UNA JORNADA PARTICULAR ( 1977)

 

  Película de sentimientos, de amarguras y de desasosiegos, de dos personajes al límite, en una sociedad eminentemente machista y homófoba, la sociedad italiana de los años 30. Toda la acción dramática sucede durante una jornada, un día, en el que llega a Roma el Fürher Adolf Hitler. Es el 6 de Mayo de 1938, declarado día de fiesta nacional. Mussolinni recibe al dictador alemán y todos tienen el deber, como buenos soldados italianos, de acompañar al visitante ilustre por las calles de la ciudad eterna.  Sin embargo no todos acuden a la fiesta. En un bloque de viviendas de clase acomodada Antonietta ( Sophia Loren) es esclava de su marido y su familia. Para ella nunca es festivo, siempre es día de trabajo. Debe, como buena madre y esposa, hacer sus tareas del hogar, limpiar, hacer las camas, cocinar, tender la ropa y un sinfín de tareas más. Obviamente su marido es un asqueroso fascista con todos los calificativos más negativos que se nos ocurran: es machista hasta el extremo, militarista y muy pero que muy fascista. Antonietta también lo es, todos lo son. En una sociedad totalitaria ni siquiera nadie se plantea que algo esté mal, que el líder supremo se pueda equivocar. Y ella es también machista y conformista con su propia situación aunque, en el fondo, le gustaría cambiar, sentirse querida y respetada por su marido y sus hijos.

    Esa mañana, cuando el edificio se queda casi vacío, solo con la presencia de una anciana portera, también extremadamente fascista y cruel, Antonietta pierde por la ventana la mascota de su marido, un pequeño pájaro negruzco que acaba posándose en la ventana de enfrente. Casualmente en esa ventana, en esa vivienda, otra persona no ha ido al desfile ese día. Tiene trabajo que adelantar y, además, ha sido represaliado por no comulgar con ruedas de molino. Gabriele ( Marcello Mastroiani) teme que la policía llame a su puerta en cualquier momento entre otras cosas porque es antifascista pero también porque es diferente a los demás. Su idea es acabar con todo, quitarse de en medio y dejar de molestar y sufrir. Y sin embargo Antonietta llama a su puerta en el momento preciso, intentando agarrar al pajaro que está posado cerca su ventana.

   Entre ellos se establecerá una fuerte relación afectiva en la que de manera pausada y lenta irán abriendo sus corazones solitarios y convirtiéndose en cómplices de esa soledad, de ese desprecio que los demás sienten por ellos. Ella descubrirá que puede ser algo más que un simple pedazo de carne que trae al mundo niños, que vale mucho porque Gabriele con su fina ironía le va destrozando sus arcaicas estructuras mentales, su forma de pensar uniforme, de servicio a la patria. Él descubrirá que puede ser amado, que no está solo y que es todavía un hombre atractivo. Un conjunto de equívocos llevará a Antonietta a creer que Gabriele puede ser lo que no puede ser: un amante fiel, un hombre que la ame, con el que pueda establecer una relación. Habrá momentos de gran tensión, incluída la sexual, donde él, sin revelar todavía su identidad sexual, se ve obligado a amar a Antonietta, ya deshinibida de todas las taras mentales con las que habitaba.

   Hay escenas prodigiosas de enorme tensión entre dos personajes que hacen quizás una de sus mejores interpretaciones de sus respectivas carreras cinematográficas. Es un verdadero duelo interpretativo, un diálogo tremendo, en un escenario teatral, puesto que no se ven exteriores. Sin embargo el fascio, el nazismo, está presente en todo momento.  El espectador se pasa toda la película escuchando marchas militares y la narración, en tiempo real, del homenaje de Italia a Hitler. En ocasiones es tan atronador el sonido y las voces exaltadas de los locutores que parece que los dos personajes estén en la mismísima Piazza Venecia, delante de la tumba al soldado desconocido, donde los dictadores italiano y alemán depositan su ofrenda. Scola consigue mediante este recurso narrativo hacer opresiva la película, envolviendo la escena, haciéndola casi insoportable.Y sin embargo están solos, con el solo incordio de la desagradable portera, que está ojo avizor, como metáfora de la vigilancia parapolicial a que el estado totalitario somete a todo un pueblo.

    Destacar ese momento interminable en el que Antonietta sube a tender la ropa con ayuda de Gabriele, una persona destrozada e insumisa junto a otra todavía con grandes prejuicios morales pero que acaba sucumbiendo a la inteligencia y madurez del hombre libre. Las sábanas al viento simbolizan la libertad que ambos ansían y que jamás podrán tener. Y, como no, la dura escena sexual en la que el hombre debe demostrar su masculinidad, a pesar de sus tendencias sexuales.

   Una película sencilla que Ettore Scola consigue hacer muy grande con su genialidad cinematográfica, en especial para crear esas atmósferas tan especiales en interiores. La fotografía de Pasqualino de Santis refleja esos tonos apagados, en especial los opacos esteriores, como queriendo representar lo obsceno, lo terrible de aquel día y aquellas fechas. Además cuenta con la ayuda de dos portentos interpretativos que, curiosamente, hacen lo contrario de lo que estamos habituados a verles: Mastroianni, el galán y conquistador, es un triste hombre reprimido y homosexual. Loren, la modelo de modelos, la mujer exhuberante es aquí una adocenada y descuidada ama de casa, despeinada y nada atractiva. Una lección de lo que debe ser un gran actor. Mastroiani acabó nominado al Óscar de la academia, así como la película.

