con el que llevan su amor, en una sociedad todavía arcaizante, llena de prejuicios morales. Pero ellos siguen adelante porque su amor está por encima de todo lo comprensible a pesar de que la vida los separará irremediablemente y los volverá a unir en el círculo polar, en una Laponia en la que ambos habían soñado años antes como si de un juego se tratase y que en realidad acabará resultando ser el momento final de su eterna unidad. 

   Porque Ana y Otto son uno, están unidos desde que nacen aunque ellos no lo sepan por una serie de azares del destino que se remontan al origen del nombre de él, a un aviador alemán que ha bombardeado Guernica en la Guerra Civil Española y que ha sido salvado del olvido y de unas ramas que lo retienen en lo alto de un árbol por su abuelo. Este mismo aviador, Otto, logrará huir a Finlandia no sin antes enamorarse y casarse con una desvalida chica vasca que será el amor de su vida y que engendrará a Álvaro, el tercer amor de Olga, la madre de Ana. Y precisamente este Otto, el original, será el cauce del destino final del amor inmortal del duo protagonista cuando, ya mayor, consigue la preciada cabaña a orillas de un lago para Ana. Un lugar en el que se refleja la belleza de un sol que nunca llega a ponerse, que planea sobre el horizonte, el lugar en el que Otto, el protagonista, va a lanzarse en paracaídas, como  60 años antes había hecho el anciano sobre una España en Guerra.

   Todo este aparente galimatías se resuelve con facilidad si nos olvidamos de lo accesorio y nos mantenemos fieles a la historia central de ese amor apasionado, adolescente, de una fuerza sobrecogedora, aunque parezca casi imposible que Álvaro y Olga no descubran nunca a Otto y Ana en la cama desnudos durante tantas y tantas noches apasionadas de amor.  Cierto que siempre se pueden observar pequeñas fallas en el guión pero, ¿en qué película no las hay?. Esas escenas del amor adolescente, esa imagen del beso debajo de la cama ya algo más mayorcitos, la cruel separación después de la muerte de la madre de Otto, ese encuentro en la plaza mayor donde nosotros deseamos que se vean...pero no lo hacen, los autobuses rojos, en varias ocasiones, las imágenes en sueños de Otto tras su intento de suicidio. Son imágenes que se intercalan con situaciones casi oníricas en esa tensa espera cargada de soledad y diría de frialdad de ambos contendientes.

    Porque Ana resulta fría al iniciar una relación con un profesor que le saca media vida e igualmente al romperla y viajar a Finlandia en busca del amor que ambos se prometieron. También Otto resulta inquietantemente gélido en su aventura aeronaútica, ya anunciada ( un tanto pedantemente) en el bombardeo de avioncitos de su adolescencia. Parecen seres oblícuos, que poco tienen que decirse y, sin embargo, en todo momento, se mantiene el amor apasionado que solo se verá truncado en ese final que nos acongoja por su dramatismo pero que, al mismo tiempo, esperamos desde el principio. Un final amargo y dulce al mismo tiempo, un accidente de circulación en el preciso momento en el que ambos se unen y una pupila dilatada que indica el último estertor de Ana viendo a Otto a su lado, una  muerte dulce.

   Como siempre en Médem, simbolismos mágicos, tramas argumentales muy elaboradas, quizás forzando excesivamente la máquina pero cine en definitiva y con mayúsculas. Música muy adecuada del oscarizado Alberto Iglesias. E interpretaciones muy conseguidas en todos los secundarios que adolecen de algo de ese alma que nos transmite la historia en los dos protagonistas principales ya de adultos. Pero prevalece un magnífico argumento, se impone el amor por encima de todo que nos hace perdonar la falta de voz de Nawja Nimri o los excesos de Fele Martínez.  Una película imprescindible en la filmografía del controvertido y genial Julio Médem.

