ALBERT NOBBS (2011)

  Glenn Close buscaba con esta producción en la que ella pone también la pasta conseguir su ansiado Oscar y lo cierto es que a punto estuvo de ello. Sin embargo, en esta ocasión no se lo merecía. No digo que no haga un buen papel como el retraído  y pusilánime mayordomo de un viejo hotel dublinés del siglo XIX. Pero el excesivo maquillaje ( no sé porque tanto con sus facciones hombrunas) y su encorsetada manera de actuar ( quizás todo el atrezzo de ir disfrazada de hombre lo necesitaba) le resta mucha credibilidad, aunque como digo, siempre Close está bien, pero deja escapar una oportunidad a huevo. Por otro lado la película ( con varias nominaciones al Óscar) no aporta mucho a la consabida historia de la mujer que tiene que fingir ser hombre para poder subsistir en una sociedad machista y arcaizante. Nobbs atiende desde hace décadas en un hotel aristocrático y, como todo el servicio, habita en las habitaciones del ático. Debajo de un trozo del suelo deposita todos sus ahorros, que han llegado a ser ingentes. Su ilusión sería ahorrar lo suficiente para establecerse por su cuenta pero la soledad le atenaza.

   Un día llega un pintor para reparar algunos desconchones del avejentado edificio. Como debe hacer cama la regente decide que duerma en la habitación de Nobbs. Él se resiste pero finalmente debe dormir con el grandullón pintor de brocha gorda. El problema se suscita cuando una pulga le obliga a desnudarse advirtiendo entoces su compañero que es una mujer. Aterrorizado, Nobbs le promete  el oro y el moro para que no revele su secreto, que le costaría el trabajo y el honor. Sin embargo, sorprendido, descubre que el pintor grandote es también una mujer que se hace pasar por un hombruno obrero, es un travesti. Y para su sorpresa, está casado con una mujer. Esta actriz, Janet McTeer, está soberbia en su papel. Ella ( o él) consiguen animar a Nobbs, que sueña con tener también esposa y regentar un pequeño estanco. La elegida por Albert parece ser una de las camareras, muy mona ella (  Mia Wasikowska), en un nuevo papel a su medida. El problema o inconveniente es que se ha enamorado de un truhan que la deja embarazada.(todo muy tópico y típico, ¿verdad?).

    Como podemos comprobar la historia es lo de siempre, está muy trillada ya, en mi opinión. No aporta nada nuevo, solo el ver a una desesperada Close en busca de reconocimiento en un papel inverso al de Tootsie ( Dustin Hoffman) pero que no llega ni a la altura del betún. Técnica y formalmente la película está bien, aceptable: buena ambientación y escenografía adecuada, vestuario correctamente seleccionado y escenas agradables de exteriores, como la de la playa. Los decorados interiores muy conseguidos también. La música correcta y preciosa la canción de Sidney O'Connor.  Y el director, Rodrigo García, continúa aquí su carrera ascendente.

 Sin embargo la película se queda en un ensayo a mayor gloria de Glenn Close aunque no hay que desdeñar la enseñanaza social que aporta, de una Irlanda puritana y atrasada, pacata, vergonzante, extremadamente dominada por el catolicismo imperante y la relación de este mundo con una homosexualidad que se debe esconder a toda costa.  

 

LOS FANTASMAS DE GOYA (2006)

      Francisco de Goya y Lucientes fue uno de los mayores innovadores de la Historia de la pintura. Lo malo de la película, en mi opinión, es que Goya queda un tanto marginado de toda la trama. Es  prácticamente irrelevante su aparición. No se pone el acento en su personalidad y en su obra. La historia se centra más en los aspectos truculentos de la historia de la protagonista femenina, Inés( Natalie Portman) que siendo de la mediana nobleza, es entregada a la inquisición donde sufre todo tipo de vejaciones y torturas. Su verdugo es el cruel padre Lorenzo ( Javier Bardem) que llegará a violarla en la lúgubre y fétida prisión. 

   Los padres de ella, desconociendo su destino acuden a Goya( que la había retratado) para que interceda por ella, sabedores de que Lorenzo es un cliente distinguido y que también está siendo retratado por el pintor. Pero de nada sirve esa mediación, tan solo queda el buen sabor de boca de ver cómo es humillado y vilipendiado por el padre en una cena a la que se había comprometido a asistir  y en la que se había negado a ayudar a la familia de la pobre chica.

  Por los avatares de la invasión napoleónica y la Guerra de Independencia, la inquisición será abolida y España, gracias a los afrancesados de los que Goya era seguidor, comenzará, bajo el reinado de José Bonaparte, a avanzar en un todavía incipiente liberalismo. El padre Lorenzo huirá y, después aparecerá en España convertido en un revolucionario, transmutado en sus ideas, encarcelará a los que antes habían sido sus compañeros de torturas. Entonces traerá mujer e hijos.

 Mientras tanto ya Inés, desdentada y enferma mental, había sido liberada al desaparecer la inquisición. Los terribles años en presidio dejan en ella unas enormes secuelas. Ella querrá encontrar a su hijita, arrebatada por la siniestra organización religiosa. Acudirá a Goya, pues sus padres han muerto fruto del fulgor revolucionario y ambos tratarán de encontrarla. Goya pedirá ayuda al antes cura e inquisidor y ahora oficial napoleónico pero, otra vez, será vil y cruel con su anterior víctima. No hará nada por ayudarla, la internará en un manicomio, empeorando todavía si cabe su delicada situación mental.  La hija, Alicia, fiel retrato de la madre, interpretada por la  misma Portman, no llegará a conocer a la madre y será prostituta para ganarse el sustento.

   La película es muy mejorable por toda una serie de avatares. Parece imposible así calificarla con la dirección de Milos forman, guión de Jean-Claude Carrière y los actores de primer nivel que actúan: Bardem, Portman, etc. y sin embargo el que mejor está en su papel es Skarsgard como Goya que aunque no decisivo en el argumento, hace una interpretación más que creíble. Bardem está muy mal, no sabemos si por su propio auto-doblaje.  Y Portman, con su belleza arrebatadora que siempre sabe ganarse el favor del público, está justita, aunque tiene el mérito de interpretar dos personajes que tienen matices diferentes y aparecer en el primer papel, el de Inés, como un monstruo que emerge del  averno de la inquisición. Se hace difícil verla es ese estado de fealdad, ella que es un mito sexual en cada cosa que toca.  Por lo que respecta a Forman podemos decir que su dirección está bastante desacertada: planos muy cortos con muchos primeros que no saben extraer la expresividad y el sufrimiento que los personajes principales sufren.

