PAPILLON (1973)

    Obra maestra de ese subgénero que es el drama carcelario, Papillon es una magnífica película de denuncia de las condiciones inhumanas del presidio francés de su Guayana americana en la primera mitad del siglo XX, antes de la Segunda Guerra Mundial, cuando avergonzados por la situación inhumana que se vivía al otro lado del atlántico, decidieron su supresión. Un canto, asímismo, a la amistad, al sacrificio en favor de otra persona en un entorno envilecido por una brutalidad   que atentaba contra la vida humana. Basada en la novela autobiográfica de Henry Charrière, Papillon (mariposa en Francés) es un hombre condenado a cadena perpetua por asesinato, un crimen que no ha cometido. Todos le llaman así por la mariposa que lleva tatuada en el pecho. En el buque-cárcel de camino hacia el penal americano conoce a Louis Dega, condenado por haberse hecho enormemente rico falsificando bonos del estado. Enterado de su  situación Papillon se acerca a él y le propone darle su protección a cambio de que este le entregue como recompensa el suficiente dinero como para comprar una barcaza con la que escapar hacia américa central y ya desde allí regresar a Francia. Tras un incidente provocado por el propio Papillon, Dega queda absolutamente aterrorizado y busca la ayuda protectora del protagonista principal de esta historia.

   Tras arribar a la colonia francesa podemos comenzar a observar lo inhumano del trato que se da a los presos. Incluso descubrimos con pavor como se condena a muerte por guillotina a aquel preso que ose escapar con reiteración o cometa algún delito de sangre (todavía se usaba la guillotina en los dominos franceses). Los presos se verán sometidos a trabajos forzosos, sucumbiendo muchos de ellos por la dureza del régimen. Cuándo uno trate de huir del horror será condenado a pasar dos años de aislamiento en una celda minúscula, sin poder siquiera salir a caminar. Si después de este terrible castigo tratase de fugarse por segunda vez estaría recluído en el pequeño cubículo 5 años, asilado del resto de presos. También vemos cómo muchos de los que alcanzan la libertad quedan sin embargo unidos como por un cordon umbilical invisible al sistema que los ha maltratado, convirtiéndose en cómplices de ese régimen carcelario totalitario de la Guayana, cazando hombres, aquellos que se atrevieran a  buscar una libertad que se les ha escapado de las manos por sus errores.

    Pero Papillon va mucho más allá.  Después de fracasar en su primera huida es conducido a la reclusión, a esa celda en la que estará dos años. Solo cada cierto tiempo pueden sacar la cabeza por un agujero para que les desparasiten y les corten el pelo. Las celdas no tienen techo, sino que están formadas por barrotes longitudinales, siendo vigilados desde arriba por guardias que patrullan por un camino elevado. El rancho con el que les obsequian a través de un agujero es deplorable. Pasado el tiempo y de manera sorpresiva Papillon comienza a recibir un extra en su alimentación consistente en trozos de coco, lo cual mejora ostensiblemente su alimentación. Recibe asimismo una nota de ánimo de Dega, que es el que ha sobornado a los carceleros. Pero desgraciadamente será descubierto por la superioridad, que le obliga a revelar el nombre de su cómplice, que correrá la misma suerte que él.  Debe chivarse pero Papillon antepone su amistad sobre las crueles condiciones a lo que lo someten por no "cantar": queda en total penumbra y a mitad de ración. Sin luz y sin comida no doblega su ánimo y se pasa los dos años comiendo insectos y cucarachas para poder sobrevivir. Cuando finalmente sale del agujero, casi ciego tras dos años sin ver la luz, pasa a la enfermería desde la cual, inasiqueble al desaliento, planeará una nueva fuga después de los intentos de Dega para evitarla.

   Dega, cuando ve aparecer a Papillon en una camilla, sabedor de su mutismo para salvarlo a él, se emociona, tratará de hacer lo posible por el, impele a sus abogados a ayudar a su amigo a que la pena se acorte y puedan salir. Después de apelar consigue que la pena quede reducida a 3 años, tres largos años tras los que serán definitivamente libres. Pero Papillon no puede esperar a lograr una libertad de la cual jamás debió de ser privado, intentará una nueva fuga que, en este caso, dará sus frutos. Logrará huir, esta vez acompañado de Dega que se une a la huída en el último momento y rompiéndose una pierna. Solo Papillon logrará internarse en la selva y escapar, descender a los infiernos en un poblado apestado por la lepra y llegar al paraíso junto a una tribu en la que encuentra un amor inocente y puro. Sin embargo será cazado finalmente y retornará a la prisión, pasando 5 largos años en el agujero.

   El guión, basado en la novela citada de Charrièrre, que cuenta en primera persona sus penalidades en la Guayana, está magnificamente elaborado por el siempre genial Dalton Trumbo (represaliado por la caza de brujas de Mc Carthy), que firmó algunos de los mejores  guiones de la historia del cine. En este caso consigue el doble objetivo que casi siempre trataba de lograr en sus guiones: la obra de denuncia de las injusticias y la oda a la amistad como valor supremo. Resulta una obra de denuncia soberbia, poniendo de relieve la contradicción que suponía este régimen de terror en un país adalid de los derechos humanos y la democracia.

   El trabajo de Schaffner ha podido envejecer mal pero sigue siendo excepcional en buena parte de su metraje. Cierto es que hay un momento en el que la trama pierde fuerza, justo cuando Papillon ha logrado su libertad absoluta y vive apaciblemente en una especie de selvático paraíso. Pero no llega a decaer pese a que el metraje es muy largo. La fotografía a cargo de Fred J. Koenekamp que trabajó con el director en Patton logra las tonalidades adecuadas para cada escena, ya sea en interiores como en exteriores, desde la primera escena por las calles de una ciudad francesa en un día nuboso que anuncia el futuro de los presos pasando por la luz que exhala el mar extenso e indómito y azul o esa selva virgen, verde y tremendamente opaca.

La pareja protagonista nos ofrece dos lecciones de interpretación cada uno en su estilo, a saber: Steve McQuenn ( Papillon ) como protagonista principal vuelve a ser ese hombre duro, insobornable, honesto, sincero sufridor y luchador impenitente por la libertad y Dustin Hoffman ( Louis Dega) que continua por sus fueros creciendo como actor tras sus extraordinarias interpretaciones en películas como el graduado o Perros de Paja. Ambos son el soporte principal que eleva esta cinta a la categoría de obra inmortal. El resto del plantel raya  a una gran altura pero a la sombra de  McQueen-Hoffman, dos titanes de esta profesión.

