MILAGRO EN MILÁN (1951)

    Un cuento amable y divertido, mágico si queremos, con un trasfondo de crítica a la sociedad burguesa y al capitalismo más descarnado que no repara en derrotar con su bota de hierro a los más vulnerables durante y sobre todo después de la guerra que, finalmente, en un giro quasi religioso, lograrán una alucinante y a la vez inesperada victoria. Neorrealismo trufado de surrealismo, absolutamente alucinado, en esta película de Vittorio De Sica, una maravilla que se une a sus otras dos obras maestras del período neorrealista: la inigualable "Ladrón de bicicletas" y "Umberto D", ambas, como  esta, imprescindibles.

   Aquí el genial autor italiano consigue aunar un punzante y divertido humor, casi podríamos decir, inocente, ese tipo de humor que no necesariamente extrae de nosotros carcajadas sino sonrisas de complacencia, con la oscuridad, la imagen borrosa, propia de la terrible realidad de la época, la miseria tras la guerra, la falta de expectativas de una gran masa de desheredados que se ven abocados a malvivir en la indigencia, en un poblado chabolista en el que vemos llegar personas que, a consecuencia de la crisis económica de postguerra, se ven forzadas a abandonar sus hogares, procedentes de diferentes estratos sociales y lugares de Italia. Después de la destrucción, amplias capas de la sociedad, desde los pobres de siempre hasta personas pertenecientes a la alta burguesía, acaban malviviendo en la pobreza, mientras unos cuantos corruptos y aprovechados millonarios viven sin pudor en la opulencia más descarada, nada que no haya sucedido en todas las épocas solo que acentuado por el pesar en las conciencias del horror de la guerra.

El protagonista, Totó ( Francesco Golisano), es un joven e inocente huérfano, que es criado desde la más tierna infancia por una ancianita bondadosa que lo recoge casi por azar de una huerta, como si hubiese nacido de la misma tierra y con la que convive casi en total aislamiento hasta que esta fallece, pasando entonces a un orfanato, de donde sale ya adulto, comenzando así su peripecia entre los desposeídos, como un ángel que viene a trasformar sus vidas, a demostrar que se puede  vivir con dignidad en un mundo indigno. Las breves escenas de su infancia son adorables y su paseo en solitario detrás del féretro, de una fuerza expresiva que sobrecoge.

 Después llega su vida en el barrio de chabolas del extrarradio milanés donde casi sin quererlo se transforma en un líder de los desharrapados, que sin embargo deciden mantener su dignidad a pesar de las artimañas del todopoderoso señor Mobbi que quiere expulsarlos para explotar un terreno en el que casi mágicamente aparece petróleo, como un regalo divino que no consiguen aprovechar. Repleta de ese realismo mágico tan explotado después, mantiene en todo momento un humor inteligente y perspicaz que nos pateará duramente el hígado y nos hará reflexionar sobre todas  las situaciones de injusticia social, de las guerras y sus consecuencias y de lo injusto de todas las épocas, también de la actual, por muy antigua que nos parezca la cinta.

   Basada en la novela del guionista Cesare Zavattini "Totó el bueno", consigue un brillante resultado con esta alegoría de gran belleza expresiva gracias al buen trabajo en la fotografía de  Aldo Graziati (G.R.Aldo),  que consigue reflejar fielmente un paisaje desolado pero lleno de un vitalismo enternecedor, con un cálido y precioso tono en blanco y negro y  unas icónicas imágenes de un Milán todavía renqueante tras los destrozos de la guerra. La brillante compañía de la música de Alessandro Cicognini aporta ese ritmo alegre que nos predispone a la sonrisa dentro del drama colectivo que se nos presenta.

CASANOVA (1976)

   Excesiva, irreverente,trasgresora, informal....muchos epítetos se pueden añadir después de ver este Casanova de Fellinni. Desde luego, es Fellini en estado puro. Y aunque sigue, con saltos temporales evidentes, los diarios del aventurero, escritor y matemático italiano, no evita escenas escabrosas, surrealistas, inconcebibles, oníricas y hasta circenses. Desde el principio hasta el fin. No da tregua pero, irremediablemente se va perdiendo el interés, se va debilitando la historia por su excesivo metraje y surge un cierto cansancio en el espectador.