UNA VIDA MEJOR (2011)

    Una vida mejor es una película que narra con bastante crudeza los sinsabores de una pareja que busca en el mundo financiero, como todo hijo de vecino, poner en pie un negocio de hostelería a través de una serie de préstamos bancarios a los que no podrán hacer frente. Y ahí empieza el drama que se va tornando en crítica a la actual crisis económica que nos asola. Carga las tintas contra el propio organigrama administrativo del Estado cuando, al no superar una rutinaria inspección, no obtienen la licencia de apertura y, con ello, los ingresos necesarios para hacer frente a las deudas que han contraído con el banco, la principal, y con otras financieras, los préstamos personales que necesitaban para pagar todos los gastos que les van surgiendo.

   Se trata, ante todo, de una película realista que nos muestra de manera objetiva como el poder económico, la administración y la banca, ahogan a una clase media-baja cada vez más baja, más humillada, que lucha para salir adelante y mejorar su escasa calidad de vida en una sociedad donde la desigualdad se va haciendo cada día más patente. 

  

   Ella es Nadia (Leïla Bekhti)  una camarera de origen inmigrante con un hijo pequeño, Slimane, que jugará un papel importante a partir de la segunda mitad del film. Yann (Guillaume Canet) es un cocinero profesional que la conoce cuando intenta pedir trabajo en la empresa hostelera en la que ella trabaja. Inmediatamente consigue que ella le conceda una cita al terminar su trabajo y lo que parecía una inocente cena sin mayor trascendencia acaba con él en casa de ella pasando la noche. Pronto comienzan a salir y a planificar una vida juntos con la ilusión de montar un negocio que se les va de las manos en cuanto al presupuesto y a la necesidad imperiosa de un capital del que carecen.

  Entonces entra en juego el temido banco. Utilizando alguna treta consiguen un préstamo que pronto se muestra insuficiente para cubrir la compra y posterior reforma de la casa que pretenden transformar en restaurante rural. Todo parece caminar con paso lento pero seguro aunque pronto se dan de bruces con la amarga realidad: los impagos aparecen pronto, el banco se entera de sus tejemanejes y va a por ellos sin piedad. Así, la relación se deteriorará inexorablemente hasta que ella se marcha a Canadá a trabajar después de una desagradable discusión en la que llegan a las manos. Ella pide como último favor a su ex cuidar de su hijo hasta que pueda reunirse con ella más adelante pero la cosa se irá complicando hasta que nos enteramos que a Nadia las cosas no le han acabado de salir bien y está entre rejas.  

  En un último intento de salir a flote el protagonista roba a los mafiosos cobradores de los alquileres del miserable edificio en el que malviven. Aquí aparece el asunto de las inmobiliarias y su falta de sensibilidad justamente con los que más padecen la crisis. Entonces deberá huir lo más rápidamente posible para coger el avíon y plantarse en Québec, lugar en el que sus deudas ya desparecerán, donde el registro de morosos no le impidirían rehacer su vida. El niño será testigo de todo lo que sucede a su alrededor y sabrá adaptarse estupendamente a la situación dolorosa, si bien desconocerá hasta el final el trágico destino de su madre.

   Se trata de una película fallida. Aunque la historia podría ser verosímil, de eso no cabe duda, porque aborda temas de gran actualidad, sin embargo tanto algunos aspectos de la relación como la posterior huída hacia delante, hacia un futuro incierto en el extranjero, como nuevos exiliados de su patria por culpa de la crisis no acaba de ser contada con la credibilidad necesaria. Tampoco los actores dan la talla aunque lo que quizás más lastre la película sea el débil guión que convierte una situación creíble en una inversímil a todas luces con una ñoña intervención del niño que espera para reunirse con la madre dramáticamente encarcelada.

  El duo protagonista, como decíamos, no roza la excelencia. Bien al contrario, no acaban de creerse sus propios papeles, tan solo los secundarios están a la altura: obreros, pobres que vivien en un triste suburbio de las afueras, mafiosos, directores de oficina. Ellos son los que dan algo de brío a la película que, no obstante, sirve de crítica al terrible sistema neoliberal que nos asola en estos tristes momentos. Si queremos ver una especie de documental de los estragos que han causado los banqueros con su crédito barato y fácil en una sociedad cada vez más desprotegida esta puede ser una buena opción pero como producto artístico no resulta tan sugerente.