   La banda sonora no deja de ser también maravillosa, obra de Jerry Goldsmith, llena de matices y momentos de gran emotividad, con esa melodía de melancolía que resume magníficamente el espíritu de la película. La canción de Nicoletta Toi qui Regarde la Mer es extraordinaria, tanto la música como la letra y queda indeleble en nuestra memoria.

   Nos encontramos por tanto ante una verdadera joya dentro del drama carcelario, con un final que resume muy bien el espíritu de la película, un final de una gran emotividad que nos sacará alguna que otra lagrimilla, donde vemos que la amistad puede llegar a ser lo más maravilloso de esta vida y su inevitable final una pérdida irreparable.

SLUMDOG MILLONAIRE (2008)

  Cinta de denuncias sociales a raudales que deja al espectador bastante incómodo con lo que ve aunque con la sensación de haber visto algo grotesco, demasiado real para ser verdad. Después de verla, tanta fama como tenía, puedemos decir que es un trabajo solamente interesante de Danny Boyle, que no es decir mucho para una película con esa sobredosis de premios en vena (ocho Óscars de la Academia). Pero siendo valiosa, no es para tanto.  Es más bien un docudrama de la India y sus miserias. Vale que es una constatación de los dramas sociales de los suburbios de los países que antiguamente se denominaban como "en vías de desarrollo", en concreto de India y de Bombay o Mumbai, como se dice ahora. Y también de acuerdo con que el cine debe de ser comprometido y denunciar los abusos de un capitalismo que es todavía más salvaje en los países pobres, de un sistema político que hace la vista gorda con las mafias y la injusticia y que permite unas desigualdades sociales entre multimillonarios y miserables de unas proporciones colosales. Todo eso está muy bien reflejado en Slumdog Millonaire pero insisto, no es para tanto. Me explico.

  La historia se entreteje de una manera un tanto inverosímil. Todo surge a partir de  un famoso programa de televisión, que en España se llamó ¿Quiere ser millonario?. Sí, ese del comodín de la llamada y del público en el que contestando correctamente a unas cuantas preguntas, cada vez  más enrevesadas y difíciles, puede uno llegar a ganar un milloncete de euros. En este caso, rupias. Pues nos encontramos a un muchacho que se dedica a llevar el té a sus jefes de un centro de telecomunicaciones donde se explota al personal ( primera denuncia social). No se sabe muy bien como el muchacho, Jamal Malik (Dev Patel) consigue concursar y, de manera sorprendente, comienza a acertar una pregunta tras otra. La productora se pone nerviosa y cuando se produce un receso de un día en la grabación del programa la policía lo detiente y lo maltrata ( segunda denuncia social). Piensan que tiene un micrófono o que hace trampas.

    Un detective de la policía local le aprieta tanto que Jamal no tiene más remedio que decir la verdad: no hay trampa ni cartón, efectivamente él sabe las respuestas. Sin embargo, y ahí está el meollo de la cinta, no es por sabiduría, por estudios o por un interés innato en la cultura o en la actualidad, sino por puro azar. El azar terrible de tener que vivir situaciones de enorme dramatismo, vejaciones, accidentes, torturas y un sinfín de situaciones que no puede dejar de olvidar. En esas escenas, el niño, el adolescente, el muchacho observa cosas que le dan las respuestas a las preguntas del programa. Y es de esta manera como descubrimos, poco a poco, pregunta a pregunta, la triste vida, la miseria moral de un país con un crecimiento económico descomunal pero a costa de consentir los malos tratos, la miseria chabolista, ese Slum que el título señala, esos nuevos parias chabolistas. Es un conjunto de sufrimientos que sería demasiado prolijo de relatar pero podemos decir que Jamal y su hermano malviven y sufren explotación infantil, sobreviven en chabolas infectas, son reclutados en las calles en las que sobreviven robando, cual pilluelos, por una mafia terrorífica de la que logran escapar acabando en el Taj Majal engañando turistas. En esta secuencia suge una nueva crítica de Boyle, al turismo desmesurado que solo ve lo que quiere ver, que disfruta de la magnificencia de los monumentos y ve con parsimonia todo el hálito de miseria que se desarrolla alrededor (tercera denuncia social).

   Por otro lado tenemos la historia de amor del niño Jamal y Latika (Freida Pinto), su temprana separación en la huida de los hermanos de esa mafia infecta y torturadora y su posterior reencuentro, ya de mayores, cuando Jamal la encuentra como esclava del jefe de la mafia (cuarta denuncia social). Una argumento demasiado previsible y no muy emocionante. Es de esperar todo lo que va a suceder aunque Boyle trate de hacerlo atractivo con la historia de las preguntas y los consiguientes flashbacks a una realidad todavía peor que la deplorable actualidad de esa India trincona y desarrollista a toda costa, con esos lumpenes de miseria, con esos Slums de vergüenza. Nada que no supiéramos. Pero se pasa de frenada con la crueldad, los personajes son demasiado sádicos, desde esa mafia que deja ciegos a los niños para ponerlos a pedir en el metro hasta esa policía que se hicha a golpear a los niños. Un exceso de Danny.

  En lo que si acierta y mucho la película es en ser reflejo de la crueldad con que los medios de comunicación manipulan en sus programas ( quinta crítica social), especialmente en los concursos, algo magníficamente apuntado en la magnífica "Quiz Show". Desde que vemos al presentador del concurso ( el Sobera hindú) sabemos que no le está sentando nada bien que un mequetrefe se lleve el premio gordo, se nota en su rostro y hasta en su humor ácido que no hace nada de gracia. Después hasta intentará engañar al chaval de manera deplorable aunque no conseguirá su vil propósito. Es esta una de las  partes más destacadas del guión. 

Técnicamente Boyle realiza una labor un tanto deslabazada, mueve en exceso la cámar y ofrece planos generales de los barrios, contrapicados y picados. Resulta un tanto caótica su dirección, como poco pensada, asemejando en ocasiones un docudrama social o en ocasiones diríamos que a la estética de un videoclip. En cuanto a los actores, verdaderamente prodigiosos los niños, interpretando escenas de gran complejidad y dramatismo, muy duras y muy bien resueltas. Los adultos ya dejan mucho más que desear, por no hablar del final a lo Bollywood, lamentable. Por tanto lo que tenemos es una película entretenida que sobrecoje en buena parte de su metraje pero que ha sido demasiado sobrevalorada y que pierde fuerza con el tiempo, con la pérdida de novedad que arrojó su estreno. Lo positivo que debemos extraer de esta producción británica es la evidencia de la maldad, inherente al ser humano, desde la cuna hasta la tumba, aunque era algo que ya sabíamos. En eso acierta la película: es un magnífico documental de las injusticias, de las diferencias de casta y de clase social y un acicate para seguir en la lucha, una lucha que jamás terminará. 