   El guión es muy irregular aunque posiblemente por ser excesivamente ambicioso: trata de abordar demasiados aspectos de la sociedad española de la época de Goya, con sus cambios históricos tan rápidos, evoluciones e involuciones incluídas, una gran carnaval de personajes y situaciones a cual más complejas. Es pretencioso y por eso naufraga aunque no omite elementos positivos como la progresión dramática, tan negra como toda la época que retrata. La ambientación, atrezzo y vestuario logra una recreación bastante fidedigna, no se esperaba menos en una superproducción norteamericana.

 

  Es por tanto una obra de dolor y sufrimiento, que Forman martiriza con esos planos cortos de los que hablábamos, hay que verla así. Una película del sufrimiento de todo un pueblo ( el español), de unas clases privilegiadas que ven perder esos privilegios por obra y gracia de la revolución, de Inés y su familia martirizada por el anacrónico Santo Oficio y por Lorenzo, de su hija desconocida Alicia, criada en un orfanato y llevada  a la prostitución y de Francisco de Goya que pasaba por allí y que no es capaz de sustentar nada, con su sordera, alejamiento, dolor y olvido. Un mundo de fantasmas que solo el genio de Goya supo retratar en su excelsa obra pictórica.

EL COCHECITO (1960)

   Otra de esas "joyitas" con que el cine nacional nos obsequiaba en pequeñitas dosis en la época franquista. Una más de Rafael Azcona como co-guionista junto al director italiano Marco Ferreri, que ya habían tenido un enorme éxito con la genial "El pisito" una parodia grotesca de un hombre sencillo que se ve abocado a casarse con una anciana a la espera de heredar. En este caso la idea tiene mucho que ver también con la vejez. Se trata del histriónico y siempre recordado Pepe Isbert ( el de Bienvenido Mr. Marshall) que, muy entrado en años, se encapricha de un cochecito para minusválidos. ¿Cuál es el problema?. Qué el anciano está estupendamente de las piernas, intentará fingir una enfermedad para que su familia le permita tener el cochecito.

    El problema es que el venerable anciano, Don Anselmo Proharán, ha hecho mucha amistad con un grupo de tullidos que se lo pasan pipa yéndose a pasar las tardes a la campiña madrileña y hasta a hacer carreras de cochecitos motorizados por el centro de Madrid.  Y claro, la envidia de verlos a todos motorizados le corroe, el quiere volver a tener amigos, a salir con ellos y encargará el dichoso cochecito, a espaldas de su familia que son su hijo Carlos ( Pedro Porcel), procurador que mantiene a toda la familia y a un pasante, Jose Luis López Vázquez con pelo que es el novio de la nieta de Don Anselmo, interpretada por una jovencísima Chus Lampreave.

   Para conseguir el preciado motocarro, fingirá una invalidez que el médico familiar enseguida detecta falsa y el follón con su familia se acrecentará. Al final tomará el camino del medio para conseguir el dinero robando a su propia familia, incluso empeñando las joyas de su difunta mujer que son herencia de su hijo cometiendo así un flagrante delito. Desesperado tras ser descubierto y viendo que pierde el cochecito decide tomar medidas mucho más drásticas.

   La película se podría calificar de comedia dramática con elementos propios de los guiones de Azcona: el esperpento, el cine negro, la ironía, elementos surrealistas. Todo ello dentro de un cine quasi neorrealista. Escenas memorables, como ocurre con Azcona, en el bufete donde Don Anselmo trata con naturalidad a un individuo que va a consulta por abuso de poder. Como siempre en época franquista tuvo que salvar, !!y de que forma¡¡ a la censura porque en realidad bajo la apariencia de comedia ( que lo es) se esconde una dura crítica social a la España de los 60, un país todavía atrasado económica y socialmente. El mundo de los discapacitados y su difícil integración socio-laboral, la pillería y el engaño como forma de subsistencia, la marginación y exclusión social de amplias capas de la población, el apartamiento de los ancianos como  personas que estorban por su dependencia económica ( recordemos el escaso nivel de las pensiones), la falta de comunicación con ellos y la indiferencia. El infantilismo de la senectud, el desprecio a los diminuídos psíquicos, el trabajo infantil ( nada menos que en un cementerio),etc.

   A pesar de todo ello el film quiere hacernos pasar un buen rato, sacarnos una sonrisa por las situaciones ridículas y esperpénticas a las que la sociedad propende, las miserias del ser humano, en definitiva. Y a fe que lo consigue. Sin ser una película que permita la sonrisa contínua, por su densa negrura intrínseca ( no falta como siempre en Azcona y Ferreri el humor negro) si que es simpática y divertida. La escena del cementerio, cuando van en cochecito a La Almudena ( precioso el plano de la fachada modernista del camposanto) y cómo dejan unas flores a sus seres queridos y ya aventuran que les robarán las flores es deliciosa.

  La música de Miguel Asins Arbós que ya participa en "El verdugo", la obra maestra de Berlanga-Azcona, nos introduce en una mezcla de populismo y situaciones raras, extrañas, muy propias de la temática del film. La fotografía de Juan Julio Baena dispone planos largos y distantes que propician un alejamiento de los personajes hacia el espectador, junto con planos cortos que acercan el drama en las caras de los protagonistas. Muchos planos exteriores de Madrid que ofrecen un aspecto casi documental de aquella ciudad que fue.

    El trabajo de los protagonistas es excepcional, especialmente el de José Isbert ( "Americanos, os recibimos con alegría") que borda un personaje lleno de matices, es el cascarrabias pero también el viejo verde, el enfermo imaginario y hasta el olvidado y apartado viejo que nadie quiere ya seguir sosteniendo ni escuchando. Es ese Isbert, el actor que logró crear un estereotipo de abuelete, entre picarón y entrañable, que ha devenido en necesariamente carismático. El resto de actores también brillan a gran altura, aunque unos escalones por debajo del genio manchego. Atención a una María Jesús ( después Chus a secas) Lampreave, en un papel casi testimonial. Como anécdota dos frailes que visitan el bufete del hijo de Don Anselmo y que son el propio Azcona y Saura, el director.

   Una película imprescindible en la Historia del cine Español, premio de la crítica en el festival de Venecia y que, junto a la también obligada de El pisito, marcan la etapa española del director italiano Marco Ferreri. 

  

 

EL CLUB DE LA LUCHA (1999)

    El club de la lucha es una película que marcó el final de siglo suponiendo un punto y seguido en ese cine hipnótico y psicológico tan fin de época constituyendo una de las mejores películas de David Fincher. No en vano es una auténtica joya del cine de culto porque su guión es de una gran densidad y potencia. Se puede hablar de un exceso de violencia, que si violencia gratuíta, etc. pero yo solo veo la historia, el guión,  y me atrapa, no me importa tanta violencia sino que existan los ingredientes necesarios para contar lo que se quiere contar. A pesar de las malas críticas que obtuvo en su estreno para mi no cabe duda que es una obra revisable y con muchos mensajes que en un primer momento pasan desapercibidos. Además, el humor negro que destila me pirra.

