TAMBIÉN LA LLUVIA (2010)

 Magnífica película de cine dentro del cine, con el trasfondo de la conquista española de América.  El equipo de rodaje de una película sobre el papel de los españoles en la conquista de América y su relación con los indígenas y la aparición de Fray Bartolomé de las Casas denunciando los abusos contra los indios se dispone a seleccionar extras para algunas de las escenas.  Están en Cochabamba ( Bolivia) en el año 2000 y surgen graves problemas con la población cuando Costa ( Luis Tosar) se niega a aceptar a más extras. Él es el productor y quiere ajustar el presupuesto lo máximo posible. La cola de personas era muy grande y, al enterarse las gentes de que, después de pasar varias horas al sol y casi deshidratarse, tienen que volver sin  nada a sus casas, se monta una pequeña revuelta.  Es la primera escena de la película la que nos va a dejar ya un mensaje claro de por dónde van a ir los tiros: la lucha entre españoles e indígenas, que todavía no se ha cerrado, el problema del indigenismo con el trasfondo histórico de la película que se va a rodar sobre la conquista. A ello se sumará la grave tensión que se vive en Bolivia por la llamada Guerra del Agua consecuencia de la privatización y venta  del suministro de agua a una empresa multinacional, el malestar entre las clases menos favorecidas, representadas por los indígenas, se hará patente a lo largo de toda la narración.

     El director de la película que se va a rodar es Sebastián ( Gael García Bernal) y trata de mediar en este problema inicial que nos plantea el argumento, consiguiendo apaciguar los ánimos contratando a uno de los líderes del motín, Daniel ( Juan Carlos Aduviri) un indígena que estará, a pesar del equipo director de la película, encabezando las luchas anticapitalistas en Cochabamba contra la privatización del agua.

   Lo más interesante de esta película, además de la extraordinaria factura técnica de Iziar Bollaín, es el paralelismo que se establece entre el tema de la película que los dos protagonistas principales, productor y director, Costa y Sebastián, quieren rodar, sobre la conquista de América, es decir, sobre la imposición de una cultura foránea sobre otras, y el problema real que se está produciendo con la guerra del agua en Cochabamba, entre intereses indígenas y una compañía multinacional. Es como si el problema de la imposición desde fuera hacia los indígenas no hubiese cesado, lo que podíamos llamar neocolonialismo, y todo ello en un contexto marcado por el rodaje de una película que no hará sino reabrir nuevas heridas.

  Podía Bollaín haber realizado una película de protesta, panfletaria, sobre este sangrante asunto, pero se aleja de ese tono y se centra en la realidad de ese trío de personajes que se establece entre el director, Sebastián, el procuctor español, Costa y el actor indígena, Daniel. La tensión entre los tres, especialmente entre Costa y Daniel estará latente durante todo el film, como queriendo poner de relieve que, cinco siglos después de la conquista, los problemas entre los españoles y los indígenas siguen sin solucionarse.

   Además hay escenas del presente que nos retrotraen a la conquista, sin pretenderlo el equipo de rodaje, que se ve inmerso en la triste situación de los más desfavorecidos. Los protagonistas, disfrazados de indígenas, vuelcan un coche de la policía, que en este caso representa la violencia, la fuerza que lucha contra el indigenismo. Así se enlazan, de forma sutil, dos períodos históricos tan distantes transmitiendo la directora que, con el paso de los siglos todo sigue igual.

    También es una historia de redención, de cambio de mentalidades, de concienciación ante la situación de injusticia por parte de Costa, un magnífico como casi siempre Luis Tosar, que evoluciona durante el metraje. Al principio es un frío y calculador productor que sólo se interesa por Cochabamaba porque puede explotar la mano de obra barata, pero después reacciona positivamente ante la injusticia que se está cometiendo con los habitantes desvalidos en esa guerra del agua. Priorizará todos sus intereses a la salvación de una chica india malherida en los enfrentamientos. Por tanto, la película también nos transmite unos valores universales que se imponen finalmente, valores como la solidaridad y le empatía, aunque no siempre ocurre así en la realidad, por desgracia.

   Sin embargo Sebastián, el director, solo tiene en mente acabar la película, su película a toda costa, sin reparar en la situación dramática que está viviendo el país. Trata de forzar la máquina todo lo posible por lograr su interés. Curiosamente, uno de los actores de la película, un ebrio Karra Elejalde, es el único que  mantiene la cabeza fría y es coherente con lo que es necesario hacer finalmente.

    Por tanto vemos una gran película, con un guión magnífico, muy bien desarrollado, con momentos de gran tensión dramática trufados de imágenes muy sugerentes de la conquista de América, las denuncias de Fray Bartolomé de la Casas y el genial paralelismo que introduce con las luchas sociales del mundo capitalista actual. También es genial la relación que establece dentro del propio equipo de actores de la película que se tiene que rodar, no solo el borracho Elejalde, sino los conflictos contínuos entre actores y equipo director de la película, conflictos que refleJan las disparidades de opiniones que todavía pululan en los subconscientes de la sociedad actual respecto a la conquista de América.

HYSTERIA ( 2011)

  Agradable y recomendable comedia basada en hechos reales, de carácter feminista, con el trasfondo de la Inglaterra de finales del  siglo XIX, en la que el doctor  Mortimer Granville ( Hugh Dancy) después de ayudar a muchas mujeres a superar su histeria a base de masturbaciones manuales, acaba fabricando el primer consolador eléctrico. 

  Todo empieza con el  doctor Robert Dalrympe( Johantan Pryce) que, en su consulta psiquiátrica, introduce la masturbación femenina como terapia para acabar con los pesares de muchas mujeres, con algunos de los que el consideraba síntomas de histeria, pero que en realidad no eran más que pequeñas depresiones acompañadas de insomnio, malestar general y mal humor. De manera deshinibida este doctor introduce esta técnica de carácter sexual y , en la puritana sociedad británica victoriana, es lo que más llama la atención, lo que choca y provoca la sonrisa del espectador. Naturalmente sus pacientes, numerosas, están entusiasmadas con esta nueva técnica que, sin saberlo el venerable doctor, está provocando extraordinaros orgasmos en mujeres que en su vida privada marital seguramente nunca lo habían conocido.  Y eso por eso que su consulta no para de crecer. 

   El doctor es viudo y vive con sus dos hijas. Una, más recatada y  formal, Emily, es la pura imagen de la mujer típica del puritanismo victoriano. La otra, Charlotte, una extraordinaria Maggie Gyllenhaal, es todo lo contrario: feminista y luchadora por los más desvalidos, abandonará el calor del hogar paterno para mantener un pequeño hospicio donde lucha por cuidar y curar a los desheredados. Al mismo tiempo defiende el sufragismo y el derecho de las mujeres a la igualdad.  