EL CUERPO (2012)

  Sorpresa agradable del último cine español. Magnífico thriller que va increscendo a lo largo de su metraje en una película de misterio, asesinatos y supuestas apariciones sobrenaturales con un final auténticamente impactante que justifica plenamente su visionado. De esos finales que te dejan aturdido y sin aliento, sorprendido, pensativo, encajando piezas que no pensabas que fuera necesario encajar porque todo lo dejabas del lado de  lo sobrenatural pero finalmente la mano del hombre está más presente de lo que parece.

   Para ser la ópera prima de su director, Oriol Paulo, guionista también de otras películas de suspense como "los ojos de Julia", lo cierto es que está cuidadosamente rodada, con una fotógrafía oscura y mortecina que aumenta ese buscado suspense, esa intriga que nos acogota durante todo el metraje. La historia trata de la desaparición de un cuerpo en una morgue. El misterio está servido. ¿Dónde está el cuerpo y porqué el guardia de seguridad salió despavorido, presa del terror, siendo atropellado en la carretera por otro vehículo y falleciendo al instante?. La policía revisa las cintas del vídeo dónde se ve al segurata salir huyendo como alma que lleva al diablo.¿Ha visto un fantasma, es que acaso ha visto a la muerta fuera de su fría nevera en la sala de fiambres?. El misterio está servido. La muerta es Mayka Villaverde (Belén Rueda), una rica empresaria casada con Álex Ulloa (Hugo Silva). Cuando la policía llama a Álex este queda, como es lógico, tremendamente alterado. ¿Su mujer ha vuelto de entre los muertos o es que acaso algún gracioso ha robado el cuerpo?. Las dudas se acrecentan por ese sentimiento de culpa que tiene el que ha asesinado a su mujer para estar con su amante. ¿venganza, miedo?. Un conjunto de sensaciones embargan a Álex, que es reclamado por la policía e interrogado por el inspector Jaime Peña ( José Coronado), que no duda de su culpabilidad: alguien tiene que haber escondido el cadáver y ser el responsable de la muerte del guardia de seguridad. En una habitación lúgubre del edificio siniestro en el que se encuentra la morgue comienza el interrogatorio. Lo que sucede después es altamente perturbador e inexplicable y conduce al espectador a ese estado de nerviosismo y suspense que, mostrando a cuentagota y en estupendos flashbacks el asesinato de Mayka y la relación de Álex con su amante Carla ( Aura Garrido) que parece haber descubierto su mujer, no deja lugar a dudas de que alguien pretende amargar la existencia a Álex, a lo mejor la propia Mayka.

     Es una auténtica sorpresa porque el film es muy entretenido y atrapa, a pesar de que hay momentos en los que piensas que todo el guión es una completa chorrada. Y sin embargo la historia va enganchando progresivamente. Pasas de la típica película de fantasmas que se aparecen y regresan de la muerte para vengarse por su asesinato a algo mucho más profundo e incisivo, lejos del mundo del averno. Por tanto el guión está muy bien trabajado, consiguiendo un final de los que sorprenden, de esos que encajan todas las piezas del puzzle de una manera totalmente inesperada y justifican una entrada de cine o una descarga a diestro y siniestro.

  En lo que respecta a las interpretaciones merecen destacarse los papeles de un Jose Coronado últimamente muy inspirado, como el detective incisivo y sin escrúpulos que presiona lo indecible a Álex porque no se cree la vesión sobrenatural a pesar de que todo apunta a ella. Es el personaje clave que nos dejará helados al final de la trama. Belén Rueda regresa a una magnífica interpretación, llena de fuerza, en unos flashbacks en los que es fiel esposa enamorada de su marido y que después es traicionada, pero ella guardará su sublime venganza. Hugo Silva está correcto en el papel quizás más difícil, el de asesino incofeso que ya duda de todo porque no sabe que ha pasado con el cuerpo de su exmujer y lucha por salir del atolladero y regresar a los brazos de su amante, la jovencita Carla, interpretación muy lograda de Aura Garrido.

   Una magnífica ópera prima de un director que habrá que seguir con lupa, un prometedor hitchcock patrio. Esperamos que nos siga deleitando con más y más suspense. Un perfecto y deleitoso producto de entretenimiento que nos hará pasar un mal rato.

  

DÍAS DEL CIELO (1978)

   Maravillosa obra de arte del director de fotografía español Nestor Almendros. Es lo que primero se me ocurre al ver esta delicadeza, esta película que si bien no goza de un guión muy elaborado, su contemplación, su fotografía majestuosa es suficiente excusa para no dejar de visionarla. Lo mejor es dejarse llevar por un conjunto de sensaciones visuales, con unos planos magníficos de los campos de trigo tejanos, del fuego y la luz, de los seres vivos, insectos y animales en la libertad absoluta que nos retrotraen a un estado de la naturaleza pura y virgen. Sin olvidar el resto de imágenes que no se nos borrarán de la retina: los altos hornos, con su luz roja, las escenas de interior con un caravaggiesco claroscuro, los bodegones interiores casi vermeerianos, el tren y las cosechadoras a carbón, con su infernal vómito de humo, el fuego que de nuevo nos enseña su color rojo intenso en un demoníaco caos infernal tras una quasi bíblica plaga de langosta y esa casa inquietante y aislada, huérfana de compañía, blanca y recortada sobre el amarillo de los trigales. Son unas imágenes de una pulcritud y belleza poéticas, fascinantes, deslumbrantes. Terrence Mallick, particular director norteamericano, ofrece siempre este elemento naturalista en todas sus obras. Nos proporciona una visión espectacularmente profunda y unos planos simétricos magistrales. Todo para conseguir una obra redonda, quizás su mejor película.

   Y sin embargo el guión es bastante simple, lo más endeble de la película. Porque a pesar de que Mallick nos quiere transmitir la desesperación y pobreza de una grey arruinada, menospreciada por un capitalismo salvaje que desprecia a los más desvalidos en tiempos de crisis (algo realmente actual) la historia en sí, centrada en las intrigas de un exobrero metalúrgico y su novia acompañados de su hermanita pequeña ( gran idea el que ella sea la que narra voz en off los acontecimientos que devienen) después de trabajar como braceros en los trigales del interior de Texas es de lo más convencional.

 Nos encontramos en 1916, época de crisis y guerra mundial, previo a la entrada de los EE.UU. en la contienda. Tras dejar Chicago en busca de trabajo ocasional, de buscarse la vida como pueden, trabajo duro y mal pagado en el campo, utilizan la debilidad del atractivo patrón de la finca por la chica, Abby ( Brooke Adams), para engatusarlo y quedarse con su fortuna tras descubrir el chico, Bill (Richard Gere), que le queda poco tiempo de vida. Ella aceptará engatusarlo  y llegará a ser su esposa, esperando el rápido desenlace para quedarse con su fortuna y vivir, por fin, en la opulencia en la que tanto habían soñado. Pero sucede que el joven rico no muere, se encuentra cada vez mejor de salud. Y Bill comienza a impacientarse mientras Abby parece cada día estar más a gusto con su marido.