   He descrito la película de hipnótica y casi onírica porque todo lo que vemos, en un entorno de una gran ciudad, o gran parte de ello, tiene mucho de paradoja, de sueño de un demente, en un entorno ciertamente hostil, oscuro, casi diabólico que deja bastante desconcertado la primera vez que la ves. En mi caso no pude terminarla en su día por un exceso de somnolencia bien es cierto que era a altas horas de la madrugada y mi sueño en aquella época atravesaba ya severas dificultades. Era una espinita clavada en mi subconsciente, siempre deseando volver a verla. Para esta ocasión me pertreché con una buena dosis de cafeína para no perder ni un ápice de las locuras de un fantástico, como siempre, Edward Norton ( como me gusta este actor) junto a un no desdeñable Brad Pitt ( para mi, una de sus mejores interpretaciones).

   Pues bien, hay que decir que podemos ver la película como una crítica social o, al menos, como una lucha contra ella,  contra sus convencionalismos, contra el aburrimiento y apatía de un trabajo de oficinista regularmente remunerado u otra ocupación cualquiera. Y también una lucha contra el interior de las personas, contra nuestro sistema límbico, ese que está en la frente y mantenemos desde que éramos animales. Pero una lucha fallida pues este se impone en una orgía delirante de violencia, sangre y autodestrucción.  Se podría hablar de una película antisistema, que pretende derribar los muros de nuestro modelo, que derrumba grandes rascacielos de oficinas y derrumba el interior de nuestra propia alma.

   Todo es un cúmulo  de brutalidad y autodestrucción con diálogos impactantes entre Norton y su alter ego, Pitt, una especie de Jeckyl y Hyde postmodernos con situaciones indescriptibles e insólitas. La música de Dust Brothers  acompaña a ese tremendo desquicie de manera muy efectiva. Y que coño, me sentí muy reflejado en Norton, esas noches interminables sin dormir, ese médico que se niega a recertarte nada porque puedes hacer ejercicio y una vida sana y demás sandeces. Este pobre hombre se va a ir volviendo loco aunque asistiendo a terapias de grupo, cuando se desahoga de sus incomprensiones, sobre todo en las tetazas gigantescas de un castrado y hormonado grandullón, consigue dormir. Pero algo ha estado ya larvando en su cabecita que le llevará al paroxismo. La figura de Tyler Durden es icónica y paradigmática y, como alter ego de Norton, consigue arrastrarlo a esa espiral de autodestrucción , a ese antihéroe que tanto nos fascina.  

   

Como crítica negativa es cierto que la historia puede cojear por muchos lados, las costuras se rompen pero, ¿en cuál no?. Si hasta Hitchkock tiene fallos de guión. Pues bien, es cierto que no se entiende muy bien como consigue convencer a tan enorme número de adeptos al club de la lucha, como lo hace en un local tan escondidas sin que nadie se entere ( hasta el final) y otros "peros" que se le pueden hacer como que su jefe no se de cuenta antes, a la vista de las magulladuras con las que siempre acude al trabajo, del camino a la perdición que ha emprendido. Pues todo eso a mi me da igual,  habrá quién diga que la película es de crítica social hacia el consumismo y el sucio mundo capitalista, sobre los problemas de nuestra sociedad, etc. Otros dirán que "nanái del peluquín", que ellos no compran este subproducto, pseudoprogre o psudointelectual. Yo también pensé como ellos por momentos, pero me quedo con la película en conjunto, con sus diálogos, su velocidad endiablada, con esa casa mugrienta y abandonada donde malviven de lujo los dos protagonistas y con esa primera parte de humor negro acudiendo a todo tipo de terapias, incluída la de los castrados por cáncer de testículos, una enfermedad muy difundida hoy día.

     El proyecto Mayhem es el responsable de sembrar el terror por toda la ciudad, disponiendo en los pilares de un gran número de rascacielos de las cargas de explosivo necesarias para convertirla en un infierno. Este terrorismo es el que prefigura ese pequeño club generado en torno a un grupo de insomnes descontentos con sus vidas y dispuestos a autolesionarse para sentirse mejor, en un gigantesco acto de sadomasoquismo. Cada espectador, por tanto, debe dejar de lado sus valores o escoger los que más le interesen para llegar a su propia conclusión. Para mi es un terror delicioso, como ya he señalado. Un gran trabajo del duo Northon- Pitt, no tanto de Boham-Carter, pero sí de Fincher, que realiza otra obra sublime del nihilismo, como ya hiciera con Seven.

  

ELEPHANT ( 2003)

             Cuando termino de ver la afamada cinta de Gus Van Sant, tan premiada como alabada por ciertos sectores de la crítica, quedo unos minutos en estado de shock. Una pequeña parálisis que me hace recapacitar rápidamente y pensar en la vanidad terrible, gigantesca de algunos de estos cineastas tan aclamados e tan innovadores. Es cierto que la apuesta es arriesgada: contar la historia de la matanza del instituto de Colombine, tan trágica y terrorífica de una manera bastante sutil e inocente, usando un lenguaje cinematográfico diferente ( que no  nuevo) y  rompedor, donde la cámara se sitúa detrás de muchos de los protagonistas que se entrecruzan a lo largo de la película en un interminable paseo por su cotidianeidad que sinceramente, poco me interesa. Quizás la única virtud de esta cinta sea precisamente la asepsia, la naturalidad con la que un par de chicos normales y corrientes deciden un día "pasárselo bien" cargándose a cuantos se les ponen a su paso en el instituto de secundaria.

   Una interpretación del "Para Elisa" de Beethoven sirve para poner un punto intermedio en la narración. Verdaderamente se hace interminable otra vez, en este contexto, me desespera si cabe un poco más. Después el caos: una escena del horror nazi en televisión y, a continuación, las armas enviadas por correo, las que van a poner fin a la vida de  muchos de sus compañeros de instituto.  Los dos muchachos que saben que van a morir tan agustito se dan una ducha de placer con final feliz, ¿A qué viene eso?.Y no pensemos que el tío Gus nos va a dar tregua: bien al contrario, seguirá machacándonos con esos planos traseros interminables, ahora desde la perspectiva de la "tontita" del instituto, más bien "rarita" que da otro punto de vista que no me interesa para nada.  Los dos asesinos marchan camino del instituto Columbine y otro plano más desde dentro del coche viendo sus espaldas. Curiosamente, antes de penetrar en el recinto-matadero, advierten al chico rubio de que algo malo va a pasar, salvando así a un número de chavales. Pero todo es completamente arbitrario.Sólo espero que llegue el final y se produzca la masacre para poder dejar de sestear y que mis párpados alcancen a abrise por completo.