   Un día, el joven y apuesto Doctor Granville, encuentra trabajo como ayudante de la consulta del Doctor Dalrympe. Inocente, observa el tratamiento que este realiza, manualmente, a sus pacientes para calmarles su histeria y su  rostro se transforma: queda impresionado y un tanto escandalizado pero acepta el trabajo. Comienza, con cierta torpeza, a practicar las masturbaciones a las mujeres, mayoritariamente entradas en edad. Pero pronto afina su mano y la consulta comienza a desbordarse. Un problema en su muñeca, tras una larga temporada dándole al "manubrio", le lleva al fracaso y a su despido porque queda inútil para seguir dando placer a las venerables señoras.

  Entonces, casualmente, en la vivienda de un aristócrata y vividor amigo, descubre la solución perfecta para no tener que sufrir molestas tendinitis en la mano a consecuencia del desmadre masturbatorio. Junto con su amigo, inventa una especie de vibrador que se atreve a probar de vuelta en la consulta con las pacientes de Dalrympe. Así consigue poner en marcha una revolución sexual que llegará a oidos de la mismísima Reina Victoria.

   La película aborda el concepto de sexualidad femenina que existía en aquel período victoriano, la idea de que el orgasmo femenino era como una reacción alocada, algo antinatural, que paradogicamente servía de terapia de choque para este excéntrico doctor. 

También es una comedia romántica un tanto manida, la relación que enseguida se establece entre el joven doctor y la hija más recatada y, después, la aparición de la otra hija, la rebelde, que acaba atrayendo su atención. En ese sentido la película fracasa, es demasiado convencional y previsible, quedando finalmente como una película que siendo simpática no acaba de cuajar.

  El guión está bien trabajado, sobre todo en esa reflexión sobre el papel de la mujer y las tremendas  desigualdades sociales que existían en la Inglaterra de finales del XIX. Logra también una lograda ambientación histórica en la que vemos también el papel y los métodos de la ciencia médica en aquel entonces, todavía arcaicos y los avances en este campo. Sin embargo todos estos temas, por tratarse de una comedia, son abordados de manera superficial. La película podía haber dado mucho más de sí. Sin embargo es un buen entretenimiento que nos enseña cosas, con lo cual consigue sus  objetivos en parte ya  que permite extrapolar muchos aspectos de la sociedad de aquel tiempo con la actual.  El reparto hace una brillante labor interpretativa, no solo los principales actores, sino también los secundarios, que no desmerecen a los primeros.

   Además es una película de mujeres hecha por una mujer, la directora Tanya Wexler, casi debutante y que habrá que seguir con detenimiento en el futuro. Se nota ese punto de vista feminista y reivindicativo aunque con el acertado logro de hacer que todo ello sea visto desde la óptica masculina, bien es cierto que desde una óptica masculina abierta, dispuesta a aceptar que la mujer no sea un mero objeto decorativo y juegue en la sociedad un papel mucho más igualitario

 
 
 

LA BANDA PICASSO ( 2012)

   Comedia de contextualización histórica, en la época gloriosa del París de Picasso, Apolinaire, Max Jacob. Estos personajes deambulan sin mucho sentido en una trama bastante rebuscada, con el pretexto del robo de la Mona Lisa perpretado en el Louvre, Picasso y su grupo de amigos, todos estos intelectuales que citaba, serán investigados por la gendarmería francesa, siendo acusados de robo del patrimonio nacional francés. Y no solo por la Gioconda, que tanto admiran en sus visitas frecuentes al templo del arte parisino, sino también por un conjunto de esculturas ibéricas sustraídas para el genio malagueño que, digamos, tomó prestadas y que le sirvieron de inspiración para su primer arte cubista.

  

  Nos encontramos en 1911, el cubismo ya había eclosionado cambiado la historia del arte universal. Braque  y Picasso seguían experimentando en íntima comunión artística pero se van a ver inmersos en un lío  monumental por la desaparición del icono de Leonardo da Vinci. Picasso y Apolinaire son detenidos y encarados. Recuerdan la presencia de un joven muy bien parecido, musculado, apodado el Barón, que les había facilitado cuatro años antes y de forma muy hábil las estatuas ibéricas del Louvre. Estas estatuas y otras que Picasso observa en manos de Matisse, unas máscaras africanas, serán la inspiración para la obra icónica que dió inicio al camino cubista: Las señoritas de Avignon.  Tras ser detenidos, la prensa habla de la banda Picasso, como echando la culpa del robo de la obra más preciada del museo parisino y los sitúa como autores del robo de la Mona Lisa.

   Partiendo de un hecho real, la detención e interrogatorio de Picasso  y Apollinaire en relación con el misterioso robo, Fernando Colomo contruye una comedia costumbrista, una especie de gran bodegón del París de principios de la segunda década del siglo XX. Como película cómica no tiene mucho éxito. Si lo que pretendía el director era presentarnos un fresco en el que van apareciendo, uno detrás de otro, varios de los intelectuales que, junto con Picasso, encabezaron las vanguardias artísticas en ese París mágico ciertamente lo consigue. Pero hay que señalar que no es una película apta para no iniciados en la historia intelectual del primer Picasso. Es quizás uno de sus primigenios errores, dar por sentado muchas cosas sobre la vida de Picasso que el gran público no tiene porqué saber, tampoco traza bien al resto de personajes que tardan un poco en ser presentados y desconcierta al espectador ante tal trasiego de personalidades de tanto nivel en la historia de la cultura.

    Las interpretaciones son aceptables y el Picasso que representa Ignacio Mateos es bastante creíble, quizás la mejor interpretación del conjunto. Representa a un Picasso todavía inseguro de sus propios logros, pintando por encargo a Gertrud Stein y ese cuadro del burdel barcelonés que rompió con todo y que es despreciado por la mayoría de los que lo ven por primera vez. 

    Guillaume Apollinaire ( Pierre Benezit) también realiza una interpretación más que aceptable, el resto de personajes que rodean a Picasso, como Manolo Hugué ( Jordi Vilches), Braque, Matisse, Jacob y sus chutes de éter paranóicos son tratados con simpatía, en un intento de hacer gracia pero que no consigue su objetivo, al menos no del todo. Porque el guión es bastante caótico, le falta un sentido narrativo claro, una línea argumental verdadera, va dando tumbos, creando una serie de bifurcaciones que ofrecen nuevos personajes que no sabemos muy bien a cuento de que aparecen. Desde luego si Colomo quiere darnos una lección de Historia del Arte, tampoco lo consigue porque la visión es tan fragmentaria que despistaría hasta al más experto. Es un quiero y no puedo, por ejemplo no acaba de vislumbrarse adecuadamente la relación con Fernande, aunque si que apunta ciertas manías y celos. Es un homenaje a Picasso y una película recomendable para quien quiera sumergirse en el ambiente artístico de ese Montmatre parisino y de esa comunión tan genial entre George Braque y Pablo Picasso, en ese mundo de marchantes y salones repletos de pintores malditos. No obstante solo me queda por asegurar que no logra crear ese ambiente que tan bien retrata Woody Allen en Midnight in Paris.