 El patrono (Sam Shepard) comienza a sospechar algo cuando observa a los presuntos hermanos en actitudes acarameladas. Duda de que los tres sean hermanos (con ellos está la hermanita pequeña de Bill, Linda) y finalmente se llegará al dramático final ya anticipado. Pero nosotros ya nos hemos quedado con la luz y el resplandor de Almendros y la melodía escalofriante de Morricone y, "que nos quiten lo bailao".

 El desenlace, como decimos, es previsible y nada original pero lo que importa aquí es el espectáculo visual y acústico, con una magnífica banda sonora firmada por el gran Morriconne, en un ejercicio musical incisivo, netamente bello y que consigue atrapar al espectador. Sin embargo es interesante la narración de la historia, como un recuerdo de la adolescente Linda. Son por lo tanto recuerdos del pasado, un período que quizás no entendía por su falta de madurez, recuerdos fraccionados, parciales y por tanto no completos. Es así que el guión nos cuenta parte de lo que podía haber pasado y siempre visto con los ojos de la chiqulla.

Los actores se desenvuelven lo mejor que pueden, Gere está bien en su papel quinquillero y suburbial, Shepard también realiza a la perfección ese personaje del rico hacendado al que se lo han dado todo hecho pero que tiene los pies en la tierra,  Brooke Adams está correcta, sin destacar en exceso en un papel quizás demasiado arriesgado para ella. La niña Linda está fabulosa como adolescente que narra lo que cree recordar cuando vivió aquellos sucesos tan personales. Para el recuerdo queda su frase final "La vida es muy larga y sólo se vive una vez", en un intente auto justificativo de las miserias cometidas por su hermanito, ese Gere bello y deplorable al mismo tiempo. Una película para el recuerdo por su maravillosa fotografía y puesta en escena, imprescindible desde el  punto de vista estético.

CRIMEN PERFECTO (1954)

    Genial cine de crímenes y suspese de Hitchckok, una de las mejores películas de su filmografía. En un espacio reducido a un salón comedor de un bello hogar londinense de aspecto victoriano se desarrolla esta enrevesada trama en la que un marido agraviado por los cuernos de la mujer con un amigo escritor y sabedor de su jugosa herencia planea una sofisticada forma de quitarsela de enmedio sin despertar ninguna sospecha. El crimen perfecto. Todo está calculado al milímetro. Tan solo necesita la colaboración de un delincuente común al que convenientemente chantajea para que realice el trabajo por él. El asesino material deberá ejecutar su macabra misión tras una conveniente llamada por teléfono del marido que permitirá que su esposa salga de la cama y coja el teléfono. Entonces el vil criminal estrangulará a la bella pero infiel esposa. Y aquí paz y después gloria piensa Tony Wendice (Ray Milland), el marido. Pero resulta que la bella damisela se revuelve, se estira y agarra unas potentes tijeras que fulminan al criminal. Entonces comienzan a surgir las complicaciones y el crimen perfecto se empieza a desmoronar. No obstante Tony muy habilmente trata de reconducir el caso. Y consigue que su mujer sea declarada culpable de homicidio aunque todo dará un giro inesperado que amenazará con dar al traste todo su diabólico plan.

   Es puro cine de suspense Hitchckokiano. Es un chute en vena que siempre resulta deslumbrante, inteligente, atrevido, impetuoso. No me canso de verlo. En realidad hay que decir que es la traslación de una obra de teatro al séptimo arte. Todo el thriller se circunscribe a las cuatro paredes de la casa. Ello consigue generar mayor sentimiento de claustrofobia, algo que el maestro siempre buscaba. Quizás no alcanza a La soga, otra de su obras fundementales que, como esta, encontrará en el escenario del crimen la solución al mismo. Destaca sobre todo el papel de Ray Milland, ese Tony Wendice endiabladamente inteligente que sabe improvisar sobre la marcha cuando los acontecimientos se tuercen con una soltura deslumbrante. Es casi un genio del asesinato, hasta sabe mal que no consiga su objetivo por su maldad congénita, casi diabólica. Porque finalmente la inteligencia y perspicacia de un anciano detective encontrará, en el momento límite, cuando todo parece indicar que Tony conseguirá que su plan sea perfecto, la clave de bóveda, la llave que resuelve todo el entuerto. Es curioso como Hitchock utiliza precisamente ese elemento para resolver el enigma.

   El guión es brillante porque la trama está perfectamente elaborada, meticulosamente engrasada,  cuidando cada detalle para que todo encaje a la perfección. En cada secuencia introduce la tensión necesaria con vuelcos argumentales contínuos que nos sorprenden cada vez más ofreciéndonos las dosis necesarias para no parpadear apenas, para dejarnos exhaustos con un final muy imaginativo, imprevisible y brillante. Hitchock se ríe de nosotros, juega con nuestras emociones gracias al genial dominio de los tiempos, de los momentos narrativos.

   Los actores están francamente brillantes, sobre todo un magnífico Ray Milland, soberbio, arrebatador. Los gestos, las facciones parecen perfectamente esculpidas para reflejar las emociones, el odio hacia el escritor que le ha robado a su mujer, la hipocresía, el aguante ante situaciones casi desesperadas. Es de esas interpretaciones en las que el villano consigue transmutarse en héroe sublime, perfecto, resultandonos tremendamente simpático aunque sepamos de la vileza de su crimen. Grace Kelly interpreta a Margot, una bella y dulce  mujer atrapada por su deseo hacia otro hombre.  Como siempre está correcta, no sobresaliente pero es la Kelly, siempre arrebatadoramente bella y elegante.  Robert Cummings es el escritor y amante Mark Halliday resolviendo con brillantez su papel de comparsa en la trama principal, un papel ambiguo que parece rozar con su mente la solución del asunto. Y magnífico el papel de John Williams como el inspector Hubbard, ese venerable anciano, tranquilo y sagaz que conseguirá con su flema británica cautivar al espectador, un papel escueto pero magníficamente interpretado. 