RESTLESS ( 2011)

  Partiendo de un argumento y situaciones interesantes, la película resulta bastante fallida. Van Sant no acierta en esta ocasión con casi nada. La película nos cuenta una historia de amor, unos romeo y julieta contemporáneos. La chica ( Mia Wasikowska) tiene un cáncer terminal y, en esos momentos tan duros pero tan bien llevados por ella, conoce al chico ( Henry Hopper). 

  

    Él tiene la curisosa afición ( cuando no manía) de asistir a todos los funerales que puede. Había perdido a sus padres no hace mucho pero parece que no acababa de aceptarlo y por eso acude a otros funerales. En ocasiones alguien se da cuenta de que no es de la familia y  lo ponen de patitas en la calle. En otras pasa desapercibido. Verdaderamente es una afición extraña. En uno de ellos se conocen y parece que saltan chispas, se enamoran. A partir de ahí se irán conociendo y gustando cada vez más, comenzarán a salir. 

  Entre medias de  esta difícil relación aparece un piloto de guerra japonés de la II Guerra Mundial, que se le aparece, que le hace compañía al protagonista masculino, que la verdad, no sabemos muy bien que pinta en todo este embrollo, es como su conciencia. Se trata de un esquema ya visto en muchas películas, machacón, que no nos sorprende lo más mínimo.

      

  Sin embargo si que se observan  aspectos posivos en el film. En primer lugar la propia situación de ambos personajes que no deja de ser algo morbosa y tierna pero no induce a la lágrima fácil. El tema del amor y la muerte y cómo a través de esta se conocen , como el chico no acepta que a ella le queden solo 3 meses de vida. Ella lo tiene muy asumido, no para de hacer cosas que le interesan, la biología y Darwin, la ornitología, el dibujo de animales y pájaros. 

    Todo eso genera un contraste interesante entre los dos amantes. También tiene momentos de humor negro que no están nada mal. Además, los dos personajes están mal, están perjudicados y por eso quizás surge esa necesidad de apoyarse, de ayudarse en tan penosos momentos.  El desarrollo del argumento es positivo, es esperanzador a pesar del drama que hay de fondo, los diálogos entre ambos son ingeniosos y todos esos momentos resultan muy conmovedores sabiendo como saben que les queda tan poco tiempo para vivir.

   Pueden incluso surgir algunos debates morales como hasta que punto somos felices y como lo sabemos o si eso depende de la duración o intensidad de nuestra relación de pareja.  Sin embargo, como decía al principio, la película no termina de convencer. Esperamos más, mucho más de este director y sus historias. Esta idea de hacer un cine independiente que lo aleje de las etapas comerciales como con "El indomable Will Hunting" , un cine indie, que no acabo de creérmelo. Parece que no tiene claro a dónde quiere llegar con esta película, que ha perdido el rumbo porque hay situaciones absurdas, que no tienen porqué aparecer. Finalmente decir que hay una grave falta de ritmo, la película se llega a hacer muy tediosa y lenta y es pretenciosa porque, en el fondo, se da ínfulas de que va a profundizar mucho en la psicología de los personajes y al final no llega a nada, no llega a buen rumbo.

LA DELICADEZA ( 2011 )

    Película de sentimientos, encontrados en ocasiones, de dramas y de romances. La película se puede dividir claramente en tres bloques bien definidos. En la primera parte Nathalie, una notable Audrey Tatou, vive su apasionada historia de amor. Es el amor de su vida, viven en pareja y todo es perfecto. Pero se desencadena el terrible drama: su amor sale a la calle para un asunto trivial y muere en un accidente trágico. Todo cambia de repente para Nathalie: ahí comienza el segundo capítulo, por así decirlo: el duelo. Es un duelo terrible, porque la protagonista ha perdido algo que realmente amaba, se aisla, no quiere vivir, pero poco a poco irá saliendo del agujero. Hasta aquí el drama romántico. Y después, la tercera parte: la comedia romántica, donde Nathalie conoce de nuevo el amor, pero un amor diferente al primero, completamente opuesto, un torpón y grandote tipo sueco que, con su ternura y timidez la sacará del atolladero de una manera ciertamente delicada.