   Un auténtico homeje a la libertad,  que tan bien representa Scola con esas ventanas, esas miradas de ambos, casi espías, ese amor desatado, quizás el primero de toda su vida para el ama de casa. Y después, el drama de Gabriele, su marcado final, casi teatral, que no deja mucho espacio para la esperanza. Finalmente acabará el desfile, el edificio se llenará otra vez y su familia volverá a situarla en donde le corresponde en una socidad retrógrada y arcaica. Una terrible crítica de Scola a su propio país, una apertura en carne viva de lo peor de su nación de un director caracterizado por la su valetía.

-FICHA TÉCNICA:

• Título original: Una giornata particolare
• Año: 1977
• Duración: 105 min.
• País:  Italia
• Director:Ettore Scola
• Guión: Ruggero Maccari & Ettore Scola
• Música: Armando Trovajoli (AKA Armando Trovaioli)
• Fotografía: Pasqualino De Santis
• Reparto:Sophia Loren, Marcello Mastroianni, John Vernon, Françoise Berd, Patrizia Basso, Nicole Magny
• Productora:Campagnia Cinematografica Champion S.P.A. / Conafox Films lnc. / Carlo Ponti

THE EAST (2013)

     The East  es de esas películas que, en apariencia, no parecen aportar nada nuevo pero que en el fondo dejan un mensaje que, no por repetido, deja de ser actual y, sobre todo, necesario. Una nueva vuelta de tuerca al cine ecologista de denuncia social, en esta ocasión centrada en los atentados de una banda terrorista conocida como el título de la cinta, que trata de lanzar a la opinión pública una serie de golpes muy sonados, con el objetivo de despertarla de su letargo, de sacudir con fuerza las conciencias difuminadas por el consumismo y la publicidad en nuestra acomodado estilo de vida occiental. Asuntos como la manipulación de los medicamentos y los grandes beneficios de las farmaceúticas salen a relucir en este sorprendente ejercicio cinematográfico, interesante por la tesis que presenta casi más que por el contenido formal al que nos invita a participar.

  Sarah Moss ( Brit Marling) es una competente agente de contraespionaje que ahora trabaja para una compañía de seguridad. Esta empresa recibe encargos de grandes empresas, algunas multinacionales, que se están viendo atacadas y desprestigiadas por la labor clandestina de The East. Ella deberá contactar con ellos y mediante su habilidad profesional, adentrarse en la organización y desenmascararla, destruirla, sabotearla desde dentro. Esa es su misión. Sin embargo, cuando se encuentre dentro del cogollo de la banda, junto a sus líderes, quedará fuertemente impresionada por su ideología, por sus intenciones y, sobre todo, por su líder, un misterioso joven que también sentirá una fuerte atracción sexual ( como no) por ella.

 Quizás lo más interesante de la cinta no sea la acción ecoterrorista en sí, espectacular en ocasiones, ni tampoco el mensaje de crítica social que hace a las grandes empresas que contaminan impunemente, conscientemente, destrozando poco a poco nuestro ecosistema. Seguramente lo más destacable de la película es la idea que queda flotando cuando se dilucida varios dilemas morales de gran trascendencia. La disyuntiva entre defender la legalidad, la que representan esas empresas criminales que revientan conscientemente el delicado equilibrio ecológico o las vidas de las personas a las que utiliza como cobayas para su rápido enriquicimiento o apoyar firmemente la radicalidad, el por aquí no paso y rebelarse contra el sistema, contra esa legalidad. Y, a continuación, la duda terrible entre apoyar la violencia, el pasar por encima de lo que haga falta para hacer valer tu ideología, por muy justificadas que estén sus razones o rechazarla enérgicamente, debate muy en boga en la actualidad, debate siempre pertinente. 

   La  cinta penetra en ese submundo un tanto oscuro, casi religioso y extremadamente peligroso, un mundo en el que se entra con  facilidad pero del que resulta muy complicado salir. Como aspecto negativo, esperamos más de un grupo de personas que se están jugando la vida por sus ideales, sobre todo no es muy creíble esa especie de comuna hippie convencional, todos los personajes estereotipados, que se reúne en torno al fuego en casa del líder ( aunque la casa esté destartalada). A pesar de ello, de esos revolucionarios un tanto chicks y apacibles, tenemos muchos ingredientes inquitantes y vemos con asombro como cualquiera puede convertirse en un revolucionario, un individuo que puede hacer remover los cimientos del sistema. Quizás por todo ello el guión no resulta del todo convincente, ciertos diálogos son un tanto absurdos por momentos, apectos claves no quedan bien explicados, solo mal sugeridos. El final puede también parecer demasiado previsible si bien es de agradecer que, al menos, la coherencia y los principios de los protagonistas venzan al romance sentimentaloide.

  El plantel artístico está correcto, tanto la protagonista principal, en su doble papel de espía-terrorista, la ya citada Brit Marling, en el papel de la metódica pero débil Sarah Moss, como los otros protagonistas esenciales, Alexander Skarsgard, en el  papel de Benji, ese líder casi mesiánco y firme de la banda o  la pequeña Ellen Page como la débil y fuerte al mismo tiempo Izzy. Destacable por su presencia rotunda el breve papel de Patricia Clarkson como Sharon, la jefa de la empresa de espionaje, firme, tenaz e implacable en la defensa de sus clientes. La banda sonora es de lo mejorcito de la cinta. Halli Cauthery, en especial con ese piano inquietante, consigue transmitirnos ese desasosiego  presente a lo largo y ancho de la historia. La fotografía oscura, matizada, llena de momentos de cielos nubosos y grises reincide en lo ya dicho para la música: lo tenebroso, lo inseguro, lo inquietante. 