EUROPA, EUROPA ( 1990 )

   Relato personal basado en hechos reales de las vivencias de Salomon Perel, un joven judío polaco, que se ve inmerso en la barbarie que propició el III Reich de Aldolf Hitler. La persecución que se impone contra los judíos, como sucedió en la Noche de los cristales rotos, en la que son destruidos muchos establecimientos y  pequeños negocios regentados por familias judías, da inicio a la película, siempre narrada desde el punto de vista del joven Salomon ( Marco Hofschneider) . Él tiene que huir junto con su familia hacia polonia . Allí sus padres, para salvar a parte de la familia, obligaN a un hermano suyo a acompañarle en una huida hacia el este, escapando de los nazis. Estamos ya en plena guerra mundial y Polonia está dividida por el momento, con el control soviético del este. Cruzando un río por la noche  ambos hermanos se alejan y Salomon caerá en manos de los soviéticos, acabando en un horfanato. Allí recibirá una estricta educación en los valores comunistas, en el ateísmo militante y en el odio al capitalismo y al nazismo. Allí, en ese breve lapso de tiempo en el que vive en el mundo socialista, suceden escenas como cuando se intenta demostrar la no existencia de Dios y surgen ciertas oposiciones por parte de católicos. Pero Salomon sabe pasar desarpecibido, aunque llega a gustar a los comisarios políticos soviéticos. 

  Pero pronto los nazis lanzarán su Operación Barbarroja, ocupando toda Polonia y avanzando hacia la URRS. Salomon, en la huída junto a sus compañeros del orfanato, junto con una maestra que se ha enamorado de él, caerá en manos de los Alemanes y perderá de vista a sus amigos. Los nazis lo atrapan, junto a otros que huían hacia el este y con bastante suerte y habilidad podrá hacerse pasar por otra persona, ocultando que es judío, convirtiéndose involuntariamente en un joven admirado, en un héroe nazi, ya que es tomado como víctima del comunismo. Jupp, como así se hará llamar y conocer, hará lo indecible para conseguir prosperar, salvar su vida, representando un papel que le asquea, que le causa graves dilemas morales  pero que, en definitiva, es imprescindible para su supervivencia. Finalmente acabará accediendo, como un héroe como decíamos, a un elitista colegio- residencia para las juventudes hitlerianas. Solo su habilidad logrará salvarle la vida, evitando en todo momento ser desnudado en reconocimientos médicos para que no descubran su circuncisión y su engaño.

  Lo más interesante de esta magnífica película es que describe  muy bien, con las experiencias vividas por Jupp, los dos mayores totalitarismos del siglo XX: el comunismo, en su versión estalinista y el nazismo. Porque nuestro protagonista, un joven aguerrido, es testigo en primera persona de lo que se puede observar como una purga estalinista y, después, vive todo el horror del mundo nazi, viendo incluso a sus propios hermanos de religión y raza ser exterminados. La visión del Guetto de Varsovia es verdaderamente espeluznante.

  Y otro acierto de la película, que fue más premiada fuera de su país que dentro, es que no da una visión de la II Guerra Mundial épica, ni siquiera del Holocausto, sino más bien de un aspecto particular, dando una visión íntima, minimalista, sin descuidar las grandes tragedias de aquella época. Vemos a Jupp representando una vida falsa pero que le va salvando el pellejo y, mientras eso sucede, vemos pasiones, amores, traiciones, miedos que están latentes en toda la película porque, a pesar de su enorme suerte, nunca puede estar totalmente seguro de que no lo vayan a descubrir.

   La directora polaca Agnieszka Holland realiza un maravilloso trabajo de caracterización de personajes, sobrio, sin alharacas.  Su dirección es pausada, utiliza grandes planos en pequeños espacios que son muy expresivos, anuncian toda la atrocidad que vivió Europa en aquel tiempo. Dirige muy bien a los actores consiguiendo que estos den lo mejor de sí  mismos. Aunque en ocasiones las situaciones sean demasiado frías, quizás peque de eso, en la exploración de ese mundo nazi, que se representa asépticamente, con poca pasión, pero que no por ello deja de ser un fiel retrato de los horrores que vivió la europa de Hitler. Vemos lo que pasaba en las entrañas del nazismo, en un colegio para superhombres donde el profesor de historia analiza los cráneos de diversos individuos para mostrar la manifiesta inferioridad de la raza judía, la perversa raza judía y exhibe a Jupp como símbolo de la pureza de la raza aria, midiendo sus dimensiones craneales. Una escena que lo dice todo.

   El debutante actor, el joven  Marco Hofschneider realiza una gran interpretación, creíble desde el punto de vista de su papel, el de un joven que lucha por sobrevivir en un mundo hostil y se enfrenta no solo a su propio destino sino al de todo su pueblo, del que debe abdicar para sobrevivir pero al que acaba volviendo como no podía ser de otra manera. El resto del reparto está correcto, incluso una jovencísima Julie Delphy, novia del protagonista durante su etapa de internado, que refleja todo el lavado de cerebro que un régimen totalitario realiza con los más jóvenes. 

  La banda sonora es de esas que dejan poso. Es como un aullido, un alarido contínuo que rebota en nuestro cerebro de forma incesante y que refleja muy bien las escenas duras y terribles que vamos viendo a lo largo del film .

 Una película con escenas sobrecogedoras, el ya citado guetto de Varsovia visto desde un tranvía que lo atraviesa pero con los cristales tintados, para que la población no sea consciente del horror o bien haga como que no se entera, la escena de la homosexualidad de un oficial Alemán, la escena del cementerio judío desmantelado, con las enormes lápidas apiladas cubriendo un enorme espacio. Son en definitiva arquetípicas de esta película, que resulta imprescindible y necesaria.

 

LA VIDA DE LOS OTROS ( 2006)

   Extrordinaria producción germana, de carácter histórico, dentro de ese nuevo cine alemán que tantos éxitos ha cosechado últimamente. En este caso la película recibió el Óscar de la Academia a la mejor película de habla no inglesa. Asistimos a un drama con tintes de cine negro, de thriller, de espionaje, centrado en la antigua Alemania Oriental, la RDA, República Democrática Alemana.  La policía política, la STASI, temida por sus métodos de tortura, espia a cualquier sospechoso de disidencia. Es obvio que para mantener el totalitarismo se necesita un cuerpo policial que actue causando terror en la población y que controle mediante el espionaje a los habitantes más díscolos. Sobre esta realidad histórica, mejor dicho, sobre esta pesadilla que duró hasta hace bien poco históricamente hablando ( 1989 ) se construye la historia, que es un drama, donde el capitán Gerd Wiesler ( Ulrich Mühe), eficiente oficial del servicio de espionaje recibe el encargo de investigar, pinchar el teléfono, en definitiva: espiar a una pareja formada por un conocido escritor y una actriz. Mientras escucha, mientras viola toda la intimidad de estas personas, mientras solivianta derechos fundamentales, algo propio de toda dictadura, comenzará a darse cuenta de lo cruel de su actuación, de las consecuencias dramáticas que tienen sus informaciones. Todo ello le llevará a un proceso que le hará ir viendo la realidad desde otro punto de vista, podemos decir que irá empatizando con estas personas que están implicadas de lleno en la disidencia, en la lucha por la libertad para su país.