    Finalmente aparece un chico negro "Benny" que no se altera por el horror que escucha, los estruendosos disparos y los casquillos de bala callendo al suelo. Nuevamente, de manera parsimoniosa, como si nada le importase, va recorriendo pasillos lentamente, hasta dar con uno de los asesinos, que reprende al psicopedagogo por no haberles hecho caso ante sus denuncias de malos tratos. Por supuesto que Benny es acribillado pero al psicólogo le recuerda como debe comportarse a partir de ahora con chicos como ellos. De alguna manera descarga su responsabilidad en la mala praxis del especialista y lo acribilla por la espalda. Los dos psicópatas se reúnen en la cantina para contar las piezas que han cobrado pero Alex ( Alex Frost), verdadera cabeza pensante de todo el plan, acaba con Erik ( Erik Duelen).

    Si alguna virtud tiene la cinta es la de estremecernos al hacernos pensar que unos chicos cualquiera, sin necesidad de que perpetúen el estereotipo de chicos malos, pueden destrozar por las buenas la vida de toda una comunidad educativa. Ese es el miedo que extraigo de una película pretenciosa y sumamente soporífera. Lo siento Gus, no te compro este producto. Me quedo con Michael Moore.

 

CHOCOLAT (2000)

      Dulce parábola del buen rollo, chocolate en vena para cambiar el mundo que nos rodea. Esta película no puede disgustar a nadie, salvo a gente muy puntillosa o  conservadora que crea que las cosas siempre deben ser como ellos creen. A través de una sencilla chocolatería Vianne ( Juliette Binoche) va a remover las conciencias de un anquilosado pueblecito de la Francia profunda en los años 50 del siglo XX. 

En ese pueblo, Lansquenet, se concentran todos los tópicos de la carcundia: el alcalde es un noble que controla la moral de sus vecinos, es un ultracatólico y a través de la iglesia escribe los sermones del joven e inexperto párroco  dirigiendo sus críticas contra todo aquello que altere la tradicional moral. Paradójicamente, su mujer lo ha abandonado pero él dice que está de viaje. Está también el venerable anciano con su perrito enamorado de una bella viejecita que guarda luto por su marido muerto en servicio en la Primera Guerra Mundial. Encontramos a una mujer maltratada que se libera con una poco disimulada cleptomanía. Bien pues todo este mundo singular y típico va a cambiar para siempre con el viento del norte, ese que arrastra a Vianne y su hija Anouk.

   Y va a cambiar en plena pascua, cuando las normas estrictas del buen cristiano debe guardar ayuno en todos los sentidos. Ella introduce a través de sus dulces de chocolate todo un mundo desconocido para esa arquetípica sociedad, un mundo de nueva sexualidad y formas de vida más liberales que provocará el escándalo de los sectores más conservadores de la población aunque un espíritu de rebeldía ante la opresión también se despierte en el ánimo de muchos de ellos, los de espíritu más abierto.

   El alcalde ( Alfred Molina) representa lo viejo y antiguo, con la estatua de su antepasado de sangre azul presidiendo la plaza mayor. Ahí, delante de lo viejo, surge lo nuevo, la chocolatería de Vianne, el futuro, el porvenir que ataca los cimientos de lo arcaico. La chocolatera además de guapa y amable, muy enrollada, sabe ganarse a la gente, sabe percibir la necesidad de cada cliente. Sería una excelente relaciones públicas. Su problema ( y por ende el de su hija) es que su origen es legendario, casi mitológico, relacionado con el cacao en el mundo maya ( de ahí el nombre de la chocolatería) la lleva de pueblo en pueblo cuando el viento del norte sopla con fuerza. Pero en este pueblo echará raíces que le serán muy difícil arrancar. No solo por la aparición de un fugaz Jonny Deep que enamora con su estética hippie y su guitarra al viento y que hará que se centre más en sus propios sentimientos sino su propia hija, cansada de vagar errabunda por la vida. Y un hecho definitivo que le hará plantearse si su existencia tiene que estar ligada a la de su madre a la que lleva siempre consigo.

Caroline ( Carrie Ann-Moss) es la secretaria del alcalde, le sigue en sus ideas porque está enamorada de él. Ve con malos ojos que su madre, Armande ( Judi Dench), una anciana enferma y que va por libre, alquile el local a Vianne. Y también es una madre controladora de su hijo al que impide acercarse a su abuela aunque la dulce chocolatera logrará solventar todos estos problemas, como tantos otros.

    Lo cierto es que Binoche acapara la mayor parte de la atención con su papel de Vianne, la chocolatera, llevando todo el peso interpretativo de la narración pero las actuaciones del resto del elenco son magníficas, tanto Alfred Molina como el conde de Reynaud y Carrie Ann-Moss en el papel de Caroline  hacen un trabajo magnífico. Dejamos a parte a la gran Judi Dench que es Armande madre de la anterior y casera de la chocolatería. Borda como siempre un personaje hecho a su medida, dulce y triste al mismo tiempo, pero decisivo a la postre. Deep es casi testimonial como comentábamos y Leslie Caron como madame Audel es la bellísima anciana que enamora a su particular romeo.

  

     Lasse Hallström continua con este film su exitosa carrera cinematográfica en la que rara vez defrauda, como sucede con Chocolat. La música de Rachel Portman es deliciosa y muy vivaz, resulta inconfundible. Creo que Chocolat resulta una dulce utopía mágica, que nos derrite el corazón con su ternura y sensibilidad.

CINCO METROS CUADRADOS (2011)

     Esta película es un buen producto nacional, sorprendente, una película trepidante que no deja indiferente a nadie, en donde las contradicciones de nuestra sociedad consumista de ladrillos aparece plena ante la delincuencia de buena parte de los mangantes que han hundido a este país. Es una historia de la burbuja inmobiliaria, del empacho de cemento en el que nos hemos venido sumergiendo constantemente en nuestra reciente historia centrada en la desgracia de una inocente pareja de trabajadores que tienen un sueño: el de emanciparse y hacer una vida en común en una vivienda por la que ya han desembolsado buena parte de sus ingresos y que descubre, de la noche a la mañana, que lo han perdido todo: que no hay piso ni dinero y que un desalmado contructor ha huído dejándolos en la estacada y en la más absoluta miseria material y moral.

    El drama ya está dibujado. Sorprenden las magníficas interpretaciones del duo protagonista  ya que no lo esperamos por ser quien son: el duo de la telecomedia exitosa tantas veces repetida por televisión. Están soberbios, a cual mejor, en unos papeles dramáticos que bordan como anillo al dedo. Álex ( Fernando Tejero) y Virginia ( Malena Alterio) adquieren un piso sobre plano en el extrarradio de una ciudad cualquiera, en este caso se supone que en la costa ( está rodada en parte en Ciudad de la Luz, en Alicante) pero podría ser cualquier ciudad española en la última década. Van a lo barato, como la mayoría, huyendo de los prohibitivos precios del centro. Como todos, desembolsan sus escasos ahorros en la entrada del piso, como todos, aceptan esa losa que nos convierte en esclavos del capital llamada hipoteca a 40 años.