  En definitiva, diríamos que es una película irregular, que podía haber dado mucho más de sí, dibujando unos personajes en exceso inestables y exaltados, una imagen en exceso convencional y estereotipada pero que en definitiva permite abrir de  nuevo el debate, un debate nunca cerrado. Ecologismo versus degradación del medio y, lo más importante, violencia versus legalidad. O quizás debiéramos decir violencia versus violencia, justificando así el uso de la fuerza como forma de lucha contra lo presuntamente legal o, mejor dicho, lo legal legalizado gracias a la presión del capital.

 

-FICHA TÉCNICA:

• Título original :The East
• Año: 2013
• Duración:116 min.
• País : Estados Unidos
• Director: Zal Batmanglij
• Guión: Brit Marling, Zal Batmanglij
• Música:Halli Cauthery, Harry Gregson-Williams
• Fotografía: Roman Vasyanov
• Reparto:Brit Marling, Alexander Skarsgård, Ellen Page, Toby Kebbell, Shiloh Fernandez, Aldis Hodge. Danielle Macdonald, Hillary Baack, Patricia Clarkson, Jason Ritter, Julia Ormond
• Productora:Fox Searchlight / Scott Free Productions 

   

  

DRIVE (2011)

 

   Fantástica película que destila puro noir. Violencia y romance exacerbados, crueles en ocasiones. Muchos recuerdos del buen thriller trepidante y trepidado, de los que no dan tregua al espectador, del cine que aborda el tema de la mafia y sus ramificaciones y que no está exento de una conveniente historia de amor. Es puro cine policíaco de los 80, Tarantino, al menos el de Reservoir Dogs y Pulp Fiction aunque en este caso el tono general es mucho más negro y sangriento, quizás excesivo y carece de esas dosis de humor que el director norteamericano introduce en sus películas. O quizás recuerde al Scorsese de Taxi Driver, aunque el protagonista en nigún momento pierde la cabeza.   La historia que nos cuenta esta película tiene un protagonista principal que da título a la cinta. Es Driver, un joven mecánico que complementa su sueldo trabajando como conductor en arriesgadas escenas de cine, como especialista. Driver también es un conductor excepcional que llama la atención de promotores que piensan que puede tener llegar lejos como piloto de autos de gran cilindrada. Lo que nadie sabe de él es que, algunas noches, complementa su triste salario en el taller trayendo y llevando a delincuentes. De hecho la película tiene una magnífica presentación o introducción que ocupa las primeras secuencias del film en las que se ve a Driver esperando a los delincuentes para despúes transportarlos a un lugar seguro, persecución policial incluída, a todo gas por las nocturnas calles de Los Ángeles. Así transcurre su vida, entre el taller, las arriesgadas escenas del cine y las cundas de delincuencia que le reportan unos míseros ingresos para subsistir en su pequeño apartamento. 

    Sin embargo algo inprevisible se cruza en su monótona vida: el amor. ¿Qué sería del Noir sin una buena y tormentosa historia de amor?. Nuestro joven protagonista conoce por azar a Irene, que se ha trasladado a vivir con su hijo Benicio al apartamento contiguo al de Driver. Pronto surge una buscada complicidad que lleva irremediablemente a una bella relación. Y a pesar de que ella tiene un hijo, los tres se complementan a la perfección. El problema (siempre en el cine negro ha de surgir algo así que altere la normalidad) es que ella está casada con un delincuente. Y como no podía ser de otra manera el marido sale de la cárcel, debiendo ambos enamorados apartar su historia de amor momentáneamente. Hasta aquí tenemos unos elementos diríamos habituales en una película normal: chico conoce chica, ambos se enamora, ella tiene un hijo, su marido regresa de la cárcel.

    El problema ( y lo que realmente da sentido a toda la película) es la trama que surge con la aparición de la mafia, la pequeña mafia que patrocina a Drive como piloto y la gran mafia de Philadelphia que busca un millón de dólares perdido en una casa de empeños. El marido de Irene, Standard, tiene una deuda que ha contraído en prisión con un grupo mafioso y debe pagarla. Driver, a pesar de que es su competidor por el amor de Irene, decide ayudarlo. En esta acción se ve el lado humano y altruísta de nuestro protagonista. Aunque le duela prefiere ver a Irene y a Benicio felices al lado del hombre que es su marido. Pero todo dará un giro de 180 grados en ese maldito atraco. Drive espera 5 minutos ( nunca espera más, si el delincuente no se las arregla con ese tiempo se queda en tierra). Antes de terminado el tiempo aparece un enorme coche con lunas tintadas que se coloca paralelamente al suyo. Algo pasa aquí, ¿quiénes son estos tipos?. El drama se huele. Drive consigue que el dinero acabe en su maletero pero  Standard, el marido de Irene, es tiroteado y muere. Algo ha salido mal, algo huele a cuerno quemado. Lo que sucede a continuación es que la película se vuelve endiabladamente tenaz, todos los acontecimientos ocultos y sangrientos se precipitan. El millón de dólares ( que Drive ni se imagina) ponen en marcha un proceso en el que todos van a salir bastante perjudicados y en el que el joven conductor mostrará una incalculable sangre fría para poner a salvo lo que más quiere: a Irene y su hijo, aun a riesgo de perder su vida.