    Se trata de una película de temática política muy lúcida y brillante. Esta construido de manera sencilla, sin alharacas, pero está tan bien contada, tan bien narrada, el guión es tan brillante, que merece la pena ser vista una y otra vez. Es una de las grandes joyas del cine europeo reciente. El guión es sobrecogedor por la crudeza con que se describe la fría y desalmada forma de operar de un régimen totalitario y como el ser humano, puesto a su servicio, deja de serlo, se convierte en una fría máquina dispuesta a lo que le ordene ese mecanismo siniestro estatalizado de partido único. Nos encontramos en los estertores del mundo bipolar, de la guerra fría. Weissler vigila noche y día, casi de forma mecánica a la pareja de artistas, sospechosos de colaborar con la disidencia y de querer contactar con el mundo libre y fugarse al Berlín occidental.

     Estos son  Georg Dreyman ( Sebastian Koch), escritor e intelectual y la actriz famosa Christa-María Sieland ( Martina Gedenk). Ambos se reunen con otros escritores y actores en su apartamento, en fiestas y otros encuentros donde, secretamente, tratan de poner en marcha su proyecto. Lógicamente, el régimen los vigila y espía. Henckel-Donnersmarck realiza una magnífica labor, en una cadenciosa obra de arte que crece con el metraje. Llena de matices, excepcional uso de las sombras y grises en contraposición con el colorido mundo libre.



   Poco a poco, lentamente, se va desarrollando la trama dramática, esa persecución, es gran hermano orwelliano que todo lo oye, en este caso representado por el frío y solitario Weissler, un hombre sin alma aparente, esbirro del sistema y del que vemos que su triste vida es premiada por las autoridades con prostitución pagada por el estado, en una escena en la que vemos casi mecánicamente la función de la meretriz, casi como si fuese una máquina.
   Pero Weissler irá humanizándose poco a poco, comprendiendo que lo que está haciendo no es correcto y sirve para el mal, va empatizando con la vida de las personas a las que espía. Ello es un reflejo del declive moral de la propia RDA en aquellos años. 
   Lo mejor llegará en el tramo final , un final cortante que deja frío al espectador, aunque en el fondo se acabará imponiendo un mundo mejor, con la caída del Muro de Berlín, los personajes que sobreviven se reencuentran en una librería en la que no se conocen.

   Las interpretaciones son excepcionales, destacando el papel de Weissler, un genial Mühe, en su última interpretación. Su personaje, sobre el que gira todo el argumento, está lleno de matices: aparentemente frío  y maquinal, es de una gran ternura llegado el momento. Un papel duro y creíble y asumiendo la mayor carga dramática.  Es un símbolo de lo que fue esa parte final de la Guerra Fría, de su caída inminente, al igual que la de su personaje. Los otros dos protagonistas están magníficos, en especial Sebastian Koch, que está realmente conmovedor tanto en su especial relación con su pareja, a la que adora, como en su defensa de los valores democráticos y su lúcida visión de lo intolerable. También es un papel simbólico, lleno de matices, el poder de la palabra, la lucha mediante esta, en tiempos difíciles, representando a esa intelectualidad que se compromete, sabiendo que se la juega, que puede morir a manos del aparato represor del Estado. Todo ello nos hace reflexionar sobre el mundo actual y si es, a través de la crítica y de las letras, la única forma de cambiar las cosas.

    En definitiva, esta película, con su drama, nos llega a lo más profundo, nos deja tocados, pero no por ello dejaríamos de regresar eternamente a su visionado. Es una excepcional obra de arte, banda sonora incluída. 
    

LA REVOLUCIÓN DE LA SEÑORA RATCLIFFE (2007)

 

      Comedia sutil y sencilla sobre las peripecias de una familia muy ideologizada, comunista, que decide un buen día, de buenas a primeras, emigrar desde el salvaje mundo occidental capitalista al paraíso de los trabajadores. Nótese la ironía. Porque la película narra de manera muy cómica el pensamiento recalcitrante desde el punto de vista de un progre muy progre, el padre de familia, pero que vive bien, con un puesto de trabajo acomodado, en la Gran Bretaña de los años 60, pero que está insatisfecho con su vida y con la sociedad. En realidad su comunismo militante y quasi rayano en la fe religiosa le llevará a hacerse una idea del todo equivocada de lo que estaba pasando al otro lado del telón de acero. 

   El padre de familia del que hablamos es Frank, el señor Ratcliffe ( Ianin Glen ) que, como decimos, lo prepara todo para emigrar a lo que él piensa que es el paraíso en la tierra, la mal llamada República Democrática Alemana ( RDA). La Alemania Oriental, vamos. Y, aunque el resto de familia no está muy convencida (la hija adolescente y contestataria se opone, la hija pequeña, autoritaria, se cierra en banda y el cuñado simplón que vive con ellos tampoco muestra mucha alegría), la señora Ratcliffe, Doroty ( Catherine Tate) acaba siendo seducida por la idea descabellada de su marido. Estamos en la Inglaterra de 1968, un país estancado económicamente en el que se están produciendo unos cambios sociales de gran calado, revolución sexual y Beatles incluídos.  El mundo está cambiando y el bloque occidental atraviesa momentos de crisis como la lucha por los derechos civiles en EEUU y la Guerra de Vietnam.

  

   Pero el señor Ratcliffe, profesor universitario, decide que la familia debe hacer las maletas. A partir de ese momento divertidísimas situaciones nos deparará la película. Desde el propio viaje en un terrible automóvil, hasta el recibimiento extrañado de los guardias fronterizos al ver a una familia acomodada de occidente accediendo al deprimente y depauperado mundo comunista, pasando por las situaciones y personajes más rocambolescos que nos podamos imaginar.

    El aspecto del totalitarismo comunista está tratado de una manera simpática y  graciosa. Desde el primer alojamiento que el Estado asigna a la familia, cutre, desmochado y sucio, que ya anuncia el desenlace, hasta la vergonzosa ceremonia de recepción al nuevo profesor universitario. Aunque podemos decir que no se adentra en las atrocidades del régimen de la RDA aunque aparece también la temida Stasi, policía secreta.