    Ya falta poco para su boda, para unirse en matrimonio y entonces, llega el mazazo: el edificio a medio terminar es precintado y las obras se paran. El promotor no aparece. Todo su esfuerzo ha sido en balde: años y años de trabajo de hormigas y de privación saltan por los aires, el dinero no está. Comenzará así un duro peregrinar en el que surgiran inevitables roces, peleas, discusiones y rupturas sentimentales. A pesar de que se unen en plataforma para protestar pos sus violados derechos y escogen la dura y sufrida vía judicial poco consiguen. Esto llevará con el paso de los meses a la más absoluta desesperación y a la búsqueda de soluciones tajantes por parte de Álex.

   La peli es una denuncia contra la corrupción urbanística en España, más en concreto en la costa mediterránea. Guarda relación con la serie "Crematorio" que ya comentamos tiempo atrás. La escena inicial donde un constructor y un político se ponen de acuerdo para edificar en terrenos protegidos, saltándose las normativas del medio ambiente nos remite al cine de crítica social, un cine de denuncia siempre necesario aunque poco habitual por estos pagos. Utiliza el esquema de thriller para despertar mayor atención y a fe que lo consigue. El guión es meritorio y el ritmo de las secuencias y muchas composiciones de planos están muy logrados. Así se logra crear un malestar, una tensión en el ritmo narrativo y en el propio espectador que observa impotente una situación que bien le podría ( nos podría) haber pasado.  

     Alex se va convirtiendo en una olla a presión pero a fuego lento, no de sopetón, esa tensión acumulada va cociéndose a pequeños pasos, y se va quedando sin salidas, nadie le ofrece una solución razonable: el sistema se vuelve su peor enemigo. Así llegará al punto de ebullición poniendo en riesgo su propia integridad y jugándose el tipo por conseguir, a la desesperada, arreglar por las bravas el asunto. ¿está justificada la violencia contra un sistema y unas personas que engrasan la máquina terrorífica en la que vivimos cuando desprecian y humillan al común del ciudadano, dejándolo sin salidas?. Es una buena pregunta a la que el guión no da una respuesta bastante clara.

   En cuanto a las interpretaciones, al margen del duo Alterio-Tejero, Tejero-Alterio, tanto monta, hay que destacar a un siempre correcto Emilio Guitiérrez-Caba que consigue atrapar el odio del espectador y que tanto nos recuerda a muchos mafiosos del día a día español, a tantos Bárcenas del ladrillo patrio.  Es posible que la historia esté muy llevada al límite  y el final sea un tanto inverosímil, quedando bastante abierto por otro lado pero no hay que obviar la situación humana y psíquica a la que pueden conducir a un ciudadano cualquiera.

LOS AMANTES DEL CÍRCULO POLAR (1998)

  Un cúmulo de sensaciones y emociones arrebatadoras y perturbadoras se asientan en aquel espectador que tenga un mínimo de sensibilidad después de visionar esta obra de arte. Podemos poner todos los reparos que queramos, que si esnobismo, que artificiosos alardes poéticos, que si pedantería intelectualoide, engaños argumentales o tomaduras de pelo. Pero esto es cine señores y de muchos quilates, cine con mayúsculas porque todo eso también es cine.

  Reconozcámoslo, Médem lleva a cabo una de  sus más geniales creaciones. Consigue atrapar con ese cine circular y simbolista, lleno de imágenes sugerentes y evocadoras de una belleza deslumbrante. Es de esas películas que, después de ser vista, se estanca en nuestra imaginario durante mucho tiempo porque es una película capicúa, como no se cansan de repetir sus dos protagonistas esenciales, Otto ( Fele Martínez) y Ana ( Nawja Nimri), es decir, es una película que puede ser vista de principio a fin al igual que desde el final al principio: inicio y fin son el mismo, los impresionantes ojos de Ana en los cuales se refleja el rostro compungido de Otto dan inicio y final a esta extraordinaria historia de amor. Médem busca eso precisamente, jugar con el espectador creando un conjunto de símbolos que se repiten y giran contínuamente alrededor de él.

  Sin embargo lo que Médem quiere contarnos es una historia de amor poco convencional, la de dos chiquillos casi adolescentes que, por las casualidades del destino ( algo que a su autor tanto gusta representar) se encuentran en un colegio religioso de EGB en los primeros ochenta, en donde separan a niños de niñas. Allí se enamoran profundamente y por esos azares de la vida acaban viviendo juntos como hermanastros: la madre de Ana, viuda, se enamora del padre de Otto, separado. Aunque al principio Otto y Ana, Ana y Otto viven cada uno con sus madres, es Otto el que da el paso de estar mucho más cerca de Ana, yéndose a vivir con su padre y dejando a su madre sola, algo que después tendrá terribles consecuencias y que darán un nuevo salto mortal en la historia.

   Mucho de lo que nos impacta es que nadie conoce el amor de estos dos adolescentes hermanastros, el secretismo con el que llevan su amor, en una sociedad todavía arcaizante, llena de prejuicios morales. Pero ellos siguen adelante porque su amor está por encima de todo lo comprensible a pesar de que la vida los separará irremediablemente y los volverá a unir en el círculo polar, en una Laponia en la que ambos habían soñado años antes como si de un juego se tratase y que en realidad acabará resultando ser el momento final de su eterna unidad. 

   Porque Ana y Otto son uno, están unidos desde que nacen aunque ellos no lo sepan por una serie de azares del destino que se remontan al origen del nombre de él, a un aviador alemán que ha bombardeado Guernica en la Guerra Civil Española y que ha sido salvado del olvido y de unas ramas que lo retienen en lo alto de un árbol por su abuelo. Este mismo aviador, Otto, logrará huir a Finlandia no sin antes enamorarse y casarse con una desvalida chica vasca que será el amor de su vida y que engendrará a Álvaro, el tercer amor de Olga, la madre de Ana. Y precisamente este Otto, el original, será el cauce del destino final del amor inmortal del duo protagonista cuando, ya mayor, consigue la preciada cabaña a orillas de un lago para Ana. Un lugar en el que se refleja la belleza de un sol que nunca llega a ponerse, que planea sobre el horizonte, el lugar en el que Otto, el protagonista, va a lanzarse en paracaídas, como  60 años antes había hecho el anciano sobre una España en Guerra.