  La película hechiza por muchas razones: el guión de Hossein Amini es muy negro, tanto que recuerda a esas películas de cine criminal de toda la vida.  Destaca por encima de todo un clasicismo que se ve fragmentado, roto y salta por los aires cuando la terrible y brutal violencia hace acto de presencia. Si bien aparece como pleno de sentimentalismo la bestialidad del mundo en el que se desarrolla deja poco espacio para el romance. En realidad deja muy poco espacio para casi nada que no sea la violencia, el crimen. Ningún espacio para la absolución.

   La estética de la cinta, es tan ochentera que recuerda a otras películas del género como ya decíamos. La actuación de los protagonistas, en especial un Ryan Gosling en estado de gracia, como el frío y calculador Drive, el mártir engominado  y chuleta, bella fiera que no se deja amilanar por nada ni nadie, aunque una mafia criminal de la peor especie amence lo que más quiere. Sus acciones al volante recuerdan a Bullit, son excepcionalmente emocionantes. Carey Mulligan es Irene, la madre de Benicio. Es la típica mujer frágil que ha acabado con un criminal de poco fuste y se ve atrapada por su amor por Drive. En ese sentido interpreta magníficamente su papel de mujer débil pero enamoradiza, asustada y dura, inflexible ante el mal que contempla a su alrededor. Ron Pearlman es Nino. El veterano actor continúa en su estilo personal, que le acerca mucho a estos papeles de mafioso sin escrúpulos que tan bien aborda. El resto de los actores dan la talla, incluso Christina Hendriks en un papel ínfimo ( sí, la tetona de Mad Men).

  El director Nicholas W. Refn demuestra que sus anteriores trabajos no eran flor de un día. Incorpora a la película una serie de detalles visuales muy logrados, una fotografía sombría que se troca por momentos en luminosa, una luminosidad pavorosa, apabullante que destaca claramente los momentos de lucidez y los de descenso a los infiernos. Así, el realizador lleva a cabo un derroche de estilo, con todos los elementos propios del género cinematográfico: las carreras trepidantes de coches, las amistades peligrosas y el romance, el cine de gangsters y de vengadores. Consigue crear una situación de tensión que se incrementa con el paso del metraje, cuando nos apercibimos de la crueldad hacia la que se dirige Drive, devorado por el monstruo de la venganza. De esta manera Refn consigue crear una serie de escenas inolvidables que quedarán indelebles en nuestro imaginario.

   Quizás haya violencia gratuíta pero seguramente no haya mejor ocasión para mostrarla. Escenas como cuando vemos el cine dentro del cine, con esa máscara impersonal que tanto protagonismo tendrá al final o el momento del ascensor, con esa penumbra remarcada por unos personajes que sabemos malvados, ejemplifican la idea clave de esta obra de arte. Esto es cine, amigos.

LA SOGA (1948)

  Estamos ante una de las obras clave dentro de la intensa y emocionante filmografía de Alfred Hitchkock, el genio del suspense. En este caso parece que estemos asistiendo a una representación teatral porque toda la película se desarrolla en un pequeño salón con vistas a la ciudad de Nueva York. Este recurso multiplica la emoción que la historia ofrece al espectador, una historia enferma, un primer shock nos aguarda. Porque cuando la cámara penetra en la estancia después de un breve travelling desde una calle neoyorkina dos jóvenes acaban de estrangular con una cuerda, con la soga, a otro que conocían previamente (no desvelamos nada con esto). De hecho acaban de asesinar a uno de los invitados a su macabra fiesta, al que habían citado con antelación. Una fiesta de la que solo ellos conocen su verdadero significado.  Brandon y Philip han llevado a término, como habían planeado y teorizado desde mucho tiempo atrás, el crimen perfecto, con el solo propósito de la satisfacción de perpetrar el crimen por el crimen, sin ningún otro móvil.  Intentan poner en práctica eso que el ensayista británico  Thomas de Quincey  en su  asesinato como una de las bellas artes proponía con sorna. Y así lo dispone Brandon, auténtico cerebro de la maquiavélica idea. Philip solo es su comparsa, un ser que para su amigo Brandon no deja de ser un mediocre al que convenientemente ha manipulado para ejecutar su diabólico plan. La idea de perpetrar un asesinato por el placer de hacerlo y porque ellos son "hombres superiores" y que, por tanto, tienen derecho a quitar la vida a un mediocre mortal está presente en la ideología de Brandon.