  En cuanto a la realización destacaremos aspectos habituales en el cine del autor británico: un cuidadoso uso del travelling, unas secuencias donde la cámara está quieta, inmovil, cual documentalista que se limita a filmar lo que esos animales de la interpretación se aprestan a llevar a cabo. Y ese voyer que mira desde un punto subjetivo, particular, ofreciéndonos su propia visión de los hechos desde diversos puntos de la habitación con planos a veces imposibles que propician una enorme expresividad y tensión emocional. ¿Dónde esta Hitchcock?, deberán adivinarlo, pero estar está, como en todas sus películas, en un cameo casi inapreciable.  Como curiosidad destacar que fue rodada con la cámara de visión natural de Gunzberg que permitía su proyección en tres dimensiones.

  Otra obra maestra del maestro, quizás no entre el grupo colosal que forman cintas como Psicosis o Vértigo pero fundamental en su filmografría. Una nueva reflexión sobre el crimen perfecto, sobre su materalización e imposibilidad porque el crimen perfecto no existe, solo sucede que, en ocasiones,no aparece la persona precisa para dar con el enigma.

LOS NIÑOS DEL BRASIL (1978)

    Técnicamente muy bien rodada, con una fotografía en color de Henri Decae, icono de la Nouvelle Vague, plena de colores pálidos y sugerentes, narra una historia medio realidad medio ficción con la enigmática y perturbadora figura del doctor Joseph Mengele, el "ángel de la muerte" de Auschwitz como centro de toda una trama de suspense muy a lo Le Carré.  Mengele fue el sádico médico que torturó y realizó experimentos aberrantes con los prisioneros gitanos y judíos. Particularmente repugnantes fueron sus experimentos con niños como la inyección de tinta de color en las pupilas para cambiar su aspecto o su crueldad con los recién nacidos dejándolos morir de inanición.  Es sabido que después de la guerra consiguió escapar viviendo plácidamente en sudamérica donde murió ya mayor en las costas de Brasil. Hasta aquí parte de la historia oficial de Mengele.

   La película se centra, sin embargo, en la etapa en la que vivió en Paraguay y nos cuenta una historia basada en la novela de Ira Levin que teniendo dosis de ficción notables se basa en muchos hechos comprobados sobre la vida del despreciable criminal nazi. La narración de la historia nos sumerge en la tenebrosa planificación por parte de Mengele y un grupo de jerarcas nazis que escaparon de los juicios de Nurember de un macabro plan con el objetivo de poner en pie un IV Reich. Utilizando a la organización ( sabemos que ODESSA tuvo mucho que ver en la huída y cambio de identidad en América latina de los criminales nazis) ordenará el asesinato de más de 90 personas. Estos viven en diversas partes del planeta y son sencillos padres de  familia, gente humilde y sin ninguna aspiración política pero guardan una semejanza que el propio guión y el desenlace de la película se encargarán de desvelarnos. Por lo pronto tenemos también a Liebermann, el cazanazis, implicado en desbaratar lo que aparentemente no tiene sentido alguno. Pronto descubrirá el horrible secreto y tratará de impedirlo a pesar de su avanzada vejez y estado de salud.

  

   El guión construye una trama de intriga convenientemente sazonada de cine histórico que comienza con el descubrimiento de ese plan diabólico que no acabamos de comprender. Un joven activista antinazi descubre una reunión secreta de Mengele con un grupo de asesinos nazis en Asunción y pronto da cuenta de ella a Elza Lieberman director de la agencia de cazadores de nazis. En principio no hace mucho caso al joven, le recomienda que se aleje del peligro pero este no hace caso, se juega la vida y la pierde pero obtiene una grabación de la reunión que Lieberman escucha parcialmente dándose cuenta de la gravedad del asunto. Pronto el anciano moviliza a su organización para que investigue el asunto. Ahí comienza la intrincada historia de misterio donde Lieberman viajará siguiendo las pistas que recaba tras los primeros asesinatos de la organización de Mengele. Hay que señalar que la historia es tan rocambolesca que resulta un tanto surrealista. Pero para el que guste de historias de espionaje sazonado con altas dosis de nazismo será un bálsamo.

   Una de las virtudes de la película, al margen de lo poco creíble de la historia, son las interpretaciones, en especial el gran Laurence Olivier que, aunque muy avejentado ya, en una de sus últimas apariciones en el celuloido, no deja de sorprender por su calidad interpretativa. Está creíble y llevando él, a sus doloridas espaldas, el peso de toda la película. James Mason, otro crack de la interpretación está bien solo que aparece en escasas ocasiones, como jefazo nazi, para parar los pies al desmesurado y lunático Mengele. Este último está interpretado por Gregory Peck, un actor ambiguo, que solo ha ejecutado unas cuantas interpretaciones destacables en toda su carrera. En esta ocasión realiza un Mengele verdaderamente desmesurado y brutal. No es creíble, por mucho que se esfuerce, está demasiado histriónico, está tan exagerado que resulta hasta cómico. Este es el trío de grandes pesos pesados con el que cuenta el film.

  La dirección del realizador Franklin J. Schaffner peca de estatismo, las posibilidades del guión se ven bastante cercenadas por una rigidez en los planos que no la hacen ágil y visulamente atractiva. En realidad, como he comentado en otros casos, la película parece acartonada, mucho más antigua de lo que es. Probablemente en la dirección esté la clave de este envejecimiento prematuro, de que se vea como una película vieja, sin vitalidad. No es, ni de largo, uno de sus mejores films (el planeta de los simios, El señor de la guerra, Papillón,Patton). Y quizás es en la secuencia final donde peor resulte su dirección, unos minutos angustiosos que se hacen visulmente poco creíbles.

Respecto a la banda sonora, es buena, obra del genial Jerry Goldsmith, quizás poco presente a lo largo del metraje pero que otorga esos momentos de misterio y dinamismo convenientemente sazonados a lo largo de la película, de ese estrés necesario para no dormirse, destacando más como suite al principio y en los créditos finales. En definitiva una película interesante para adentrarse en el mundo del postnazismo en América Latina, en algunas de las ideas alocadas de establecer un nuevo Reich, de resucitar, con la ayuda de la ciencia, todas las características que llevaron al mundo a la Era de Adolfo Hitler. Sólo apta para fieles de este tipo de cine.

 

AUSENCIA DE MALICIA (1981)

  Interesante película de Sydney Pollack sobre el mundo de la prensa y las consecuencias del sensacionalismo a través de un caso muy concreto relacionado con el asesinato de un líder sindicalista y las posibles relaciones con el hampa. En realidad la cuestión que se dilucida en esta película es hasta que punto un periodista debe publicar unas informaciones que no ha contrastado previamente. Esta actitud irresponsable puede originar graves inconvenientes si la información resulta ser falsa o no completamente verdadera. En este caso el asunto es muy delicado y el hijo de un jefe del hampa se ve salpicado por unas informaciones publicadas por una periodista que busca notoriedad, que quiere ascender. Ella es Megan (Sally Field), la periodista que cree que todo es lícito y que si existe la más mínima posibilidad de que las informaciones que ha recibido sean verídicas no hay inconveniente en publicarlas.  Su irresponsabilidad va a salpicar a Gallagher (Paul Newman), el hijo del gángster dedicado a un negocio de importación de licores. Este se verá envuelto en una compleja trama policial y judicial de la que le resultará muy difícil salir airoso. Por si fuera poco sus obreros harán caso a los sindicalistas y dejarán de trabajar, poniendo a su empresa al borde de la desaparición. Entonces Gallagher contactará con Megan, tratando de engatusarla y tejiendo un elaborado plan para hundir su carrera y salir indemne del envite.