  Desde luego y siendo Fellini, multitud de imágenes evocadoras y sorprendentes salpican el metraje. Y no solo las escenas sexuales, inherentes a la legendaria virilidad atribuida al veneciano, a su voracidad y procacidad. Desde el principio hasta el fin apreciamos un extraodinario despliegue de recursos técnicos y estilísticos. Desde el vestuario y maquillaje ( ganadores del Oscar) a la escenografía, plena de objetos, escenas y espacios de gran realismo y, a la vez, casi oníricos pasando por elementos simbólicos, como el pequeño ingenio mecánico en forma de pájaro de acero que hace poner en marcha con su tintineo cuando se dispone a desplegar toda su pléyade de recursos amatorios.

    El guión de Bernardino Zapponi trata de seguir los diarios donde Casanova cuenta sus recuerdos, desde que anciano, en el castillo del Dux de Bohemia y como bibliotecario del mismo, evoca sus historias, muchas rocambolescas y trastabilladas. Sus amores imposibles, sus problemas con la inquisición o su intento de suicidio son narrados con la habilidad innata de Fellini, alocadamente, con multitud de sobresaltos y, en ocasiones, sinsentidos. La película retrata con una total falta de piedad a la alta sociedad dieciochesca, a su ponzoñosa inmoralidad, vergonzante y asquerosa.

    Pero lo mejor es dejarse llevar por el discurso felliniano y pasar las más de dos horas de la película grabando en nuestra retina todo lo que el maestro italiano nos quiere contar: el recorrido de Giacomo por casi todas las naciones europeas, sus coqueteos con la ilustración francesa, sus aberrantes duelos sexuales, en fin, su amor hacia una autómata. Todo puro exceso, puro Fellini.

 

Donald Sutherland realiza aquí uno de sus mejores trabajos, impresionantemente caracterizado como un adulto Casanova, con la estética propia de la época, el pelo naciente a mitad de cráneo, largo y despeinado, las pelucas dieciochescas. Impresiona todo su esfuerzo, su lucha constante contra los convencionalismos y, en definitiva, su búsqueda incansable del amor verdadero. Lejos de frivolizar su figura Fellini la humaniza, la trae al mundo de los mortales, con sus defectos (inmensos) y sus virtudes.

  La banda sonora, otra vez firmada por el genial Nino Rotta es ligera y liviana, como los amores del humanista que, en definitiva fue Giacomo Casanova.Y un halo de tristeza también refleja la cinta, la decadencia de un hombre que se creía por encima de todo y de todos en una sociedad también decadente. Un ser que estuvo solo toda su vida, falto de cariño y amor verdaderos, además del ocasional del que abusó y presumió. En definitiva una película que se hace demasiado larga pero que divierte durante largo rato, además de impresionar por su espectacular derroche de recursos visuales. Puro exceso, puro Fellini.
 
-Ficha técnica:

• Título original: Il Casanova di Federico Fellini
• Año:1976
• Duración:139 min.
• País: Italia
• Director:Federico Fellini
• Guión: Bernardino Zapponi
• Música:Nino Rota
• Fotografía:Giuseppe Rotunno
• Reparto: Donald Sutherland, Tina Aumont, Cicely Brown, Carme Scarpita
• Productora:Produzioni Europee Associati

UNA JORNADA PARTICULAR ( 1977)

 

  Película de sentimientos, de amarguras y de desasosiegos, de dos personajes al límite, en una sociedad eminentemente machista y homófoba, la sociedad italiana de los años 30. Toda la acción dramática sucede durante una jornada, un día, en el que llega a Roma el Fürher Adolf Hitler. Es el 6 de Mayo de 1938, declarado día de fiesta nacional. Mussolinni recibe al dictador alemán y todos tienen el deber, como buenos soldados italianos, de acompañar al visitante ilustre por las calles de la ciudad eterna.  Sin embargo no todos acuden a la fiesta. En un bloque de viviendas de clase acomodada Antonietta ( Sophia Loren) es esclava de su marido y su familia. Para ella nunca es festivo, siempre es día de trabajo. Debe, como buena madre y esposa, hacer sus tareas del hogar, limpiar, hacer las camas, cocinar, tender la ropa y un sinfín de tareas más. Obviamente su marido es un asqueroso fascista con todos los calificativos más negativos que se nos ocurran: es machista hasta el extremo, militarista y muy pero que muy fascista. Antonietta también lo es, todos lo son. En una sociedad totalitaria ni siquiera nadie se plantea que algo esté mal, que el líder supremo se pueda equivocar. Y ella es también machista y conformista con su propia situación aunque, en el fondo, le gustaría cambiar, sentirse querida y respetada por su marido y sus hijos.