  El papel del padre de familia está maravillosamente interpretado por Glen. Cierto que no tiene demasiados matices, es plana su interpretación, pero enternece por su inocencia y poca perspicacia.  La que sobresale dentro de todo el conjunto es la protagonista del título de la película, la madre de familia fiel y entregada que es la primera que se da cuenta de que hay gato encerrado en el nuevo paraiso comunista. Además, su papel como luchadora madre que trata de sacar adelante a sus hijas en un ambiente completamente hostil, además de mujer traicionada en cierto momento por su marido es de lo mejor de la película. Y también el papel de su hermano medio autista, mayor, solterón que vive con ellos y se enamora de una estricta mujer madura vecina del bloque comunitario es enternecedor. Ambos personajes destacan mucho dentro de esta enrevesada comedia que, sin embargo, flaquea en varios puntos.

    Coproducción húngara-británcia que posiblemente aborde un aspecto real e histórico de aquellas fechas: ciertas personas que hicieron el camino a contracorriente, que pasaron del occidente opulento al oriente comunista, al contrario que mucha población del este que soñaba con escapar de aquella cárcel que eran los países del telón de acero. Este hecho también aparece en la película, también tratado de forma irónica: el intento de escapar, de atravesar ese muro de dictadura  para buscar  un futuro mejor para ellos y sus familias.

   En definitiva una comedia sin muchas pretensiones,entretenida, con una ambientación retro, disparatada por lo disparatado de las ideas que defendían los comunistas que no habían vivido ni visitado, más que en pequeñas exhibiciones potemkianas, es decir, mostrarles solo lo bueno, la pésima calidad de vida y las enormes cortapisas a la libertad que sucedían en esta parte de europa.

CREMATORIO (2011)

 

   Una de las mejores series de televisión o, mejor dicho, miniserie, que los telespectadores españoles han tenido la oportunidad de disfrutar. Con un magnífico guión, duro y creíble, centrado en la corrupción política y su realción con las mafias del este y de la construcción en la costa mediterránea ( en una imaginaria Misent, que es, claramente, alguna ciudad del levante español)  la historia se va desarrollando lentamente en una sucesión de capítulos que dejan al espectador literalmente sin aliento, preguntándose: ¿todo esto ha podido pasar en realidad o es pura ficción?. Y, evidentemente, tiene enormes dosis de ficción, es una historia imaginaria, pero que  podría haber pasado y no nos extrañaría nada que así hubiera sido.  

    Lo que se narra en la serie es la vida de un veterano constructor,  Rubén Bertomeu ( José Sancho) casado en segundas nupcias con una bella azafata ( Juana Acosta), y sus prácticas empresariales en las que carece del más mínimo escrúpulo a la hora de llevar adelante sus objetivos. Unta a todo tipo de  políticos y dispone de un buen número de empleados, digamos que "especiales", que le han venido haciendo el trabajo sucio durante décadas. Sus prácticas se acercan más a la actividad de una auténtica mafia, estorsionando, coaccionando, sobornando e, incluso, llegado el caso, eliminando físicamente a sus enemigos. Sus tentáculos abarcan también concesiones de tanatorios y otra serie de negocios turbios. La muerte de su hermano le hace reflexionar sobre su pasado, en una tranquila costa mediterránea en los años 60 y cómo había construido de la nada su imperio empresarial y urbanístico. Mediante contínuos flash-backs vemos el humilde origen, partiendo de un pequeño negocio familiar ligado a la agricultura. Y vemos a un Rubén ya ambicioso, planeando llegar muy lejos y cómo su hermano y madre se oponen a toda esa alocada idea de forrar de ladrillos toda la costa mediterránea.

  El inicio es impactante, pues salta por los aires uno de sus negocios-tapadera, el tanatorio, dónde se descubre accidentalmente que se trasladan cuerpos troceados sin permiso alguno por la ciudad. A partir de ahí la policía y un juez valiente, apoyado por la fiscalía comienzan a tirar del hilo. Iremos viendo desfilar toda esa trama corrupta, donde llegaremos a observar prácticas de auténtica banda mafiosa como utilizar caballos muertos para transportar drogas.

  Para empeorar las cosas, uno de sus empleados, Collado ( Pep Tossar), casado y con hijos, que ha perdido la cabeza por una prostituta huye con ella del puti-club siendo perseguido por un mafioso ruso dueño del prostíbulo. Este mafioso del este, que también es dueño de un club de fútbol, se enfadará mucho y tratará de acabar con él. Como quiera que este personaje secundario se ve desprotegido por su amo, acude a la policía a denunciar a su jefe, como venganza. A partir de ahí se suceden los acontecimientos porque el juez y el fiscal ven la oportunidad perfecta para hincarle el diente al todopoderoso Rubén Bertomeu e imputarlo por diversos delitos.

   La serie es impactante y atrapa desde el primer capítulo. Nos llega a entristecer que sólo tenga una temporada, porque representa muy bien nuestra realidad cotidiana y está francamente muy bien realizada. Es nuestra historia más reciente, políticos corruptos y concejales de urbanismo a sueldo, ignorantes que creen que el progreso está en el ladrillo,  despilfarro de unos nuevos ricos, lujo, esnobismo. El personaje de la hija de Bertomeu, una magnífica Alicia Borrachero, es paradigmático. Artista, galerista de arte gracias al padre mafioso, apartada de toda esa ponzoña, irá descubriendo todo lo que su padre le había ocultado, a la vez que su propia vida y matrimonio hacen aguas, impotente también con su  hija hippie y rebelde.

   La ambientación está muy lograda, con  unos exteriores rodados en Alicante y su provincia, no dejan lugar a la duda de las intenciones de la realización.Hasta la cabecera de la serie demuestra buen hacer, está muy lograda, es excepcional, incluso la canción de Loquillo.  Realidad y ficción se entremezclan en un cócktel tremendamente explosivo y que se llevará por delante todo ese espectáculo caricaturesco, cómico y trágico a la vez, de nuestro bendito paraíso terrenal mediterráneo. La serie, que consta tan solo de 8 capítulos, ¡¡pero qué capítulos, que tensión, que acción, que intriga, que drama¡¡, deja muy buen sabor de boca. No podemos equipararla a las grandes series sobre mafia americanas, pero para ser un producto nacional obtiene una nota muy notable.

  Las actuaciones son excepcionales, no sólo la de Sancho, en uno de sus últimos grandes papeles, sino el resto de actores secundarios, pues es una serie de magníficos secundarios que rodean al gran Pepe Sancho. Parece un papel hecho para él, que solo él podría representar.  En definitiva un excepcional producto televisivo español, muy superior a la media de lo que se hace por estos pagos. Como curiosidad, aparece la maqueta real del que iba a ser megapalacio de congresos de Alicante, con lo que resulta curioso que las autoridades valencianas se prestaran a colaborar con la serie. Evidentemente no habían leído el guión.