   Lo más destacado es esa reflexión sobre el poder de la prensa y sus consecuencias de todo tipo para las personas que teóricamente han sido difamadas. Así, Pollack teje un elaborado drama que acierta en poner de relieve esas consecuencias, nunca positivas, dramáticas en ocasiones.  Además se añade la trama policíaca y  otras como la comedia o los juicios lo que ofrece una interesante combinación. El guión está lleno de interesantes diálogos y de un duelo interpretativo entre el mediano empresario y la periodista que asciende paulatinamente en tensión ( incluída la sexual, algo prescindible y metido con calzador).  La gran virtud del guión es el dibujo de los personajes, su introspección psicológica en su relación dramática aunque en el fondo es un tanto convencional. Su mayor defecto es que el guión trata de construir un entretejido thriller de mafiosos que no acaba de arrancar, es un quiero y no puedo. El espectador se queda con ganas de más, de que el argumento siga por ese camino y finalmente se va desinflando. Sigue una línea argumental de esas consecuencias y la venganza de Gallagher, el hijo del mafioso que desbarata a la ambiciosa periodista que no se detiene en remilgos morales a la hora de extraer toda la información lo más llamativa posible sin importarle las consecuencias terribles que pueden conducir a un verdadero callejón sin salida para personas vulnerables.

  Las interpretaciones son duales: una Sally Field que resulta más bien plana, poco creíble en su papel de periodista todoterreno, agresiva. Newman está bien, mejorando como el buen vino, en su línea, en un papel duro del que sale muy airoso. Como pareja protagonista carecen de empatía, no hay química entre ellos ni siquiera en las escenas sexuales. Melinda Dillon (Teresa) también merece mención aparte en un papel lleno de dramatismo y complejidad psicológica.

 

 Quizás el mayor problema de esta película sea que no ha envejecido bien. Sucede en ocasiones con películas que en su día destacaron y que guardando lecciones interesantes las vemos como pasadas de rosca, vetustas en definitiva y presentan un aspecto como de telefilm cutre. El aspecto que el director da a la película seguramente sea buscado pero visto hoy día parece pobre: esos edificios de apartamentos suburbiales, los coches y ese barco de Gallagher es lo que da ese aspecto un tanto acartonado. 

Los decorados no ayudan mucho a remontar esta situación, la redacción del periódico resulta gris y fría, casi desangelada, demasiado ochentera. Sin embargo el mensaje que pretende transmitir la película está en plena vigencia hoy en día, con una prensa cada día más amarilla y que pasa por encima en ocasiones del honor de las personas, atreviéndose a publicar sensacionalistas descubrimientos que después no pueden ser comprobados. El personaje del periodista trepa, que busca ascender sin pensar muy bien en el daño que pueda hacer a otras personas, por muy públicas que estas sean. Todo eso sigue en boga, Pollack lo retrata muy bien a pesar del envejecimiento visual y estético del metraje.  Es posible que esta película dentro de la filmografía del director norteamericano pase un tanto desapercibida pero la historia tiene fuerza a pesar de sus taras, merece la pena revisarla más en estos tiempos de desgracia para el periodismo. Recomendable para cualquiera que quiera ser periodista o quiera desentrañar los defectos de esa noble profesión y para cualquiera que quiera ver a Newman creciendo como actor, en una carrera imparable hasta sus últimos días. Lo demás es accesorio.

15 AÑOS Y UN DÍA (2013)

 

  Una historia desgarradora, de sufrimiento familiar, en torno a los errores de un adolescente problemático. A pesar de que el muchacho es de buena familia, educada aunque desestructurada,  Jon será un chaval muy conflictivo del que ya vemos en la primera escena de la película cómo trata de destacar en su grupo de amigos desafiando a la muerte por una simple apuesta.  Sus barrabasadas serán de tal calibre que será expulsado del instituto. Su madre, viuda, ya no puede con él y decide enviarlo al mediterráneo con su abuelo, separado de su madre desde hace décadas. El abuelo es un militar retirado que tratará de enderezar lo que se ha torcido pero que se verá también desbordado por el empuje de rebeldía del muchacho que pronto hará nuevos amigos, se tatuará el emblema de su banda y acabará inmerso en una reyerta en la que un chaval hispano morirá.

  Esta es la historia base en la que la directora vasca Gracia Querejeta introduce su peculiar punto de vista, más centrado en ese sufrimiento familiar y en particular de las mujeres, ya sean madres, abuelas o partícipes en la trama. El personaje principal, Jon, es tan solo la excusa propiciatoria de todos los desmanes que provocan ese dolor, ese padecimiento femenino. La madre, será la que sufra, en parte a distancia, como madre que es del desacerebrado chaval, sufrirá también su abuela y también la amiga íntima del abuelo, policía para más inri. Y sufre también la chica de la banda, que se enamora del chaval. También hay hombres que sufren, en especial el sufrido abuelo que trata de ser un padre estricto, que imponga disciplina al chico pero que consigue el efecto contrario. Como siempre en sus películas Querejeta, que en esta ocasión dedica su trabajo a su padre, recientemente fallecido, bucea en la psicología de los personajes, realiza esa instrospección que nos desvela el interior de sus almas atormentadas. Y también utiliza los silencios, momentos tan dramáticos e intensos como en los diálogos propiamente dichos

  Y sin embargo el guión no acaba de arrancar a lo largo de todo el metraje, es un quiero  y no puedo contínuo en el que el dramatismo desatado no se dispara, se diluye en otros temas de menor enjundia. Es como si el guión abordase una serie de aspectos muy interesantes y no los desarrollara, perdiera la oportunidad  de tomar esos nuevos caminos y quedara finalmente sensiblemente desaprovechado. Hay temas a los que se acerca, como digo, pero no profundiza: la familia desestructurada, la violencia en la adolescencia, el drama del desempleo, la soledad de la vejez, las dificultades de una personalidad poco empática, etc.  Además hay un errático caminar del argumento que, de pronto se trasmuta en un thriller de medio pelo, una investigación policíaca que no aporta nada, descafeinada, que podría haber dado mucho de sí pero se diluye como un azucarillo dejando de lado el tronco principal del argumento que es la relación nieto-abuelo que podía haber sido mucho más trascendente e interesante.