   Todo este aparente galimatías se resuelve con facilidad si nos olvidamos de lo accesorio y nos mantenemos fieles a la historia central de ese amor apasionado, adolescente, de una fuerza sobrecogedora, aunque parezca casi imposible que Álvaro y Olga no descubran nunca a Otto y Ana en la cama desnudos durante tantas y tantas noches apasionadas de amor.  Cierto que siempre se pueden observar pequeñas fallas en el guión pero, ¿en qué película no las hay?. Esas escenas del amor adolescente, esa imagen del beso debajo de la cama ya algo más mayorcitos, la cruel separación después de la muerte de la madre de Otto, ese encuentro en la plaza mayor donde nosotros deseamos que se vean...pero no lo hacen, los autobuses rojos, en varias ocasiones, las imágenes en sueños de Otto tras su intento de suicidio. Son imágenes que se intercalan con situaciones casi oníricas en esa tensa espera cargada de soledad y diría de frialdad de ambos contendientes.

    Porque Ana resulta fría al iniciar una relación con un profesor que le saca media vida e igualmente al romperla y viajar a Finlandia en busca del amor que ambos se prometieron. También Otto resulta inquietantemente gélido en su aventura aeronaútica, ya anunciada ( un tanto pedantemente) en el bombardeo de avioncitos de su adolescencia. Parecen seres oblícuos, que poco tienen que decirse y, sin embargo, en todo momento, se mantiene el amor apasionado que solo se verá truncado en ese final que nos acongoja por su dramatismo pero que, al mismo tiempo, esperamos desde el principio. Un final amargo y dulce al mismo tiempo, un accidente de circulación en el preciso momento en el que ambos se unen y una pupila dilatada que indica el último estertor de Ana viendo a Otto a su lado, una  muerte dulce.

   Como siempre en Médem, simbolismos mágicos, tramas argumentales muy elaboradas, quizás forzando excesivamente la máquina pero cine en definitiva y con mayúsculas. Música muy adecuada del oscarizado Alberto Iglesias. E interpretaciones muy conseguidas en todos los secundarios que adolecen de algo de ese alma que nos transmite la historia en los dos protagonistas principales ya de adultos. Pero prevalece un magnífico argumento, se impone el amor por encima de todo que nos hace perdonar la falta de voz de Nawja Nimri o los excesos de Fele Martínez.  Una película imprescindible en la filmografía del controvertido y genial Julio Médem.

KATMANDÚ, UN ESPEJO EN EL CIELO(2011)

  Una excelente reflexión sobre las injusticias de una sociedad atrasada, aún medieval, en pleno siglo XXI. Es Nepal, un país fuertemente jeraquizado y separado en clanes y castas en donde las diferencias de riqueza y de educación marcan la realidad de un país paupérrimo, con unas tasas de analfabetismo abrumadoras. Ahí es donde Bollaín vuelve a acertar, en mostrarnos una realidad a veces un tanto oculta por la imagen que tenemos de ese mundo plagado de religiosidad budista y, sobre todo, induísta que nos abruma en estos tiempos de incertidumbre en occidente.

 

  Lo cierto es que la película consigue atraparnos con esa sensibilidad que siempre sabe sacar a relucir la directora española. Lo hemos visto recientemente en otras películas suyas como la extraordiaria y ya comentada "También la lluvia", donde las contradicciones de una sociedad fragmentada salen también a relucir tratando con gran humanidad todos estos asuntos tan de actualidad. Desde luego que el papel protagonista de Verónica Etxegui es de lo mejor, esta actriz, poco a poco, va forjándose una carrera cada vez más completa. Su papel está lleno de dulzura y amabilidad hasta conseguir que soltemos alguna que otra lagrimilla.

   La historia es la de una profesora, Laia, activista de los derechos de los niños que se embarca en la ardua tarea de educar, de inyectar futuro, en una sociedad todavía muy arcaica. Se va a topar con múltiples trabas que nos van a mostrar lo delicado de la situación del Nepal, un país encerrado en sí mismo, corrupto y fuertemente segregado socialmente. Acepta un matrimonio de conveniencia para no ser deportada, tiene que sobornar a funcionarios para obtener los papeles necesarios para abrir una  escuela infantil en el lumpen de Katmandú, la capital del país, en una zona de chabolas en donde las mujeres se niegan a que los niños acudan al colegio para que trabajen aportado algo de dinero que les permita su supervivencia, su alimentación. Laia conseguirá convencer a las madres para que permitan a sus pequeños escolarizarse a cambio de darles ella de comer. Pero las dificultades no pararán de llegar, con una serie de desgracias que ponen de relieve la fragilidad enorme de una realidad social desesperada.

   Vemos el drama de la prostitución de  menores, en una chica de la escuela, la primera a la que Laia llega a impartir sus nuevos métodos pedagógicos que es enviada por sus padres a India con la promesa de un trabajo y que acaba en manos de las mafias. Observamos ese primer drama terrible, el de una niña a la que quitan su infancia y su dignidad. Después también vemos el drama en las carnes de la propia Laia que, enamorada de su marido, se enfrenta a su incomprensión por lo que hace obligándola a elegir entre él y su vocación. Y también el drama de su amiga y compañera de enseñanza, Sharmila ( Sumyata Battari), una nepalí que desea ser madre, que vive al borde de la degradación familiar por atreverse a tratar con esa parte de la sociedad que es escorada, vilipendiada, olvidada por las castas superiores a las que ella pertenece. Cuando quede finalmente embarazada rechazará el feto por ser niña y decidirá abortar exponiéndose a perder su propia vida.

    Un viaje a los bajos fondos de la sociedad nepalí que permite a Laia descender a sus propios infiernos personales, a sus contradicciones internas. Basado en una historia real, la de la maestra catalana Victoria Subirana, que en los 70 marchó a Nepal para alfabetizar a una sociedad ciertamente tercermundista.

  Quizás lo peor de todo el conjunto sea el horrible doblaje que tiene  la película al español, en especial el de la protagonista, y que desdibuja bastante el conjunto del film. Resulta  exasperante e irritante el desfase sonoro y la falta de emoción en muchas de las escenas y que lastran lo que podía haber sido una gran película. Tampoco me parece que acierte la directora al introducir ese popurri de lenguas, ora en inglés, ora en español, ora en nepalí. Resulta desconcertante como mínimo aunque si lo que trataba era de caminar hacia el docudrama ciertamente lo consigue, pero creo que esa no era su verdadera intención.En cuanto al guión podría haber incidido mucho más en el drama y solo pasa de manera superficial por los asuntos más espinosos, como si estuviésemos viendo un telereality, un programa de tele-relidad, en la que una española nos muestra su trabajo y vida en el lejano y perdido mundo Nepalí. De lo mejor son las escenas del interior del país, lejos de la horrenda capital que da título a la obra: unos extraordinarios planos de las cumbres del himalaya, con esos picos siempre nevados y los pueblos del interior, mucho más atrasados si cabe que la propia urbe nepalí.

  En definitiva un ejercicio filmico interesante, no de lo mejor de su autora por defectos que lastran el guión, tanto técnicos como de texto pero que resulta muy emocionante. La visión de todos estos dramas tan contidianos pero tan alejados de lo que vemos en los telediarios y en nuestro bonacible mundo capitalista nos permite sacar a relucir esa mala conciencia respecto a nuestra lujosa forma de vida.