   Valga este comentario como  homenaje al tristemente fallecido José Sancho, actor de raza, de los que ya van quedando pocos, de una generación que tuvo que vivir en dictadura y salir a flote con mucha dedicación y entrega. In Memoriam.

LA MUERTE DE MIKEL ( 1983 )

 

  Película ambientada en la España de la Transición, en el País Vasco. Naturalmente aparece de lleno el conflicto político existente, el terrorismo etarra y la lucha parapolicial del Estado, y también algunos aspectos de las nacientes estructuras de los partidos políticos. Todo ello tocado de una manera marginal, muy transversalmente, sin entrar a fondo a tocar los problemas. Y quizás en eso falle la película. Mikel, el personaje principal ( Inmanol Arias), en un farmaceútico de una pequeña localidad guipuzcoana. Su vida personal es un desastre: su  matrimonio hace aguas y  su persona también. Vemos a lo largo de la película a un personaje errabundo, sin tener muy clara su personalidad. Se ha casado y también ha ejercido malos tratos a su pareja, recibe asistencia psiquiátrica, pero parece que no sale del pozo en el que está metido. Por otro lado, milita en una formación de la Izquierda Abertzale, es uno de sus más feroces militantes, apareciendo a la cabeza de las manifestaciones políticas en la calle. Aunque este aspecto quizás sea secundario porque Mikel va a descubrir, de manera casi accidental, su homosexualidad. Conoce a un travesti en Bilbao del que se acabará enamorando. Digamos que "saldrá del armario" y en su salida nos deja vislumbrar los enormes prejuicios sociales de los primeros 80, incluso en un contexto más progresista, donde se supone que recibiría más comprensión, es incomprendido. Su familia, muy conservadora en lo social, tampoco lo apoya. Llegará al intento de suicidio, como se puede preveer por la situación asfixiante que padece en el plano personal.

   El título ya anuncia el desenlace de la película, si bien este nos es mostrado contínuamente a lo largo del film, con contínuos saltos temporales hacia el  sepelio, en la iglesia del pueblo. De hecho la película comienza con dicho funeral. Un aspecto interesante es cómo los abertzales, los compañeros del partido, reivindican su muerte como un acto de violencia estatal, lo elevan a mártir, cuando nosotros ya sabemos, al ver la película, que la muerte de Mikel no tiene nada que ver con ello.

   Si la película nos quiere mostrar el ambiente que se vivía en una pequeña población vasca gobernada por los amigos de los terroristas, el ambiente de  intimidación  y la violencia de las fuerzas de seguridad, no lo consigue plenamente. Aborda ese tema como telón de fondo pero  se queda corta, en comparación con otras películas posteriores. El tema queda como de perfil, como muy de pasada. Quizás el guión pudo haber penetrado más en ese mundo o quizás no se pudo hacer por la época en que se rodó el film.

   Otro aspecto en el que la película falla es en la puesta en escena de los malos tratos que recibe Mikel de la policía. Son poco creíbles para lo que en realidad pudo haber pasado con las torturas y el crimen de Estado que se vivió entonces. La lucha parapolicial no aparece bien reflejada, solo unas leves palizas que recibe nuestro protagonista por su silencio, tratando de no implicar a ninguno de sus conocidos en los actos terroristas de ETA. Y después, tan tranquilo, sale a la calle. 

   

    Mejor tratada está la lucha entre su familia ultraconservadora, fundamentalmente la madre, y el protagonista cuando muestra claramente su orientación sexual, cuando pasea con su novio, el travesti Fama, las miradas de desaprobación del pueblo, ese ambiente opresivo en las costumbres sociales. Ahí está el gran acierto de la película, tratar ese tema en ese momento de la historia de nuestro país. Los malos tratos que inflinge a su mujer, de la que está separado pero hay una reconciliación momentánea al principio de la película, tampoco están muy bien abordados, es más, la escena en cuestión peca de morbo y violencia gratuítas, sin sentido. 

  El trabajo de Uribe es destacable pero quizás nos deja la sensación de un quiero y no puedo, de unas posibilidades desaprovechadas en cuanto a guión y un rodaje con abundancia de primeros planos que no logran transmitir toda la emoción que podría desprenderse de esas situaciones Logra captar el ambiente opresivo de un pueblo tan cerrado en lo social y político, donde aparentemente se está disfrutando de unas fiestas en las que se trata de arrancar de cuajo el cuello de un pato, lo cual no deja de ser paradigmático. El trabajo de Inmanol Arias es correcto, sin más, no llega a ser totalmente creíble en su papel, ni como maltratador, ni como líder violento abertzale, ni como homosexual. No me parece una interpretación a la altura de otras como en El Lute, por poner un ejemplo. Si que destaca y es creíble Ramón Barea, en el papel de líder batasuno, con una barba que a penas deja entrever su rostro. El resto de actores nadan en la mediocridad a excepción de la madre de Mikel ( Montserrat Salvador) que convence con su duro papel conservador, en lucha constante con su hijo.

  Esta dualidad de la que hablo, entre un pueblo progresista en lo político (aunque con amenza de terrorismo) y socialmente tan conservador queda también en un final poco claro, con demasiados interrogantes. Sabemos que no es una muerte política porque en el momento anterior al fallecimiento ( que no se muestra) Mikel está solo, queda ese interrogante que, sin embargo, no desluce del todo la película, que es un retrato del conflicto vasco en un pequeño pueblo en la Transición y de la moral arcaica de la sociedad no solo vasca, sino española del post-franquismo. Y si que aparece una crítica hacia ese mundo filoterrorista que busca rentabilizar políticamente cada muerte propia. Aunque para ser sinceros debemos afirmar que la cinta ha envejecido muy mal, en su momento podía ser rompedora pero vista desde la óptica actual es antigua, arcaica, incluso si la intentáramos ver con los ojos de 1983.

EL GENERAL DELLA ROVERE ( 1959)

   Extraordinaria película del maestro del Neorrealismo Roberto Rosselini, en este caso con la presencia del director y ocasional actor Vittorio De Sica, en un papel memorable.  Nos encontramos en la Italia de la II Guerra Mundial, concretamente en 1943, cuando los aliados ya han desembarcado en el sur y avanzan hacia el norte. La parte norte del país está bajo ocupación alemana. La acción se desarrolla en la ciudad de Génova. Allí, Bertone ( Vittorio de Sica), un delincuente de medio pelo, un estafador con ínfulas teatrales acaba siendo arrestado por los nazis.

   Estos, para perdonarle la vida, le obligan a hacerse pasar por un militar antifascista, con el objetivo de inflitralo en la Resistencia y delatar a todos sus enemigos. Le darán el nombre falso del general Della Rovere. Bertone, para salvar su pellejo, acepetará su misión y la tomará como una oportunidad para, por fin, ser alguien importante, pero detrás de esa pilluelo, sinvergüenza y crápula empedernido hay una persona con sentimientos y sensibilidad, que no dudará en dar la cara, en enfrentarse al poder establecido jugándose el tipo.