     Markus ( François Damiens) carece de dotes de seducción, es poco atractivo, muy reservado y tímido, torpe en casi todos los aspectos y tampoco es una persona brillante que escriba bellas cartas de amor, pero transmite una ternura y bondad enormes y eso es suficiente para que Nathalie recupere su vida y se abra de nuevo al amor.  Sin embargo surgirán dificultades para que cuaje esta nueva relación, la gente no lo ve normal: ¿cómo va a ser posible el amor entre dos personas tan diferentes?. Ella, guapa y buena profesional, con dotes de mando en su empresa. Él, feo y carente de atractivo, empleado subalterno. Pero surge y he ahí el misterio del amor. Personajes tan aparentemente distintos, descubren que son almas gemelas y aunque el mundo que los rodea no los vea con buenos ojos ( solo su abuelita, en la campiña sabe desentrañar en un segundo la bondad de Markus) ellos acaban por salir adelante, no sin las típicas dificultades del personaje inseguro que interpreta Damiens.

    El jefe de Nathalie, un hombre poderoso, triunfante en la vida ( aunque no en el amor) intentará seducirla pero ella se resistirá y cuando observa que un hombre menos agraciado que él, sin poder alguno, un fracasado en muchos aspectos, ha conseguido enamorarla  montará en cólera  pero ella sabrá sacar lo mejor de sí misma para convertir la situación en un enfado pasajero y en un triunfo de su  amor.

   Los directores, hemanos y autores también de la novela, resuelven la película de manera más que favorable, con un ritmo pausado pero sin discontinuidades, saben introducir muy bien el drama y la comedia, de manera conmovedora en ocasiones, pero sin dejar de lado la profundidad a través de esa crítica social de la superficialidad, del mirar solo lo que se ve externamente y prejuzgar antes de conocer el fondo de las personas. 

  

   Hay escenas de gran comicidad, como cuando Markus, que ya se cree un galán de postín, seduce a bellas modelos, aunque sea solo un pensamiento. Esa parte cómica se hace más llevadera que toda la parte dramática, pero en conjunto es una película que rezuma dulzura y sensibilidad. Es, efectivamente, la delicadeza. 

LA HABITACIÓN CON FORMA DE L

  

     Nos encotramos con una película muy valiente para su época, 1962, y se trata de uno de los clásicos del cine británico. La crítica la considera una obra maestra, dirigida por Bryan Forber e interpretada magistralmente por Leslie Caron, que fue nominada al óscar por su papel de Jane Fosset.  La fotografía, en blanco y negro, es de una gran calidad. Una chica joven embarazada, huye de su Francia natal y de su familia a Londres. Ya podemos imaginar para que. En realidad, una vez en la capital británica, sus esquemas mentales irán variando, en una búsqueda de su propia identidad que incluirá la opción clara y definida de tener al bebé, a pesar de todos los condicionantes en contra que van surgiendo. Desde su visita a una clínica abortista, de la que sale horrorizada, hasta sus compañeros de pensión que llegan a ofrecerle unas pastillas para deshacerse del feto. Pero ella ya ha tomado su decisión, valiente, arriesgada ( hay que tener en cuenta que nos encontramos a principios de los 60 en una sociedad muy tradicionalista todavía, aunque se perciben aspectos de la liberación sexual que está a punto de estallar).  