    Esa mañana, cuando el edificio se queda casi vacío, solo con la presencia de una anciana portera, también extremadamente fascista y cruel, Antonietta pierde por la ventana la mascota de su marido, un pequeño pájaro negruzco que acaba posándose en la ventana de enfrente. Casualmente en esa ventana, en esa vivienda, otra persona no ha ido al desfile ese día. Tiene trabajo que adelantar y, además, ha sido represaliado por no comulgar con ruedas de molino. Gabriele ( Marcello Mastroiani) teme que la policía llame a su puerta en cualquier momento entre otras cosas porque es antifascista pero también porque es diferente a los demás. Su idea es acabar con todo, quitarse de en medio y dejar de molestar y sufrir. Y sin embargo Antonietta llama a su puerta en el momento preciso, intentando agarrar al pajaro que está posado cerca su ventana.

   Entre ellos se establecerá una fuerte relación afectiva en la que de manera pausada y lenta irán abriendo sus corazones solitarios y convirtiéndose en cómplices de esa soledad, de ese desprecio que los demás sienten por ellos. Ella descubrirá que puede ser algo más que un simple pedazo de carne que trae al mundo niños, que vale mucho porque Gabriele con su fina ironía le va destrozando sus arcaicas estructuras mentales, su forma de pensar uniforme, de servicio a la patria. Él descubrirá que puede ser amado, que no está solo y que es todavía un hombre atractivo. Un conjunto de equívocos llevará a Antonietta a creer que Gabriele puede ser lo que no puede ser: un amante fiel, un hombre que la ame, con el que pueda establecer una relación. Habrá momentos de gran tensión, incluída la sexual, donde él, sin revelar todavía su identidad sexual, se ve obligado a amar a Antonietta, ya deshinibida de todas las taras mentales con las que habitaba.

   Hay escenas prodigiosas de enorme tensión entre dos personajes que hacen quizás una de sus mejores interpretaciones de sus respectivas carreras cinematográficas. Es un verdadero duelo interpretativo, un diálogo tremendo, en un escenario teatral, puesto que no se ven exteriores. Sin embargo el fascio, el nazismo, está presente en todo momento.  El espectador se pasa toda la película escuchando marchas militares y la narración, en tiempo real, del homenaje de Italia a Hitler. En ocasiones es tan atronador el sonido y las voces exaltadas de los locutores que parece que los dos personajes estén en la mismísima Piazza Venecia, delante de la tumba al soldado desconocido, donde los dictadores italiano y alemán depositan su ofrenda. Scola consigue mediante este recurso narrativo hacer opresiva la película, envolviendo la escena, haciéndola casi insoportable.Y sin embargo están solos, con el solo incordio de la desagradable portera, que está ojo avizor, como metáfora de la vigilancia parapolicial a que el estado totalitario somete a todo un pueblo.

    Destacar ese momento interminable en el que Antonietta sube a tender la ropa con ayuda de Gabriele, una persona destrozada e insumisa junto a otra todavía con grandes prejuicios morales pero que acaba sucumbiendo a la inteligencia y madurez del hombre libre. Las sábanas al viento simbolizan la libertad que ambos ansían y que jamás podrán tener. Y, como no, la dura escena sexual en la que el hombre debe demostrar su masculinidad, a pesar de sus tendencias sexuales.

   Una película sencilla que Ettore Scola consigue hacer muy grande con su genialidad cinematográfica, en especial para crear esas atmósferas tan especiales en interiores. La fotografía de Pasqualino de Santis refleja esos tonos apagados, en especial los opacos esteriores, como queriendo representar lo obsceno, lo terrible de aquel día y aquellas fechas. Además cuenta con la ayuda de dos portentos interpretativos que, curiosamente, hacen lo contrario de lo que estamos habituados a verles: Mastroianni, el galán y conquistador, es un triste hombre reprimido y homosexual. Loren, la modelo de modelos, la mujer exhuberante es aquí una adocenada y descuidada ama de casa, despeinada y nada atractiva. Una lección de lo que debe ser un gran actor. Mastroiani acabó nominado al Óscar de la academia, así como la película.

   Un auténtico homeje a la libertad,  que tan bien representa Scola con esas ventanas, esas miradas de ambos, casi espías, ese amor desatado, quizás el primero de toda su vida para el ama de casa. Y después, el drama de Gabriele, su marcado final, casi teatral, que no deja mucho espacio para la esperanza. Finalmente acabará el desfile, el edificio se llenará otra vez y su familia volverá a situarla en donde le corresponde en una socidad retrógrada y arcaica. Una terrible crítica de Scola a su propio país, una apertura en carne viva de lo peor de su nación de un director caracterizado por la su valetía.