   La película tiene dos partes diferenciadas: la primera, en la que aparece el protagonista haciendo de las suyas, engañando a su mujer, siendo un poco "viejo verde" ( algo que se repetirá en De Sica), y estafando al más pintado,se desarrolla a una gran velocidad. Después llega la segunda parte, cuando entra en prisión y comienza, lentamente, a ir cambiando de mentalidad, hasta llegar a su verdadera concienciación. La velocidad es menor, es más pausada, como queriendo reflejar el lento proceso de cambio intelectual de Bertone.

    La película supone, en el cine de Rosselini un regreso al neorrealismo de sus obras anteriores.  Rodada en un necesario blanco y negro, como correspondía, con buena parte de la narración fílmica rodada en interiores y destacando un cierto carácter documental en el desarrollo de los acontecimientos.De Sicca hace un papel extraordinario, quizás su mejor interpretación: está creíble, mágico, extraordinario. Lo borda.

El magnífico guión sirve a la causa que pretende defender, al antifascismo militante del director y nos adentra en una cuestión moral sobre la necesidad de servir a los demás, de lo que es correcto en épocas duras, en momentos difíciles y sobre la mentira y la verdad y el triunfo final de esta.  Una película imprescindible sobre la II Guerra Mundial y sobre el Neorrealismo Italiano. Una película que llega al corazón por su final, un final muy acorde con los tiempos que nos ha tocado vivir.

  

HABEMUS PAPAM ( 2011 )

    Curiosa película del cineasta y actor italiano Nanni Moretti, grandemente alabado por su excepcional querido diario ( Caro diario) que propiciaría su salto a la fama internacional. En este caso, en el habitual tono humorístico- satírico que suele utilizar en casi todas sus obras describe la elección de un nuevo papa, con una perfecta ambientación del cónclave en plena capilla sixtina.

     Todo parece marchar como corresponde, en una narración fílmica quasi televisiva, periodística: tras los debates y votaciones entre el colegio cardenalicio, llegamos a la fumata blanca. El elegido, apesadumbrado por la responsabilidad que acaba de serle encomendada, acepta, siguiendo los  pasos que marca la milenaria tradición. Pero muy pronto, cuando está siendo ayudado por el camarlengo a elegir la vestimenta oportuna, su talla, para salir al balcón de San Pedro y ser anunciado a los fieles, sufre un repentino ( aunque anunciado desde las primeras escenas durante su elección) ataque de ansiedad que le imposibilita salir a pronunciar su discurso y bendición tradicional en estos casos. Tanta es la responsabilidad que siente sobre su persona que, a pesar de haber aceptado previamente el cargo ante el aplauso de los cardenales que acababan de darle la mayoría necesaria para investirlo como nuevo pontífice, decide renunciar al cargo. No se ve capacitado para tan magna tarea, la de dirigir a la iglesia católica. En un principio todos los presentes quedan desconcertados, no saben que hacer, puesto que ya se ha anunciado a los fieles en la plaza de San Pedro la fumata blanca. Todo el mundo,  a través de la televisión, conoce el nombramiento de un nuevo pontífice y este debe salir al balcón a proclamar al mundo su reinado. ¿ Cómo decir a toda la humanidad, expectante, que, a última hora, el nuevo pontífice ha decidido renunciar?. El marrón es de gran consideración.  

 

    Hasta ahí la película promete, pensamos que vamos a asistir a un ejercicio ciertamente complicado para convencer al anciano cardenal, interpretado por  Michel Picoli, que da muy bien en su papel, es convincente en su interpretación. Pero la película se queda en un gratuíto intento de divertir y quizás, criticar a la vez a la iglesia sin mucho sentido. Cierto que la historia que describe podría ser posible pero no nos imaginamos creíble todo el ambiente que describe puertas adentro del vaticano. En realidad, tras la primera renuncia del elegido, abrumado como decíamos ante tan magna responsabilidad, este es convencido para que no dimita, sino para que se lo vaya pensando, para que reflexione y acabe aceptando haciendo creer a los fieles que el papa está enfermo y que, por eso, no puede salir a saludarlos.  Pero la tarea será complicada, llevarán a un psiquiatra a la santa sede ( el propio director, Moretti) que comenzará a practicar terapia con el avejentado cardenal. Este le transmite sus temores y el especialista trata de paliarlos con consejos cada vez más absurdos.

     Para que el psiquiatra no pueda revelar lo que está pasando se le obliga a permanecer en la residencia Santa Marta, donde se hospedan los cardenales y el papa recién elegido. Allí entablará una simpática relación con los venerables ancianos. Pero el loquero tiene su vida privada y debe, a su vez, engañar a su familia, discutiendo con su mujer por el asunto. De repente el papa consigue escabullirse y, vestido de calle, se desvanece por las calles de Roma. El pánico se apodera de la sacrosanta institución aunque ahora se engaña al resto de cardenales para que no sepan de la escapada del pontífice. Este debe de atravesar un proceso de duelo, de reconocimiento de la realidad que le ha tocado afrontar en el final de su vida y lo irá asumiendo desde fuera, como si se tratase de un ser humano cualquiera que está tomando una cerveza en un bar, asistiendo al espectáculo televisivo.

  La película tiene aciertos, como desmitificar esa imagen seca y severa que tenemos de la curia y humanizarla. Los cardenales, ya hartos de tanta espera y de su incomunicación se las ingenian para entretenerse: juegan a las cartas e incluso organizan un partido de voleibol. Quizás la mejor escena sea la inicial, ese travelling con voces en off de los diferentes participantes en el cónclave, en la que todos piden a Dios que no lo elijan a el. La calidad técnica y el magnífico vestuario hacen más verosímil lo que es inverosímil, quizás ese sea el mayor mérito de la película.

   Sin embargo resulta en ocasiones tediosa y no tan graciosa como Moretti pretendiera. Si lo que buscaba era una reflexión sobre los males de la curia y una crítica a esta desde luego no lo consigue. En ese caso sería una película fallida. Si la intención es desmitificar un mito creo que tampoco llega a hacerlo, más bien propone un sencillo ejercicio de entretenimiento con un telón de fondo poco habitual. Buscar lo cotidiano en donde no lo hay, al menos en apariencia.

DOS MUJERES ( 1960 )

   Película del realizador Vittorio de Sica, uno de los genios del Neorrealismo Italiano de postguerra, que en esta ocasión nos cuenta la historia de una mujer valiente y decidida, llamada Cesira ( Sophia Loren) que, con su hija Rosetta ( Eleanora Brown), adolescente de 13 años y en plena ocupación nazi de Italia, decide refugiarse en una pequeña localidad de los montes de Ciociaria ( título original del film), en casa de unos parientes. Huye del horror y la barbarie de la guerra, escapa del drama del nazismo de la gran ciudad, una Roma triste, hacia un mundo rural mucho más agradable y sencillo pero que, sin embargo, poco a poco, irá tornándose en oscuro presagio del terrible drama que les tocará vivir. Una historia dura, difícil de ver por su crudeza.