  

Además todo puede resultar todavía más apetitoso si el asesinado es uno de los invitados a la fiesta. Si encima esconden el cuerpo en un arcón antiguo en el que suelen guardar libros y, en un arrebato de genialidad, Brandon dispone que el refrigerio se sirva encima del mismo, el acto de asesinar se convierte en un placer. Nuestro protagonista se cree por encima del bien y del mal, piensa con clarividencia que es un superhombre, en la acepción nietzscheana del concepto.  El espectador, por tanto, sabe ya quienes son los asesinos, su motivación, su móvil. Lo interesante de la película es cómo, durante el desarrollo de la fiesta, esa a la que jamás parece llegar  David Kentley pero en la que su cadáver yace en el arcón, se suceden una serie de escenas y situaciones que llevan a los asesinos a ser devorados por el monstruo de la culpa, encarnada en su profesor de criminalística, Rupert Cadell, el invitado estrella y con el que pretenden jugar al gato y al ratón, poniendo en evidencia que el crimen perfecto existe, contradiciendo sus tesis más académicas. A partir de ahí el desenlace será el previsto y anunciado por las sospechas que el docto profesor, interpretado de manera magistral por James Stewart, va recabando conforme transcurre la fiesta en ese maravilloso ático neoyorquino.

   El guión es una auténtica joya. Consigue establecer una estructura narrativa de una única escena, de 80 minutos de duración, en la que suceden todos los hechos ya reseñados. Está basado en una obra de teatro que se insira en un caso real de homicidio acaecido en los años 20 y está escrito por Hume Cronyn.  Por ese aspecto teatral que mantiene al espectador dentro del habitáculo del apartamento todo se centra en la actuación de los actores como si estuviésemos viendo la escena de un teatro. Lucen y brillan especialmente James Stewart en su papel del profesor Rupert Cadell y John Dall que representa fielmente ese personaje perverso e infinitamente inteligente, dandy, guapo y con buena posición social. 

   Una escenografía teatral, un salón del ático con magníficas vistas al skyline neoyorquino que nos ofrece un único punto de fuga, unas vistas obviamente fingidas y que parecen estar ahí, mirando, cual voyeur que, impenitente, observa sabedor del enigma, el desarrollo de los acontecimientos. Nueva York observa, mira la escena y nos mira contínuamente a  nosotros, espectadores. Magnífico recurso visual que acentúa la sensación que Hitchkock quiere provocar en el espectador desde el principio: la ansiedad, el sobresalto continuo, sobre todo cuando los asistentes son invitados a comer el refrigerio encima del arcón que es ya un ataúd.

  La cámara nos acerca cada vez más al arcón, que es uno de los objetos fetiche que elige en esta ocasión el director para que el espectador dirija su atención hacia él, igual que utiliza otros elementos icónicos como la cuerda o las velas encima. Un éxtasis de paroxismo nos sacude cuando llega ese momento en el que la empleada del hogar se dispone a quitar el mantel y abrir el arcón para colocar los libros. Sin embargo, Philip, en un arranque de genialidad consigue evitar el desbaratamiento de su diabólico plan. Hitchcock juega con nosotros al gato y al ratón. El director nos demuestra en esta película como la maldad del ser humano puede llegar a ser infinita y que la mejor educación no es óbice para evitarla: los asesinos dialogando amigablemente con el padre de la persona que acaban de asesinar, la sangre fría de Brandon y las dudas de Philip, al que corroe la culpa.   

La música de L.F. Forbstein prácticamente pasa desapercibida en esta primera película en color del maestro británico. Se limita a acrecentar en momentos puntuales el suspense con el añadido de la música de piano de Poulenc que interpreta uno de los asesinos, Philip. En definitiva, una película que queda indeleble en nuestro recuerdo, una de las grandes de Hitchcok, de esas que solo el maestro británico sabía elaborar con gran virtuosismo. Intensa y enferma.

UN HOMBRE PARA LA ETERNIDAD (1966)

  Tomás Moro logró pasar a la esfera de la inmortalidad por la puerta grande, porque fue fiel a sus ideas, a sus creencias, y no se dejó doblegar por el abuso de poder, no aceptado las consignas del tirano rey de Inglaterra Enrique VIII  que habiéndolo nombrado Canciller del Reino en sustitución del cardenal Wolsey, le solicitó su ayuda para obtener el divorcio de su mujer Catalina de Aragón (hija de los Reyes Católicos). La historia nos dirá que Enrique buscaba un hijo varón que Catalina no le podía dar y que con ello pretendía garantizar la sucesión del reino, es decir, que era un asunto de Estado. Pero sus argumentos a favor del divorcio esconden también su atracción por una cortesana llamada Ana Bolena a la que ya sabemos que acabará cortando el pescuezo sin que le hubiese dado el deseado varón. El rey, que es un monarca autoritario, no se detiene ni siquera ante la suprema amenaza del Papa y de la religión católica. Llegará a preferir la excomunión y la ruptura con Roma para garantizar sus intereses. Pero Sir Thomas More, gran humanista (Utopía) fiel a sus ideas, rechazará dar su apoyo al monarca. Al principio se limitará a no pronunciarse, regresando a su hogar con su familia a pesar de que ello le comporte perder sus privilegios. Pero, finalmente,  su silencio será verdaderamente atronador, tan atronador que el rey lo encarcelará en la mítica Torre de Londres para intentar doblegarle, cosa que no consiguió a pesar de la amenaza de ejución.

  Hay varias cosas en esta película que la hacen inmortal y de obligado visionado para los amantes del séptimo arte. Lo primero es un extraordinario guión basado en la obra de teatro del autor del mismo,  Robert Bolt, lleno de fuerza y de situaciones dramáticas que se entreteje dentro de un ambiente que se torna opresor. El perfil de Tomás Moro es maravilloso. Los diálogos están repletos de sabias reflexiones sobre el poder y la moral. Las frases del político y pensador inglés son memorables. Son el fiel reflejo de la sabiduría, el humanismo y la prudencia ante una situación en la que pende sobre su cabeza el filo del hacha de la ejecución sumaria. Seguramente es lo mejor de la película.