  En la pensión encuentra a varios personajes, pero el más importante para ella es Toby ( Tom Bell), un idealista escritor que no ha logrado el éxito. Con el llegará a mantener una relación intensa, de amor- desamor. Él llegará a pensar que Jane es prostituta y que le ha engañado. La repudia y ella, desesperada tras el rechazo, toma las pastillas abortivas que le proporciona una anciana ex-actriz fracasada que vive en el piso inferior. Por suerte para ella, no pierde al feto y el amor se abre camino, aunque se suscita un dilema: Toby la quiere, pero no es su hijo, entoces: ¿debe prevalecer el amor o su no paternidad es una barrera insalbable para que los dos sean felices?.  Esa es la gran barrera que deberán salvar y que al final se dilucidará. 

   Buena película, por la  época y el debate moral que aborda, aunque de metraje excesivamente largo, lo cual es un pequeño lastre si estamos en una tarde un poco soporífera. Las interpretaciones son excelentes y la banda sonora es aceptable, incluyendo partituras de Bach. Una de las joyas del cine inglés de los 60. Imprescindible su revisión.

 
  

Las zapatillas rojas

He de reconocer que no soy muy adicto al género musical. Pero esta película, que tiene mucho de musical, me ha ido atrapando conforme iba sonando su magnífica banda sonora, trufada de excelentes fragmentos de música clásica. En realidad es una historia de amor y un drama. Pero ante todo es una historia de celos y de la dicotomía entre carrera profesional y amor. La protagonista ( Moira Shearer), que por cierto era bailarina profesional, debe optar por ser la mejor en su profesión o dejar esta para acompañar a su amor. La eterna dicotomía que solía suceder a muchas mujeres entre su carrera profesional o su marido. 

    La película se centra en el mundo de la danza clásica. Aparece una gran compañía de danza de gran prestigio internacional, dirigida por un excéntrico y enigmático personaje, Lermontov, eje central de toda la película, que recuerda mucho a los ballets rusos de Diaghilev, de hecho el personaje parece inspirado en el mismo Serge Diaghilev. Están en Londres, en el Covent Garden, y un joven compositor, Craster,  se apresta, junto a muchos otros, a acceder a una representación de la compañía. Allí reconoce que ha sido plagiado por el director, rápidamente pedirá explicaciones a Lermontov, pero este, muy hábilmente lo contrata, habiendo reconocido su gran talento.  

   Por otro lado una prometedora bailarina, la señorita Page, consigue que el tortuoso Boris Lermontov le ofrezca una oportunidad con ocasión del estreno de una nueva representación basada en "las zapatillas rojas", el cuento de Hans Christian Andersen. El glamour de la propia compañía y de mónaco, se entremezclan con las luchas entre bambalinas dentro de la propia compañía, Craster es contratado como director adjunto y, tras modificar la partitura de la obra original, dirige el estreno de la obra. El éxito es total y absoluto.

   Mención aparte merecen los 15 minutos de metraje con la representación del ballet por Shearer ( su interpretación general no es tan buena, recordemos que era bailarina profesional y no actriz).  Es extraordinario, incluso para los que no gusten de este género artístico. No se hacen pesados, la música es magnífica y la escenografía y montaje de la secuenciación es magistral. Acabada la representación Lermontov ( que está enamorado de Page) le ofrece ser la mejor, la única, la gran diva. Pero aparece el amor y el choque de trenes con Craster, el director. Cuando Lermontov se entera despide a Craster y después la gran Victoria Page debe decidir entre su apasionado amor por Craster o su carrera profesional. Lermontov la presiona hasta extremos inimaginables, él la quiere como una posesión personal, quiere hacer de ella la mejor bailarina sobre el orbe, es su forma de demostrale su amor, pero es posesivo, frío, solitario, severo y cruel. Piensa que la dedicación al arte exige que el arista, creador o intérprete, lo sacrifique todo, incluso el amor y la vida. 

    Recomiendo la visión de la película, la banda sonora es excepcional, la fotografía, en Thecnicolor, es buena. Aunque peca de excesivamente larga es ya un clásico del cine británico de finales de los 40. A mi consiguió atraparme, aunque es cierto que no a todo el mundo le gusta el género musical, la música clásica y el mundo soterrado del éxito y el fracaso artístico.