   Cesira no comprende muy bien las ideologías de su época, solo sabe lo que está bien o lo que está mal y lo que más le conviene a su hija y a ella. En el pequeño pueblo conocerá a Michele ( Jean Paul Belmondo), un joven idealista que pretende servir en la resistencia comunista intentando que ella comprenda lo importante que es la lucha por la libertad.

    La película es cruelmente realista y no escatima en escenas de una gran emotividad y dramatismo trafadas también con momentos de enorme felicidad y alegría. Aparecen tipos humanos muy propios de un período tan convulso, en plena guerra mundial, año 1943,  con Mussolini en el poder siendo después destituído y detenido, los aliados llegando por el sur y liberando Roma e Italia. El ya citado idealista, dispuesto a entregar su vida por la causa de la libertad, el fascista salvapatrias que huye despavorido al enterarse de la caída del dictador, los soldados alemanes y los aliados, que aparentemente representan la dualidad entre el horror y la civilización y que finalmente descubrimos que, como siempre, todo es según el cristal con que se mira. A destacar la parte final, donde el director no escatima detalles para narrar un suceso extremadamente traumático, en especial para la inocente Rosetta. Sin embargo, en las escenas posteriores descubrimos como, a pesar de todas las adversidades posibles el ser humano triunfa, la vida se impone al dolor, a pesar de que este siga latente por un pasado traumático. 

    De Sicca sabe sacar buen partido del guión, basado en una novela de Moravia. Técnicamente bien rodada en blanco y negro consigue transmitir ese dramatismo realista, todavía heredero de la época neorrealista. El creador italiano sabe hacernos reflexionar al terminar la película sobre el horror de la guerra y que, en ocasiones, la diferencia entre los buenos y los malos es solo matizable. La barbarie de la guerra queda en evidencia durante el desarrollo de la película y es eso, barbarie, la ley del más fuerte, que puede provenir de los dos bandos en litigio. Este es quizás el mayor logro de la película, una película a mayor gloria de la Loren que parece que haya nacido para hacer esta interpretación. Verdaderamente no se puede sufrir más de lo que sufre esta mujer, en ocasiones calladamente.Es de ese tipo de películas que merecen la pena ser vistas y revisadas por el papel de la estrella protagonista que obtuvo el reconocimiento a su trabajo con un Óscar de la academia norteamericana.  También la joven Rosetta hace un papel memorable, junto a un Belmondo más que destacable.

  Una película diferente sobre la II Guerra Mundial, más centrada en las personas, en sus quehaceres y sufrimientos, en el hambre y la desesperación, en las humillaciones y salvajadas propias de una guerra. Y con un mensaje final esperanzador, donde la vida se impone como decíamos, ante la sinrazón. Una sinrazón brutal, venga de dónde venga. Quizás sorprende el final y esa reacción un tanto fría de la joven adolescente ante su situación, aunque quizás no quepa otra actitud más que la rebeldía contra su propia madre, como intentando culparla de algo que no ha podido evita, una actitud que le permita salir adelante y vislumbrar un futuro mejor.

CACHORRO ( 2004)

   Destacable película del director alicantino Miguel Albadalejo que continúa con su mundo particular, en este caso abordando asuntos sociales espinosos como es la homosexualidad y sus consecuencias en la España de principios del siglo XXI donde observamos un microcosmos con el que logra crear situaciones extemadamente divertidas trufadas de dramas familiares mal resueltos. 

   Violeta ( Elvira Lindo) madre separada con un hijo menor, Bernardo, decide emprender un viaje exótico por la India con su nueva pareja ( realmente será encarcelada por tráfico de drogas). Como no tiene con quien dejar al chaval se lo encasqueta a su hermano Pedro ( Jose Luis García Pérez) que se encuentra con un buen marrón, ya que él, profesional liberal y homosexual no reprimido lleva una vida nocturna bastante activa. Desde su perspectiva, la de Pedro, vamos a realizar un viaje por el mundo gay madrileño, se supone que por el barrio de chueca, en la noche madrileña y van a surgir muchísimas situaciones cómicas entre sus amigos, novios circunstanciales ( ya que Pedro no quiere atarse sentimentalmente) y su sobrino Bernardo ( reconocible como el pequeño quinqui de la serie Aida), un inocente y pequeño chaval que llega a la gran ciudad y descubre cosas que desconocía, que su madre sólo había esbozado pero que ahora descubre por sí mismo.

   

    Pedro, al hacerse cargo del niño debe bajar el pistón, debe moderarse en su vida privada para que no se de cuenta de su condición sexual desenfrenada.  Asume una gran responsabilidad al hacerse cargo de su sobrino y se agobia al principio pero iremos viendo cómo se van adaptando mutuamente de una manera muy tierna. Y lo que más sorprende es como el pequeño no se extraña para nada de las cosas que ve: las acepta con total naturalidad. Ve salir del dormitorio de su tío a diferentes novios de este, observa con esos ojillos voraces de conocimiento la vida de Pedro y ese Madrid loco y salvaje y lejos de deprimirse, de achantarse, sobrevive y se adapta fenomenalmente.  De repente aparece por allí, sin venir mucho a cuento, la abuela, es decir, la madre del protagonista que quiere recuperar el tiempo perdido y pretende quedarse con su nieto y llevárselo. Hay fricciones y momentos dramáticos ciertamente duros, pero el tono general es simpático.

  Es cierto que  hay algunas escenas que son gratuítas, como la inicial, y que pretenden sobresaltar al espectador o quizás provocar escándalo, desde luego muchos apagarían la tele y se perderían una comedia dramática bastante buena,  que rebosa realismo y  humor, pero que también tiene sus dosis de dramatismo, de situaciones familiares y personales muy duras, casi desgarradoras. Aunque hay que reconocer que en la parte final pierde algo de fuelle y busca la lágrima fácil.

  

     Podemos decir que la película tiene altibajos propiciados por un guión no muy bien resuelto pero desde un punto de vista global la película resulta interesante. En cuanto al aspecto interpretativo, el actor principal, García-Pérez está fabuloso y convincente, hace un magnífico trabajo, dando vida a un personaje poliédrico que sabe ganarse el afecto del espectador a pesar de algunos aspectos desagradables de su vida. El joven niño, David Castillo,  interpreta bien un papel que llega a enternecer. No se puede decir lo mismo de otros personajes, como la escritora-actriz Elvira Lindo que deja mucho que desear, aunque es una de las casi fijas en las  películas de Albadalejo. Película un tanto histriónica pero divertida y emocional. Buena película para entrar en el mundo de este atípico director español.