   Destacar también la impresionante interpretación de Paul Scolfield en el papel de Tomás Moro, que el solito se echa a sus espaldas la pelicula entera. Su gesto severo y tranquilo, su parsimonia deliciosa, sus frases ya comentadas, todo él mereció con creces el Óscar de la Academia. También realizan una gran labor  Robert Shaw como el Rey Enrique,  Leo Mackern como el pérfido y ambicioso secretario Thomas Cromwell y un obeso y decadente Orson Welles en un pequeño papel como Cardenal Woolsey, al que sustituirá precisamente Moro como Canciller.

   La fotografía y la música son de una calidad magníficas. Sobre la primera destacar la luz de los paisajes en torno al río Thámesis, auténtica vía de comunicación, autopista incesante de barcazas que acercan y alejan a nuestro protagonista y al tiránico rey. Sobre la música de Georges Deleury destaca el tema principal que tintinea en nuestros oídos desde la escena inicial de presentación en que un correo recoje una carta lacrada y secreta a toda velocidad para Sir Thomas del cardenal Woolsey. Al abrir el portón el secretario entrega la carta al paje y estalla la música que estará muy presente a lo largo de todo el film

    Una buena película sobre el reinado de Enrique VIII y su relación con el humanista y católico Thomas More ( traducido al Español como Tomás Moro). Muy bien ambientada, con un magnífico atrezzo y unos diálogos, como decía, inmortales. Un goce para los que nos gusta el cine político y la historia a pesar de que las motivaciones religiosas de Moro se exalten un tanto.  Una pelicula para reflexionar por su actualidad y su carga moral: ¿acaso hoy no matarían en vida o defenestrarían a un político que fuese honesto, que renunciara al poder absoluto por sus convicciones?. Lo dicho, una película más que recomendable, de obligada visión en los tiempos que corren, una película para todas las épocas.

SILENCIO EN LA NIEVE (2011)

  Impactante escena inicial. Un buen número de caballos congelados en medio de un frío horripilante, que se palpa en la propia imagen y estremece. Estamos en las grandes llanuras de Europa Oriental en pleno inviero de 1943. Al menos, dicen los españoles, habrá comida para unos cuantos días. Magnífico entretenimiento el que nos ofrece Gerardo Herrero, director y realizador de cine, en esta película en la que la trama se ambienta en un contexto poco trabajado en el cine español contemporáneo: la Segunda Guerra Mundial y el papel de los españoles en ella a través de la División Azul. Además de contemplar un fresco bastante ilustrativo y realista de su misión en el frente ruso, apoyando al amigo Hitler, consigue atraparnos con una historia detectivesca, un buen thriller policíaco, casi un Holmes-Watson, protagonizado por Carmelo Gómez y Juan Diego Botto. La historia se centra en la aparición de un asesino en serie justo en el corazón de las tropas españolas, un asesino con alguna motivación presuntamente diabólica que deja escrito a navaja en los torsos de los que asesina una serie de frases. Entonces el soldado raso Arturo Andrade, que interpreta Juan Diego Botto es encargado por la superioridad de investigar y obtener resultados rápidos para tapar el asunto lo más rápido posible. No le pilla de imprevisto porque ya  había sido inspector de policía. Le ayuda el sargento Estrada, interpretado por Carmelo Gómez. Es curioso como se trastoca la cadena de mando y un soldado dirige a un sargento, una idea brillante del guión. 

    La cosa se complica cuando empiezan a encajar las piezas y unen esas frases, en las que se divide la propia película: Mira que te mira Dios, Mira que te está mirando, Mira que has de morir, mira que no sabes cuando. Alguien relacionado con algún tipo de rito masónico, algún quintacolumnista rojo que se ha infiltrado en el ejército azul de Franco, algún traidor o, quizás, alguien que persigue un objetivo. Con todas estas cartas y una espléndida y realista puesta en escena Herrero nos consigue transmitir esa sensación de agobio propia de un policíaco de nivel. La iluminación es muy certera y en todo momento, en los exteriores nevados, casi impraticables, la luz tenue del invierno, del durísimo invierno ruso y en los interiores sombríos, extraños, casi diabólicos aciertan a transmitir al cinéfilo esa sensación de desamparo y de tierra quemada, de pérdida de tiempo y hasta de hastío por la inutilidad de una misión suicida para la que muchos no estaban preparados. Esa luminosidad tan bien elegida para la fotografía de este film es otro gran acierto porque refleja unas sensaciones muy buscadas: miedo, angustia, drama, crimen, violencia.

    El guión también, como ya habíamos comentado, nos sumerge al fondo de un pozo de difícil salida, nos desconcierta la historia y no sabemos como en esa circunstancia tan deplorable, tan al filo de la navaja, los rusos prestos a llegar a ese lugar del frente, los bombardeos contínuos, esta historia puede salir a flote y a fe que lo consigue. No obstante la solución a la trama principal peca de ingenuidad lo cual no desmerece para nada el conjunto narrativo que hemos vivido. Otro gran acierto se encuentra en saber sacarnos de la cabeza el contexto general, es decir, no ver a estos dos individuos como dos fascistas que resuelven un crimen entre fascistas, sino que consigue abstraernos de ello y consigue representar valores positivos en los protagonistas, algo muy poco frecuente cuando se trata de poner el foco en el bando nazi. La guerra solo es el escenario y nada más.