LINCOLN ( 2012)

   Después de ver en pantalla gigante la última obra de Spilberg, salgo con un sabor agridulce porque he visto una gran obra cinematográfica, unas interpretaciones magníficas, sobre todo un enorme, fabuloso, gigante, las palabras se quedan cortas para hablar de esta interpretación de Daniel Day-Lewis en el papel protagonista. El regustillo amargo puede estar centrado, en mi caso, en el excesivo metraje y en la lentitud de la película. Aunque no es óbice para dejar de alabar esta excelente recreación de la lucha final de Lincoln por conseguir la aprobación de la decimotercera enmienda aboliendo formalmente la esclavitud en los Estados Unidos. Luchas enfrentadas que nos ponen de manifiesto la actualidad de lo que se cuenta en la película, las dificultades que una verdadera democracia impone a los acuerdos entre ejecutivo y legislativo cuando estos están verdaderamente separados. Y como, en una situación extrema, en plena Guerra Civil, prácticamente derrotado el ejército confederado, hay que convencer a los diputados, representantes de pequeños distritos que no están dispuestos a renunciar a sus convicciones o al interés de sus electores anteponiendo estos, incluso a las necesidades nacionales o a la abolición de la esclavitud por imposición de un presidente que actua ciertamente como un dictador cuando trata de doblegar al legislativo. Y a fe que lo consigue, como bien sabemos, pero también con una dura lucha, tan violenta en lo dialéctico como la propia conflagración armada.

  Me recuerda a las grandes películas del cine norteamericano de los  60 y 70 que abordaban el cine político, esa maravillosa y recomendable Tempestad sobre Whasington, siempre revisable, del genial Otto Premingger. En otro plano y época pretérita evidentemente. En esta ocasión Spilberg logra extraer la esencia misma del personaje, humanizándolo, lo vemos como cercano a nosotros, como un hombre más, lejos de esa imagen de líder sobrehumano que logró llevar a su nación a la unidad tras la guerra y que puso en pie la abolición de la esclavitud.

    En ese asunto se centra el guión, en los titánicos esfuerzos del presidente, con la oposición incluso de su propio gobierno, de aprobar cuanto antes, incluso por delante de la ansiada paz, la enmienda que declare abolida toda clase de esclavitud, haciendo patente la declaración de igualdad que la propia constitución preveía. Y a fe que la lucha es enorme, primero debe convencer a su gabinete y, después a los representantes de su partido, el republicano, sobre todo al ala más conservadora, reticente a votar a favor. Ahí contará con el apoyo de un magnífico Tadeus Stevens ( Tommy Lee Jones) que está que se sale en una caracterización acertadísima ( al igual que el resto de protagonistas). El líder del ala radical del partido republicano mueve sus hilos y lleva a cabo una serie de intervenciones en la cámara de representantes que conmueven y que consiguen atraer a su causa a todo el partido republicano. Sin embargo, eran necesarios 3/4 partes de los votos y para ello necesitaban,  además, el voto de 20 representantes demócratas, contrarios a la abolición en principio ( primero acabar la guerra y después ya se vería). Pero Lincoln sabía que si no se aprobaba la enmienda, una vez terminada la guerra, se olvidarían de ello y dejarían de aplicar su decreto presidencial que garantizaba la igualdad. Para no que todo ello no cayera en agua de borrajas, se debía tratar de aprobar la enmienda de inmediato. 

  Para lograr convencer a los demócratas, van a utilizar la corrupción política, algo muy poco frecuentemente mostrado en la imagen impoluta que Lincoln guarda en el imaginario norteamericano. Pero no son los yankees pacatos en este sentido y, al menos en su cine, muestran todo, incluidas las miserias de su ídolos. Lo importante, en aplicación de Maquiavelo, es lograr un bien mayor aunque haya que utilizar la treta que haga falta. En  este sentido, Lincoln autoriza a W.N. Bilbo ( James Spader), periodista y abogado a sobornar  a un grupo de congresistas a los que ofrecen cargos públicos si votan a favor. También intervienen otros miembros del gobierno y hasta el propio Lincoln que, con sus discursos, trata de persuadir a los representantes. Pero será duro, la minoría demócrata tiene entre sus filas a afilados oradores que son capaces de echar abajo cualquier argumentación a favor de los negros.

 

   También es muy interesante el dilema moral que se le presenta al propio Lincoln: si es preferible abolir inmediatamente la esclavitud aunque eso cueste muchas más muertes en el frente o llegar ya a la paz con el sur a pesar de que nunca se pueda aplicar la abolición en estos estados. Optará por lo primero, pero las dudas están presentes, incluso cuando su hijo mayor decide alistarse en el ejército.

  

    Memorables son los debates en la cámara, una cámara en la que se abuchean y hay dialéctica de gran altura, pero una cámara en la que priman intereses divergentes. Emocionante el momento histórico en el que se comprueban que están los votos necesarios. Incluso se sigue la votación en el cuartel general de los Estados Unidos mediante el telégrafo. Se van anotando los votos, en una interminable y agónica votación. Los soldados negros aguardan emocionados el resultado final. El general Grant está presente es esos trascendentales momentos en otra extraordinaria caracterización.

  En general los actores están todos muy acertados, desde el gran Day-Lewis ( con su tercer Óscar de la academia), pasando por una acertada Sally Field como mujer de Lincoln, que sabe en todo momento ser una mujer temperamental que se enfrenta y aconseja a su marido, el citado Tomy Lee Jones y un largo etcétera de actuaciones muy logradas.

  Una gran película que nos devuelve ese cine político bien elaborado, con una historia de guerra como telón de fondo. Un cine soberbio, bien rodado como siempre en un maestro como Spielberg, un buen guión, una magnífica fotografía y una escenografía muy conseguida. No se porqué no tuvo el Óscar a la mejor película a pesar de obtener 2 y 13 nominaciones. Cine épico de grandes vuelos, del que poco abunda.

DIARIO DE UN SKIN ( TV) (2005)

    Podríamos enlazar muy fácilmente este irregular telefilm español con una película americana magnífica, American History X, por la temática común que abordan: el mundo de los cabezas rapadas, el movimiento skin. Pero aquella era una buena película y esta es más bien floja. Sería una visión cañí pero no por ello menos peligrosa o edulcorada del mundo neonazi en donde vemos las delirantes ideas que albergan estos auténticos enfermos mentales, su relación con el deporte y el fútbol en particular: con los grupos de hinchas radicales de los equipos.