-FICHA TÉCNICA:

• Título original: Una giornata particolare
• Año: 1977
• Duración: 105 min.
• País:  Italia
• Director:Ettore Scola
• Guión: Ruggero Maccari & Ettore Scola
• Música: Armando Trovajoli (AKA Armando Trovaioli)
• Fotografía: Pasqualino De Santis
• Reparto:Sophia Loren, Marcello Mastroianni, John Vernon, Françoise Berd, Patrizia Basso, Nicole Magny
• Productora:Campagnia Cinematografica Champion S.P.A. / Conafox Films lnc. / Carlo Ponti

CÉSAR DEBE MORIR (2012)

  Interesante película-documental en la que unos presos de la cárcel romana de Rebibbia dirigidos por el director teatral Fabio Cavalli interpretan el Julio César de Shakespeare. Se mezclarán de esta forma momentos de la vida cotidiana en la cárcel con los ensayos de la obra y su representación final. Llama la atención el gran trabajo interpretativo de los presos, muchos criminales condenados a cadena perpetua y componentes de la mafia calabresa.  Los directores nos quieren sugerir sutilmente y durante el metraje el obvio paralelismo entre la trágica historia del asesinato de Julio César, la venganza y los remordimientos, con la situación histórica de la  mafia y sus vendettas.

   La historia es pura y cristalina, es el Julio César de Shakespeare. Todos conocemos la historia, la verdadera e histórica y el drama de ficción shakesperiano, fundamentalmente la brillante adaptación al cine de  Mankiewicz. No son comparables ambos Julio César. Lo brillante en este caso es que partiendo de unos actores total y absolutamente amateurs y de su situación personal y particular, los directores Paolo y Vittorio Tavani (resucitados para el cine en esta obra) consiguen recrear el extraordinario drama con unas interpretaciones fabulosas de las que hablaremos después. Interpretaciones que lo son todo porque todo lo demás es suprefluo: el decorado son los pasillos y el frío hormigón armado de la cárcel, los siniestros barrotes  oxidados y el blanco y negro con el que nos sumergen en esa tensión a punto de desbordarse en ocasiones. Ese blanco y negro que aparece después de un prólogo de presentación en color nos remite claramente al clásico anteriormente citado y es uno de los grandes aciertos de esta película que termina nuevamente en la realidad a color que estos desgraciados vivien día a día.

   Es impresionante como se entremezclan momentos de tensión dramática propias de la historia de Julio César y su asesinato a manos de Bruto y Cassio con pausas en las que aparece el verdadero rostro de los protagonistas, sus miserias carcelarias, sus taras educativas, sus miserias personales. Aunque, en realidad, casi la totalidad de la película está compuesta por los ensayos y la labor que el grupo de los talleres teatrales de la cárcel dirige, esta casi pasa desapercibida y lo que vemos es la historia de César que, como bien sabemos, es la historia de Bruto y Cassio pero también de Marco Antonio y Octavio. Realidad y ficción se conjugan en una interesantísima puesta en escena.  Parece como si la intriga para asesinar a César se transmuta y obsesiona a los delincuentes protagonistas de la película, ese crimen contra Julio César parece que sea como la vida misma para ellos. 

  Las interpretaciones son merecedoras de admiración como decíamos, más tratándose de actores amateurs. Salvatore Striano es Bruto. Su papel refleja valor, fuerza, verdad y gran emoción. Otros protagonistas, presos en la vida real, son Giovanni Arcuri ( César ) y Cosimo Rega (Cassio) y su actuación está a un altísimo nivel: desde luego que el trabajo que con ellos se ha hecho es merecedor de los premios que la película recibió. Y estas interpretaciones de sí mismos, de asesinos mafiosos que tranquilamente pasan su tiempo perpétuo (en algunos casos) entre las tristes rejas de una prisión italiana y que por unos días son César, Bruto o Antonio son tan verídicas en manos de estos criminales que llega a enternecer y a admirar.

  Los directores llevan a cabo una excelente labor estilística, muy original, que consigue atrapar al espectador. Es todo tan frío (las personas, el escenario: ¿hay algo más frío que una prisión?) que estremece mucho más que cualquier representación teatral o cinematográfica al uso. Esa frialdad que dan las caras de unos asesinos y delincuentes comunes, sin maquillaje, sin trucos, solo la verdad, esa verdad que tan difícil es encontrar en el cine. Vista así, la película transmite una emotividad muy grande, nos abre nuevas perspectivas en nuestro cuadriculado pensamiento.  Los planos cenitales y longitudinales del interior de la prisión, los primeros planos desgarradores, la visión del grupo circulando por los pasillos amurallados de hormigón ofrece una expresividad inigualable. La naturalidad de todo el mundo que aparece en este documental estremece.