 Todo ello lo suple una magnífica, como casi siempre Maribel Verdú en el papel de Margo, la madre sufridora con apariciones de gran dramatismo a principio y final de la película, en especial su monólogo final, y Tito Valverde que está mejor que bien en el papel del abuelo, Max. El resto del elenco solo correcto:  Belén López como la policía Aledo, amiga de Max y el protagonista juvenil del drama, Jon, interpretado por Arón Piper que es el más flojito de los protagonistas principales según mi punto de vista.  En realidad los protagonistas adolescentes dejan mucho que desear, desde el inmigrante vendedor ambulante a la peluquera y trabajadora de un locutorio. Piper no acaba de convencer, le faltan tablas y mayor convicción en lo que hace.

   En definitiva una película aceptable que por momentos descarrila, por un guión no muy bien enlazado y trabado que pone al filo del desastre un drama sobre esa etapa de la vida de una persona que es la difícil adolescencia y que solo salvan las magníficas apariciones estelares de la Verdú y de Valverde, recuperado en esta película para el cine.

    La factura técnica de la película no deja de ser correcta y sencilla. Querejeta escapa siempre del uso de planos rebuscados o artificios mágicos, haciendo fácil lo difícil y facilitando al espectador inmiscuirse en esa bomba de sensaciones, de desgracias y aspectos positivos, que de todo hay en su cócktel íntimo y personal aunque en esta ocasión desacertado. Es por ello que dentro de la ya nutrida e interesante filmografía de su autora esta  historia de adolescencia mal llevada no acabe ocupando un lugar preeminente, a pesar de su nominación para representar a España en los Óscar.

CÉSAR DEBE MORIR (2012)

  Interesante película-documental en la que unos presos de la cárcel romana de Rebibbia dirigidos por el director teatral Fabio Cavalli interpretan el Julio César de Shakespeare. Se mezclarán de esta forma momentos de la vida cotidiana en la cárcel con los ensayos de la obra y su representación final. Llama la atención el gran trabajo interpretativo de los presos, muchos criminales condenados a cadena perpetua y componentes de la mafia calabresa.  Los directores nos quieren sugerir sutilmente y durante el metraje el obvio paralelismo entre la trágica historia del asesinato de Julio César, la venganza y los remordimientos, con la situación histórica de la  mafia y sus vendettas.

   La historia es pura y cristalina, es el Julio César de Shakespeare. Todos conocemos la historia, la verdadera e histórica y el drama de ficción shakesperiano, fundamentalmente la brillante adaptación al cine de  Mankiewicz. No son comparables ambos Julio César. Lo brillante en este caso es que partiendo de unos actores total y absolutamente amateurs y de su situación personal y particular, los directores Paolo y Vittorio Tavani (resucitados para el cine en esta obra) consiguen recrear el extraordinario drama con unas interpretaciones fabulosas de las que hablaremos después. Interpretaciones que lo son todo porque todo lo demás es suprefluo: el decorado son los pasillos y el frío hormigón armado de la cárcel, los siniestros barrotes  oxidados y el blanco y negro con el que nos sumergen en esa tensión a punto de desbordarse en ocasiones. Ese blanco y negro que aparece después de un prólogo de presentación en color nos remite claramente al clásico anteriormente citado y es uno de los grandes aciertos de esta película que termina nuevamente en la realidad a color que estos desgraciados vivien día a día.

   Es impresionante como se entremezclan momentos de tensión dramática propias de la historia de Julio César y su asesinato a manos de Bruto y Cassio con pausas en las que aparece el verdadero rostro de los protagonistas, sus miserias carcelarias, sus taras educativas, sus miserias personales. Aunque, en realidad, casi la totalidad de la película está compuesta por los ensayos y la labor que el grupo de los talleres teatrales de la cárcel dirige, esta casi pasa desapercibida y lo que vemos es la historia de César que, como bien sabemos, es la historia de Bruto y Cassio pero también de Marco Antonio y Octavio. Realidad y ficción se conjugan en una interesantísima puesta en escena.  Parece como si la intriga para asesinar a César se transmuta y obsesiona a los delincuentes protagonistas de la película, ese crimen contra Julio César parece que sea como la vida misma para ellos. 

  Las interpretaciones son merecedoras de admiración como decíamos, más tratándose de actores amateurs. Salvatore Striano es Bruto. Su papel refleja valor, fuerza, verdad y gran emoción. Otros protagonistas, presos en la vida real, son Giovanni Arcuri ( César ) y Cosimo Rega (Cassio) y su actuación está a un altísimo nivel: desde luego que el trabajo que con ellos se ha hecho es merecedor de los premios que la película recibió. Y estas interpretaciones de sí mismos, de asesinos mafiosos que tranquilamente pasan su tiempo perpétuo (en algunos casos) entre las tristes rejas de una prisión italiana y que por unos días son César, Bruto o Antonio son tan verídicas en manos de estos criminales que llega a enternecer y a admirar.

  Los directores llevan a cabo una excelente labor estilística, muy original, que consigue atrapar al espectador. Es todo tan frío (las personas, el escenario: ¿hay algo más frío que una prisión?) que estremece mucho más que cualquier representación teatral o cinematográfica al uso. Esa frialdad que dan las caras de unos asesinos y delincuentes comunes, sin maquillaje, sin trucos, solo la verdad, esa verdad que tan difícil es encontrar en el cine. Vista así, la película transmite una emotividad muy grande, nos abre nuevas perspectivas en nuestro cuadriculado pensamiento.  Los planos cenitales y longitudinales del interior de la prisión, los primeros planos desgarradores, la visión del grupo circulando por los pasillos amurallados de hormigón ofrece una expresividad inigualable. La naturalidad de todo el mundo que aparece en este documental estremece.

     Y  podemos así hablar del drama carcelario, de la negritud, de lo oscuro, que se trata de apaciguar, de sobrellevar gracias al teatro, una forma de expresión que es una válvula de escape a esa olla de grillados dentro de unos módulos de prisión de alta seguridad. La pasión con la que actúan los presos solo es posible en condiciones extremas de sufrimiento personal y colectivo: esa es la verdadera cara de la falta de libertad ganada a pulso. El taller de teatro se convierte en una auténtica pasión, no solo entretenimiento y nada más, una liberación que persigue su fin: la mejora de las condiciones mentales, sociales y humanas de lo inhumano. La diversión y el buen clima ( que a veces se rompe) favorecedor de esa dura vida a la que se han visto abocados como decíamos asesinos, camellos e integrantes de la cosa nostra. Todo eso vemos en este documento realista de la representación de un drama, un drama que nos transmite el documental cinematográfico que es teatro dentro del cine, verismo en estado puro a través de todo un clásico de William Shakespeare.