    La película narra un hecho verídico: la inmersión del periodista Antonio Salas ( Tristán Ulloa) como topo dentro de un grupo de skins madrileños. La historia nos cuenta que un compañero de Salas, sudamericano, es apaleado hasta la muerte por una pandilla de cabezas rapadas. Salas, destrozado por el que iba a ser su cuñado y amigo, decide contactar con los ultras a través de diversos foros de internet con el objetivo de infiltrase y obtener información que le lleve a descubrir a los autores materiales e intelectuales del crimen de su amigo. Poco a poco va dejando de lado su función periodística para adentrase en su faceta vengativa: reunir cuantas más pruebas sea posible, mediante la utilización de cámaras ocultas fundamentalmente. 

   Se va a hacer llamar Tiger y, muy pronto, cambiando su propia estética a la neonazi, se hace amigo de un personaje que tiene una librería de temática skinhead. Este personaje es Panzer ( Fernando Cayo) que es de lo poco salvable de esta película dicho sea de paso. A partir de esa amistad se adentra en un grupo asociado a los Ultra Sur madridistas y que pronto descubre que están dirigidos desde arriba por otras personas, los auténticos inductores del crimen de su compañero.  De manera hábil pero arriesgada a punto estará de ser descubierto aunque sale siempre airoso de todas las encrucijadas y logra no ser descubierto. Así obtiene información determinante los responsables del homicidio: los jefazos de la organización. Alertado por un avezado policía y amonestado por su jefe en la redacción se verá prácticamente solo ante el peligro. 

   Obviamente, y para disimular, tiene que ser un auténtico skinhead, un nazi de los pies a la cabeza. Y no sólo en la estética sino en la forma de actuar y hasta de pensar. Llegará un momento en el que está como siendo abducido por una secta y comenzando a pensar como ellos. Hasta su novia ( hermana del asesinado compañero) llega a sufrir sus iras y malos modos poniendo en peligro su relación.  Tiger será implacable con las prostitutas, los negros y los homosexuales, al menos eso hará creer a sus compinches que no sospecharán nada. Llegará a entrevistarse con el jefe supremo, ligado a mafias de vigilantes de seguridad. Pero dentro de la propia policía el camino se le cerrará, llegando a un punto muerto que está muy cerca de arruinar todo su trabajo y hasta su vida.

    La película ( en realidad es una adaptación para televisión, un telefilme) deja mucho que desear en varios aspectos. El guión, que es una adaptación de la exitosa novela de Salas, es muy flojo. Carece de credibilidad, parece elaborado por alguien muy poco experto en esas lides. No te crees la  historia en ningún momento y nos remite a escenas que pretendiendo ser duras no dejan de ser tópicos y lugares comunes además, mal rodados.

  Los actores están peor que mal. Ulloa en sus momentos más bajos, Cayo se salva un tanto de la quema, como buen actor que es, pero tampoco llega a convencer del todo. No obstante realiza una digna labor.  Casablanc salvable como casi siempre. Como curiosidad una siempre estridente Macarena Gómez, como Leire, bastante pasada de rosca. Lo peor quizás sea la falta de profundidad en los personajes y el escaso realismo que transmiten.

   La dirección no es una maravilla tampoco, los movimientos de la cámara, los puntos de vista subjetivos, las persecuciones no están muy logradas. Parecen la obra de un aficionado. No obstante si que es un producto visual digno de ver, sobre todo de cara  a la juventud. Aunque esté lleno de lugares comunes consigue transmitir lo peor de la extrema derecha radical: el odio, fundamentalmente eso. Y la complicidad de gente muy importante en estos grupos aparentemente espontáneos. Es quizás esa la mejor enseñanza que podemos extraer de todo lo que vemos. Telefilme reality hecho por y para televisión.

   

WILDE (1997)

  Interesante retrato del afamado y genial escritor británico Oscar Wilde, en una Inglaterra prejuiciosa, de moral pacata y conservadora, en la etapa victoriana que dió con sus huesos en la cárcel por sus relaciones homosexuales tras un juicio que sirvió de escarnio público para él y su familia heterosexual   y que lo condujo a un estado de postración física e intelectual que pagó muy caro en su propia salud, que no en su labor creativa que continuó tan lúcida como siempre.

 

   La historia está muy bien trazada, cronológica y sentimentalmente porque, en el fondo, es una historia de amor. Un amor desbordante que Wilde sentía por la vida sin más, por el amor, por la naturaleza, por su familia e hijos y por su amante Alfred Douglas ( Jude Law) en el que cree descubrir la belleza pura y auténtica, un ser al que jamás dejó de querer a pesar de su alejamiento de dos años en la cárcel.

  Vemos durante la película a un Oscar Wilde desbordante: ocurrente, inteligente en casi todo lo que decía y hacía. Incluso en su peculiar relación con el padre de su amante, el  marqués de Queensberry ( Tom Wilikinson) que lo denunciará por sodomía. Sin embargo él  no  perderá nunca la calma, será un auténtico gentelman inglés, intentando dialogar con él y evitar el escándalo por evitar sufrimiento a su mujer y su familia.

   El guión se centra en ese problema que era ser homosexual en la sociedad inglesa que le tocó vivir, deja de lado otros aspectos interesantes o, al menos, los toca de pasada, sobre todo su carrera literaria e intelectual. Sin embargo consigue mantener al espectador a la espera de un destino que ya conoce de antemano.  Dentro de la película vemos la utilización del cuento el gigante egoísta   que el protagonista utiliza y sirve de nexo entre las distintas partes de la narración, cuando juega con sus hijos en el jardín e intenta explicar de esta sutil manera quién es en realidad su padre y que deben aprender y saber el gran amor que por ellos siempre a pesar de su naturaleza sexual.

La ambientación está muy lograda y detallada, consiguiendo el director un buen conjunto visual que nos cautiva. El ritmo de la película es pausado pero no se hace tedioso en ningún momento. Las imágnes del sufrimiento y trabajos forzados de Wilde en prisión son conmovedoras y nos hacen reflexionar sobre la injusticia y la discriminación en una sociedad supuestamente avanzada.

 Lo mejor de esta película es la actuación del actor británico  Stephen Fry que consigue reflejar la extraordinaria y poliédrica personalidad del autor inglés. El actor británico consigue una magnífica caracterización del genio inglés: no sólo en el aspecto, sino en sus  ademanes, en su forma de caminar y hablar y en su extraordinario sentido del humor.  Jude Law realiza una convincente labor teniendo que lidiar con un personaje también  es muy complejo, que gusta y desagrada por igual. El resto de actores secundarios también brillan a gran nivel: la esposa de Wilde, Constance (Jennifer Ehle), en particular representa ese papel de sufrimiento por una situación que le desborda, junto a sus dos hijos, abandonará a su marido y cambiará su apellido.

   Un biopic del escritor británico que resulta interesante y tremendamente conmovedor. Un gran documento para entender una sociedad conservadora y plagada de prejuicios. Y un precioso retrato del amor y del desamor. Recomendable.