     Y  podemos así hablar del drama carcelario, de la negritud, de lo oscuro, que se trata de apaciguar, de sobrellevar gracias al teatro, una forma de expresión que es una válvula de escape a esa olla de grillados dentro de unos módulos de prisión de alta seguridad. La pasión con la que actúan los presos solo es posible en condiciones extremas de sufrimiento personal y colectivo: esa es la verdadera cara de la falta de libertad ganada a pulso. El taller de teatro se convierte en una auténtica pasión, no solo entretenimiento y nada más, una liberación que persigue su fin: la mejora de las condiciones mentales, sociales y humanas de lo inhumano. La diversión y el buen clima ( que a veces se rompe) favorecedor de esa dura vida a la que se han visto abocados como decíamos asesinos, camellos e integrantes de la cosa nostra. Todo eso vemos en este documento realista de la representación de un drama, un drama que nos transmite el documental cinematográfico que es teatro dentro del cine, verismo en estado puro a través de todo un clásico de William Shakespeare.

 

MUERTE EN VENECIA ( 1971)

  Lenta, cadenciosa, sutil y hasta un tanto exasperante en ocasiones. Así podríamos definir, a vuela pluma, una de las más afamadas obras maestras de Lucchino Visconti. Aunque ha sido objeto de numerosas controversias a lo largo de las décadas incluso entre los propios seguidores del maestro italiano, no cabe duda de que resultan inolvidables esas evocadoras imágenes de una decadente Venecia bajo la impresionante melodía del Adagietto de la quinta sinfonía de Mahler.

     Es una película pausada, a fuego lento pero es de esas ocasiones en las que no resulta  tan tediosa esa lentitud, sobre todo si se sabe apreciar la belleza vaporosa de la arquitectura veneciana. Podríamos hablar de un auténtico documental, un viaje iniciático a la ciudad italiana bajo el pesado prisma de un anciano compositor que, enfermo, sabe de la cercanía de su viaje final y que busca desesperadamente el mejor final posible: el que proporciona la contemplación de la auténtica belleza, la belleza sublime de una melancólica ciudad y de una juventud que trata de ser aprehendida por su protagonista, que intenta ser atrapada y que se escapa finalmente en un mundo que se derrumba. Partiendo de esta visión general podemos entrar a valorar algunos aspectos que generaron y siguen generando una viva polémica.

   Hay un debate entre los que afirman que es una obra maestra total, inigualable y los que piensan que es una auténtica pérdida de tiempo, una película amanerada y sin sentido. Y posíblemente ambos bandos entén en lo cierto porque de todo eso se compone la obra de Visconti.    Para entender un poco la película quizás hata que haber visto alguna otra del director milanés, conocer su trayectoria desde el neorrealismo a un cine más aristocrático, cercano a su propio origen social. Paradigmática sería su incursión en el mundo del nazismo en la caída de los Dioses, donde introduce otra de sus grandes pasiones: la ópera. 

   La llegada de Gustav ( Dirk Bogarde) a Venecia, escenario del drama, define mucho lo que veremos a continuación. Es una escena inacabable, montado en un bote de pasajeros para acercarlo a la isla donde se encuentra su hotel, sufre ya ciertas humillaciones dentro del mismo viéndose su estado de extrema debilidad, de enfermedad terminal, al mismo tiempo que su enorme sensibilidad para apreciar la belleza de la puesta de sol en el gran canal veneciano. El hotel es la residencia de buena parte de la aristocracia europea del momento, principios del siglo XX. Esa nobleza que representa un mundo que está a punto de derrumbarse en la Primera Guerra Mundial y que nunca más volverá a ser lo que había sido.

   Allí el avejentado compositor acude para reponerse de su precedente fracaso artístico, del rechazo que provoca su última obra al mismo tiempo que aliviar su delicado estado de salud. Paseando por la playa descubre la belleza quasi angelical de Tadzio, un joven adolescente de largos y ondulados cabellos rubios que encarnan para él todo un compendio de la belleza irresistible y carnal. Por él se sentirá inexorablemente atraído y será el leitmotiv del resto de su vida, su pasión e inspiración a pesar de que sea un deseo se tornará en neurosis enfermiza y por ese motivo se agravará su salud irremediblemente. Acabará siendo un pelele en manos de un niño de mamá un tanto juguetón que advierte muy pronto las intenciones del hombre maduro. En realidad no llegará nunca a establecer con él un contacto real y toda la relación se sustentará en miradas y silencios, en juegos un tanto infantiles a los que el vetusto compositor accederá para alimentar más si cabe su pasíon.