  Los actores rozan un gran nivel, particularmente un actor que ha ido creciendo artísticamente en cada film que interpreta: un  Juan Diego Botto que consigue trasmutar una misión agria y fea en algo agradable, simpático para el espectador.  Carmelo Gómez también realiza una gran labor, fiel a su estilo duro y sobrio. El resto del reparto, en un segundo plano, brillan también en gereral es ese contexto duro y dramático, cruel en sí mismo. La música de Lucio Godoy reafirma ese contexto general de desesperación e inhumanidad tan propicio a una guerra de exterminio en el que los protagonistas saben que han sido enviados al matadero, aunque ese matadero sea un lugar de placer para los ideologizados fascistas españoles. Una película destacable de Gerardo Herrero, entretenida y que no decae salvo en algún momento muy puntual. Una historia fictícia que como ficción histórica funciona a pesar de algunos lastres que podremos observar a lo largo del metraje.

PAPILLON (1973)

    Obra maestra de ese subgénero que es el drama carcelario, Papillon es una magnífica película de denuncia de las condiciones inhumanas del presidio francés de su Guayana americana en la primera mitad del siglo XX, antes de la Segunda Guerra Mundial, cuando avergonzados por la situación inhumana que se vivía al otro lado del atlántico, decidieron su supresión. Un canto, asímismo, a la amistad, al sacrificio en favor de otra persona en un entorno envilecido por una brutalidad   que atentaba contra la vida humana. Basada en la novela autobiográfica de Henry Charrière, Papillon (mariposa en Francés) es un hombre condenado a cadena perpetua por asesinato, un crimen que no ha cometido. Todos le llaman así por la mariposa que lleva tatuada en el pecho. En el buque-cárcel de camino hacia el penal americano conoce a Louis Dega, condenado por haberse hecho enormemente rico falsificando bonos del estado. Enterado de su  situación Papillon se acerca a él y le propone darle su protección a cambio de que este le entregue como recompensa el suficiente dinero como para comprar una barcaza con la que escapar hacia américa central y ya desde allí regresar a Francia. Tras un incidente provocado por el propio Papillon, Dega queda absolutamente aterrorizado y busca la ayuda protectora del protagonista principal de esta historia.

   Tras arribar a la colonia francesa podemos comenzar a observar lo inhumano del trato que se da a los presos. Incluso descubrimos con pavor como se condena a muerte por guillotina a aquel preso que ose escapar con reiteración o cometa algún delito de sangre (todavía se usaba la guillotina en los dominos franceses). Los presos se verán sometidos a trabajos forzosos, sucumbiendo muchos de ellos por la dureza del régimen. Cuándo uno trate de huir del horror será condenado a pasar dos años de aislamiento en una celda minúscula, sin poder siquiera salir a caminar. Si después de este terrible castigo tratase de fugarse por segunda vez estaría recluído en el pequeño cubículo 5 años, asilado del resto de presos. También vemos cómo muchos de los que alcanzan la libertad quedan sin embargo unidos como por un cordon umbilical invisible al sistema que los ha maltratado, convirtiéndose en cómplices de ese régimen carcelario totalitario de la Guayana, cazando hombres, aquellos que se atrevieran a  buscar una libertad que se les ha escapado de las manos por sus errores.

    Pero Papillon va mucho más allá.  Después de fracasar en su primera huida es conducido a la reclusión, a esa celda en la que estará dos años. Solo cada cierto tiempo pueden sacar la cabeza por un agujero para que les desparasiten y les corten el pelo. Las celdas no tienen techo, sino que están formadas por barrotes longitudinales, siendo vigilados desde arriba por guardias que patrullan por un camino elevado. El rancho con el que les obsequian a través de un agujero es deplorable. Pasado el tiempo y de manera sorpresiva Papillon comienza a recibir un extra en su alimentación consistente en trozos de coco, lo cual mejora ostensiblemente su alimentación. Recibe asimismo una nota de ánimo de Dega, que es el que ha sobornado a los carceleros. Pero desgraciadamente será descubierto por la superioridad, que le obliga a revelar el nombre de su cómplice, que correrá la misma suerte que él.  Debe chivarse pero Papillon antepone su amistad sobre las crueles condiciones a lo que lo someten por no "cantar": queda en total penumbra y a mitad de ración. Sin luz y sin comida no doblega su ánimo y se pasa los dos años comiendo insectos y cucarachas para poder sobrevivir. Cuando finalmente sale del agujero, casi ciego tras dos años sin ver la luz, pasa a la enfermería desde la cual, inasiqueble al desaliento, planeará una nueva fuga después de los intentos de Dega para evitarla.

   Dega, cuando ve aparecer a Papillon en una camilla, sabedor de su mutismo para salvarlo a él, se emociona, tratará de hacer lo posible por el, impele a sus abogados a ayudar a su amigo a que la pena se acorte y puedan salir. Después de apelar consigue que la pena quede reducida a 3 años, tres largos años tras los que serán definitivamente libres. Pero Papillon no puede esperar a lograr una libertad de la cual jamás debió de ser privado, intentará una nueva fuga que, en este caso, dará sus frutos. Logrará huir, esta vez acompañado de Dega que se une a la huída en el último momento y rompiéndose una pierna. Solo Papillon logrará internarse en la selva y escapar, descender a los infiernos en un poblado apestado por la lepra y llegar al paraíso junto a una tribu en la que encuentra un amor inocente y puro. Sin embargo será cazado finalmente y retornará a la prisión, pasando 5 largos años en el agujero.