 

HABITACIÓN EN ROMA (2010)

  Vuelta de tuerca en el barroquismo del imaginario de Médem, pero en parte fallida vuelta en esta ocasión.  Ese mundo tan especial y, en ocasiones, caótico del director vasco queda aquí reducido y encorsetado en una habitación de hotel.  En esta ocasión para mayor gloria de las dos intérpretes de este diálogo lesbiano: Elena Anaya (Alba) y Natasha Yarovenko (Natasha). El argumento de la película permite a Médem rodar una buscada instrospección y alcanza a rozar un sentimiento humano puro de amor, sexual y sensual, erótico y emotivo. Logrará una atmósfera repleta de erotismo dentro de la pequeña estancia. Ambas irán reconociendo, poco a poco, que algo más que una simple amistad les une. A pesar de sus diferencias culturales, físicas y geográficas crecerá un sentimiento que acabará por derrotar las barreras mentales de ambas. Serán amigas, amantes y cómplices: relatarán sus vidas y compromisos, reconocerán sus amores previos, pretendidamente sólidos que acabarán derribados.

 

  Dos personas que se cruzan por azar en la vida, además, en la bella ciudad italiana y marchan por una estrecha calle romana, Via dei coronari, sin saber todavía lo que les depara la noche. Alba invita a su nueva amiga a subir a su habitación. Ella, carente de experiencias lésbicas, acaba aceptando. En la fachada del hotel de Alba tenemos tres astas de banderas. Dos están ocupadas pero una permanece vacía, como símbolo de lo que puede deparales su encuentro. Pronto comienzan a descubrir en la habitación del lujoso hotel que tienen algo más en común que el sexo. Son dos mujeres que Médem nos muestra insistentemente desnudas pero con una complicidad que va más allá de los simples convencionalismos en estos casos. Se produce una interconexión emocional entre ellas que dará paso a una romántica noche que no querrán que finalice nunca y que, después de despuntar el alba deberán abandonar para no volver a verse jamás, ¿o quizás no?. Especial atención muestra el director en la decoración de la habitación que es casi tan protagonista como el duo de actrices principales: los cuadros, esas pinturas renacentistas que Natasha conoce de memoria y el eterno cupido que desde el techo está siempre presente de manera alegórica.

  

 Aparentemente parece que la historia no es que tenga mucho más que ofrecer en muchos aspectos y, profundizando un poco parece toda una reflexión quasi filosófica sobre el amor. Los diálogos tratan de avanzar en este camino pero se hacen monótonos, repetitivos, salpicados de las escenas puramente eróticas. Alba lleva la voz cantante en la cama y en una amistad que va creciendo con el metraje. Natasha, que juega con su identidad confundiendo a Alba con su verdadero ser, no se atreve a reconocer que se ha enamorado y que ya nada será como antes en su vida. Ella está prometida y se va a casar en breve, tiene una hermana gemela que anda por Roma investigando el renacimiento, además es tenista profesional. Aunque no llegamos a saber si es ella la tenista y su hermana la doctorando en historia del arte o al revés. Las dos se divierten( juntas, en la ducha, cantan "volare")  y se aman pero en la cama quien demuestra mayor ímpetu y dominio de la situación es Alba que mantiene una relación con otra mujer en su país y que ha sufrido la pérdida traumática de un hijo. En realidad ambas tienen mucho que contarse: ambas han sufrido. Y entoces la película deja de ser puro sexo, dos tías en bolas, todo el rato desnudas y achuchándose ferozmente y empieza a ser la historia de ambas, sus miserias y logros en la vida. 

 

     Decía que la historia no era muy original. No en vano Médem se ha basado en otra película. Habitacíon en Roma es una secuela de "En la cama" de Matías Bize y además no podemos obviar las influencias de El último tango en París. Es esto lo que nos aleja del Médem puro y auténtico que parece ausente en este film. El desarrollo de la historia se llega a hacer tedioso, algo desconocido en el director español. Parece no avanzar, como si la noche no llegara a su fin. Diálogos breves interrumpidos por sexo lésbico a raudales. Interrupciones para ver el ordenador, google maps para visualizar sus respectivos hogares.  El amor y la muerte como símbolo ya que  ambas han conocido la tragedia está tan solo apuntado en el guión. Y, por el contrario, hay momentos supuestamente cómicos que podrían ser prescindibles, como el karaoke o el juego sexual con una botella.

  

  La interrupción nefasta del camarero que rompe esa ilusión de dos únicos intérpretes a lo largo del metraje, un camarero italiano predispuesto a todo que llega a proponer un trío. Verdaderamente absurdo lo de este personaje, prescindible por completo. Lo mejor llegará con el final, que emociona en unos momentos en los que, despuntando el alba, en esa Roma milenaria, con el cielo romano que verdaderamente parece el paraíso, las dos amantes llegan al máximo de compenetración unidas piel con piel en una bañera en la que dan vueltas sin parar. El desayuno bajo la tenue luz romana es lo que da cierto sentido a la película, esa compenetración de dos almas que saben que tenían que encontrarse en algún lugar del universo porque estaban hechas la una para la otra.

  En cuanto al duo protagonista hay que señalar que están ambas correctas, Elena Anaya mucho mejor, con más seguridad en lo que está haciendo, convincente en su papel de lesbiana. Yarovenko mucho más floja, a veces forzada. Al margen de ellas, una fugaz  aparación en un video de Nawja Nimri, que no se puede siquiera comentar y el desafortunado camarero italiano cierran el elenco protagonista.  Quizás lo más desconcertante es que, al estar rodada en inglés, el doblaje resta naturalidad a las interpretaciones.

La banda sonora es magnífica con temas excelentes de Russian Red ( la maravillosa Loveng strangers) y esos temas barrocos y cadenciosos, cual arias de ópera de Jocelyn Pook que se van repitiendo en los momentos más románticos y singnificativos quizás demasiado machaconamente.

   Técnicamente la película está muy bien realizada, como siempre sucede con Julio Médem aunque en mi opinión abusa de primeros planos y busca perspectivas inverosímiles en esa oscura habitación, planos cenitales que ayudan a forzar la tensión dramática. Utiliza magistralmente el travelling ascendiendo y descendiendo desde la calle hasta el interior. Sin embargo no creo que dentro de su filmografía acabe ocupando un lugar destacado este film. Quizás una oportunidad perdida, como ese final incierto, esa bandera en el asta de la esperanza, un final ciertamente increscendo, lo mejor de la película.