   Una relación homosexual a pesar de que la película nos equivoca al apuntarnos en una sutil regresión temporal que Gustav tuvo una familia heterosexual anteriormente. Durante la película Gustav recorre Venecia al compás quasi musical que marca el  bello Tadzio, fenomenalmente caracterizado por un actor que pasó a la fama por este papel, Björn Andrésen, un andrógino joven que puede representar esa dualidad sexual del protagonista, que será cruel con el anciano compositor, haciéndole sufrir de manera gratuita en sus andanzas  con sus compañeros más jóvenes en diversos escenarios: el hotel, la sucia y decadente ciudad y la playa.

  Este juego perverso nos permite admirar la belleza de una Venecia asolada por una epidemia de Tifus que compromete la vida de los veraneantes. Quizás podríamos decir que la ciudad de los canales sea la principal protagonista de esta historia de amores imposibles truncada por la muerte en un final tremendo, en el que Gustav sufre el colapso fatal en la playa mientras contempla a ese amor puro y virginal que jamás pudo alcanzar, esa belleza enigmática que tan solo regala una mirada esquiva al anciano agonizante. La música de Mahler provoca un podereso efecto conmovedor , más poderoso que cualquier evocación en nuestra  mente.

           
Obligado resulta reseñar el trabajo de Dirk Bogarde, ese mayordomo nazi sádico de Portero de Noche, que en esta ocasión resulta impagable en el papel del músico agonizante, buscando desesperadamente una Venecia enigmática y confusa donde encontrará a su Tadzio, a su amor platónico, que lo llevará a la dulce muerte en un bello ocaso a la orilla del adriático. Bogarde resulta creíble a pesar del aparatoso maquillaje que todo el tiempo nos recuerda una vejez fingida. El joven actor Andersen también es de destacar a pesar de ser prácticamente su única interpretación. Es su papel y ese su momento: apareció para ser Tadzio. En otro plano Silvana Mangano, mayor y con un papel con poca relevancia aunque su sola presencia es inspiradora.  

   La ambientación y el vestuario son magníficos y destacables, reflejando perfectamente el barroquismo que nos habla de ese fin de ciclo, de ese final de época que en el fondo es el argumento principal del film.

 

EL GENERAL DELLA ROVERE ( 1959)

   Extraordinaria película del maestro del Neorrealismo Roberto Rosselini, en este caso con la presencia del director y ocasional actor Vittorio De Sica, en un papel memorable.  Nos encontramos en la Italia de la II Guerra Mundial, concretamente en 1943, cuando los aliados ya han desembarcado en el sur y avanzan hacia el norte. La parte norte del país está bajo ocupación alemana. La acción se desarrolla en la ciudad de Génova. Allí, Bertone ( Vittorio de Sica), un delincuente de medio pelo, un estafador con ínfulas teatrales acaba siendo arrestado por los nazis.

   Estos, para perdonarle la vida, le obligan a hacerse pasar por un militar antifascista, con el objetivo de inflitralo en la Resistencia y delatar a todos sus enemigos. Le darán el nombre falso del general Della Rovere. Bertone, para salvar su pellejo, acepetará su misión y la tomará como una oportunidad para, por fin, ser alguien importante, pero detrás de esa pilluelo, sinvergüenza y crápula empedernido hay una persona con sentimientos y sensibilidad, que no dudará en dar la cara, en enfrentarse al poder establecido jugándose el tipo.

   La película tiene dos partes diferenciadas: la primera, en la que aparece el protagonista haciendo de las suyas, engañando a su mujer, siendo un poco "viejo verde" ( algo que se repetirá en De Sica), y estafando al más pintado,se desarrolla a una gran velocidad. Después llega la segunda parte, cuando entra en prisión y comienza, lentamente, a ir cambiando de mentalidad, hasta llegar a su verdadera concienciación. La velocidad es menor, es más pausada, como queriendo reflejar el lento proceso de cambio intelectual de Bertone.

    La película supone, en el cine de Rosselini un regreso al neorrealismo de sus obras anteriores.  Rodada en un necesario blanco y negro, como correspondía, con buena parte de la narración fílmica rodada en interiores y destacando un cierto carácter documental en el desarrollo de los acontecimientos.De Sicca hace un papel extraordinario, quizás su mejor interpretación: está creíble, mágico, extraordinario. Lo borda.

El magnífico guión sirve a la causa que pretende defender, al antifascismo militante del director y nos adentra en una cuestión moral sobre la necesidad de servir a los demás, de lo que es correcto en épocas duras, en momentos difíciles y sobre la mentira y la verdad y el triunfo final de esta.  Una película imprescindible sobre la II Guerra Mundial y sobre el Neorrealismo Italiano. Una película que llega al corazón por su final, un final muy acorde con los tiempos que nos ha tocado vivir.

  

HABEMUS PAPAM ( 2011 )

    Curiosa película del cineasta y actor italiano Nanni Moretti, grandemente alabado por su excepcional querido diario ( Caro diario) que propiciaría su salto a la fama internacional. En este caso, en el habitual tono humorístico- satírico que suele utilizar en casi todas sus obras describe la elección de un nuevo papa, con una perfecta ambientación del cónclave en plena capilla sixtina.

     Todo parece marchar como corresponde, en una narración fílmica quasi televisiva, periodística: tras los debates y votaciones entre el colegio cardenalicio, llegamos a la fumata blanca. El elegido, apesadumbrado por la responsabilidad que acaba de serle encomendada, acepta, siguiendo los  pasos que marca la milenaria tradición. Pero muy pronto, cuando está siendo ayudado por el camarlengo a elegir la vestimenta oportuna, su talla, para salir al balcón de San Pedro y ser anunciado a los fieles, sufre un repentino ( aunque anunciado desde las primeras escenas durante su elección) ataque de ansiedad que le imposibilita salir a pronunciar su discurso y bendición tradicional en estos casos. Tanta es la responsabilidad que siente sobre su persona que, a pesar de haber aceptado previamente el cargo ante el aplauso de los cardenales que acababan de darle la mayoría necesaria para investirlo como nuevo pontífice, decide renunciar al cargo. No se ve capacitado para tan magna tarea, la de dirigir a la iglesia católica. En un principio todos los presentes quedan desconcertados, no saben que hacer, puesto que ya se ha anunciado a los fieles en la plaza de San Pedro la fumata blanca. Todo el mundo,  a través de la televisión, conoce el nombramiento de un nuevo pontífice y este debe salir al balcón a proclamar al mundo su reinado. ¿ Cómo decir a toda la humanidad, expectante, que, a última hora, el nuevo pontífice ha decidido renunciar?. El marrón es de gran consideración.  

 

    Hasta ahí la película promete, pensamos que vamos a asistir a un ejercicio ciertamente complicado para convencer al anciano cardenal, interpretado por  Michel Picoli, que da muy bien en su papel, es convincente en su interpretación. Pero la película se queda en un gratuíto intento de divertir y quizás, criticar a la vez a la iglesia sin mucho sentido. Cierto que la historia que describe podría ser posible pero no nos imaginamos creíble todo el ambiente que describe puertas adentro del vaticano. En realidad, tras la primera renuncia del elegido, abrumado como decíamos ante tan magna responsabilidad, este es convencido para que no dimita, sino para que se lo vaya pensando, para que reflexione y acabe aceptando haciendo creer a los fieles que el papa está enfermo y que, por eso, no puede salir a saludarlos.  Pero la tarea será complicada, llevarán a un psiquiatra a la santa sede ( el propio director, Moretti) que comenzará a practicar terapia con el avejentado cardenal. Este le transmite sus temores y el especialista trata de paliarlos con consejos cada vez más absurdos.

     Para que el psiquiatra no pueda revelar lo que está pasando se le obliga a permanecer en la residencia Santa Marta, donde se hospedan los cardenales y el papa recién elegido. Allí entablará una simpática relación con los venerables ancianos. Pero el loquero tiene su vida privada y debe, a su vez, engañar a su familia, discutiendo con su mujer por el asunto. De repente el papa consigue escabullirse y, vestido de calle, se desvanece por las calles de Roma. El pánico se apodera de la sacrosanta institución aunque ahora se engaña al resto de cardenales para que no sepan de la escapada del pontífice. Este debe de atravesar un proceso de duelo, de reconocimiento de la realidad que le ha tocado afrontar en el final de su vida y lo irá asumiendo desde fuera, como si se tratase de un ser humano cualquiera que está tomando una cerveza en un bar, asistiendo al espectáculo televisivo.

  La película tiene aciertos, como desmitificar esa imagen seca y severa que tenemos de la curia y humanizarla. Los cardenales, ya hartos de tanta espera y de su incomunicación se las ingenian para entretenerse: juegan a las cartas e incluso organizan un partido de voleibol. Quizás la mejor escena sea la inicial, ese travelling con voces en off de los diferentes participantes en el cónclave, en la que todos piden a Dios que no lo elijan a el. La calidad técnica y el magnífico vestuario hacen más verosímil lo que es inverosímil, quizás ese sea el mayor mérito de la película.

   Sin embargo resulta en ocasiones tediosa y no tan graciosa como Moretti pretendiera. Si lo que buscaba era una reflexión sobre los males de la curia y una crítica a esta desde luego no lo consigue. En ese caso sería una película fallida. Si la intención es desmitificar un mito creo que tampoco llega a hacerlo, más bien propone un sencillo ejercicio de entretenimiento con un telón de fondo poco habitual. Buscar lo cotidiano en donde no lo hay, al menos en apariencia.

DOS MUJERES ( 1960 )

   Película del realizador Vittorio de Sica, uno de los genios del Neorrealismo Italiano de postguerra, que en esta ocasión nos cuenta la historia de una mujer valiente y decidida, llamada Cesira ( Sophia Loren) que, con su hija Rosetta ( Eleanora Brown), adolescente de 13 años y en plena ocupación nazi de Italia, decide refugiarse en una pequeña localidad de los montes de Ciociaria ( título original del film), en casa de unos parientes. Huye del horror y la barbarie de la guerra, escapa del drama del nazismo de la gran ciudad, una Roma triste, hacia un mundo rural mucho más agradable y sencillo pero que, sin embargo, poco a poco, irá tornándose en oscuro presagio del terrible drama que les tocará vivir. Una historia dura, difícil de ver por su crudeza.

   Cesira no comprende muy bien las ideologías de su época, solo sabe lo que está bien o lo que está mal y lo que más le conviene a su hija y a ella. En el pequeño pueblo conocerá a Michele ( Jean Paul Belmondo), un joven idealista que pretende servir en la resistencia comunista intentando que ella comprenda lo importante que es la lucha por la libertad.

    La película es cruelmente realista y no escatima en escenas de una gran emotividad y dramatismo trafadas también con momentos de enorme felicidad y alegría. Aparecen tipos humanos muy propios de un período tan convulso, en plena guerra mundial, año 1943,  con Mussolini en el poder siendo después destituído y detenido, los aliados llegando por el sur y liberando Roma e Italia. El ya citado idealista, dispuesto a entregar su vida por la causa de la libertad, el fascista salvapatrias que huye despavorido al enterarse de la caída del dictador, los soldados alemanes y los aliados, que aparentemente representan la dualidad entre el horror y la civilización y que finalmente descubrimos que, como siempre, todo es según el cristal con que se mira. A destacar la parte final, donde el director no escatima detalles para narrar un suceso extremadamente traumático, en especial para la inocente Rosetta. Sin embargo, en las escenas posteriores descubrimos como, a pesar de todas las adversidades posibles el ser humano triunfa, la vida se impone al dolor, a pesar de que este siga latente por un pasado traumático. 

    De Sicca sabe sacar buen partido del guión, basado en una novela de Moravia. Técnicamente bien rodada en blanco y negro consigue transmitir ese dramatismo realista, todavía heredero de la época neorrealista. El creador italiano sabe hacernos reflexionar al terminar la película sobre el horror de la guerra y que, en ocasiones, la diferencia entre los buenos y los malos es solo matizable. La barbarie de la guerra queda en evidencia durante el desarrollo de la película y es eso, barbarie, la ley del más fuerte, que puede provenir de los dos bandos en litigio. Este es quizás el mayor logro de la película, una película a mayor gloria de la Loren que parece que haya nacido para hacer esta interpretación. Verdaderamente no se puede sufrir más de lo que sufre esta mujer, en ocasiones calladamente.Es de ese tipo de películas que merecen la pena ser vistas y revisadas por el papel de la estrella protagonista que obtuvo el reconocimiento a su trabajo con un Óscar de la academia norteamericana.  También la joven Rosetta hace un papel memorable, junto a un Belmondo más que destacable.

  Una película diferente sobre la II Guerra Mundial, más centrada en las personas, en sus quehaceres y sufrimientos, en el hambre y la desesperación, en las humillaciones y salvajadas propias de una guerra. Y con un mensaje final esperanzador, donde la vida se impone como decíamos, ante la sinrazón. Una sinrazón brutal, venga de dónde venga. Quizás sorprende el final y esa reacción un tanto fría de la joven adolescente ante su situación, aunque quizás no quepa otra actitud más que la rebeldía contra su propia madre, como intentando culparla de algo que no ha podido evita, una actitud que le permita salir adelante y vislumbrar un futuro mejor.