   El guión, basado en la novela citada de Charrièrre, que cuenta en primera persona sus penalidades en la Guayana, está magnificamente elaborado por el siempre genial Dalton Trumbo (represaliado por la caza de brujas de Mc Carthy), que firmó algunos de los mejores  guiones de la historia del cine. En este caso consigue el doble objetivo que casi siempre trataba de lograr en sus guiones: la obra de denuncia de las injusticias y la oda a la amistad como valor supremo. Resulta una obra de denuncia soberbia, poniendo de relieve la contradicción que suponía este régimen de terror en un país adalid de los derechos humanos y la democracia.

   El trabajo de Schaffner ha podido envejecer mal pero sigue siendo excepcional en buena parte de su metraje. Cierto es que hay un momento en el que la trama pierde fuerza, justo cuando Papillon ha logrado su libertad absoluta y vive apaciblemente en una especie de selvático paraíso. Pero no llega a decaer pese a que el metraje es muy largo. La fotografía a cargo de Fred J. Koenekamp que trabajó con el director en Patton logra las tonalidades adecuadas para cada escena, ya sea en interiores como en exteriores, desde la primera escena por las calles de una ciudad francesa en un día nuboso que anuncia el futuro de los presos pasando por la luz que exhala el mar extenso e indómito y azul o esa selva virgen, verde y tremendamente opaca.

La pareja protagonista nos ofrece dos lecciones de interpretación cada uno en su estilo, a saber: Steve McQuenn ( Papillon ) como protagonista principal vuelve a ser ese hombre duro, insobornable, honesto, sincero sufridor y luchador impenitente por la libertad y Dustin Hoffman ( Louis Dega) que continua por sus fueros creciendo como actor tras sus extraordinarias interpretaciones en películas como el graduado o Perros de Paja. Ambos son el soporte principal que eleva esta cinta a la categoría de obra inmortal. El resto del plantel raya  a una gran altura pero a la sombra de  McQueen-Hoffman, dos titanes de esta profesión.

   La banda sonora no deja de ser también maravillosa, obra de Jerry Goldsmith, llena de matices y momentos de gran emotividad, con esa melodía de melancolía que resume magníficamente el espíritu de la película. La canción de Nicoletta Toi qui Regarde la Mer es extraordinaria, tanto la música como la letra y queda indeleble en nuestra memoria.

   Nos encontramos por tanto ante una verdadera joya dentro del drama carcelario, con un final que resume muy bien el espíritu de la película, un final de una gran emotividad que nos sacará alguna que otra lagrimilla, donde vemos que la amistad puede llegar a ser lo más maravilloso de esta vida y su inevitable final una pérdida irreparable.

SLUMDOG MILLONAIRE (2008)

  Cinta de denuncias sociales a raudales que deja al espectador bastante incómodo con lo que ve aunque con la sensación de haber visto algo grotesco, demasiado real para ser verdad. Después de verla, tanta fama como tenía, puedemos decir que es un trabajo solamente interesante de Danny Boyle, que no es decir mucho para una película con esa sobredosis de premios en vena (ocho Óscars de la Academia). Pero siendo valiosa, no es para tanto.  Es más bien un docudrama de la India y sus miserias. Vale que es una constatación de los dramas sociales de los suburbios de los países que antiguamente se denominaban como "en vías de desarrollo", en concreto de India y de Bombay o Mumbai, como se dice ahora. Y también de acuerdo con que el cine debe de ser comprometido y denunciar los abusos de un capitalismo que es todavía más salvaje en los países pobres, de un sistema político que hace la vista gorda con las mafias y la injusticia y que permite unas desigualdades sociales entre multimillonarios y miserables de unas proporciones colosales. Todo eso está muy bien reflejado en Slumdog Millonaire pero insisto, no es para tanto. Me explico.

  La historia se entreteje de una manera un tanto inverosímil. Todo surge a partir de  un famoso programa de televisión, que en España se llamó ¿Quiere ser millonario?. Sí, ese del comodín de la llamada y del público en el que contestando correctamente a unas cuantas preguntas, cada vez  más enrevesadas y difíciles, puede uno llegar a ganar un milloncete de euros. En este caso, rupias. Pues nos encontramos a un muchacho que se dedica a llevar el té a sus jefes de un centro de telecomunicaciones donde se explota al personal ( primera denuncia social). No se sabe muy bien como el muchacho, Jamal Malik (Dev Patel) consigue concursar y, de manera sorprendente, comienza a acertar una pregunta tras otra. La productora se pone nerviosa y cuando se produce un receso de un día en la grabación del programa la policía lo detiente y lo maltrata ( segunda denuncia social). Piensan que tiene un micrófono o que hace trampas.

    Un detective de la policía local le aprieta tanto que Jamal no tiene más remedio que decir la verdad: no hay trampa ni cartón, efectivamente él sabe las respuestas. Sin embargo, y ahí está el meollo de la cinta, no es por sabiduría, por estudios o por un interés innato en la cultura o en la actualidad, sino por puro azar. El azar terrible de tener que vivir situaciones de enorme dramatismo, vejaciones, accidentes, torturas y un sinfín de situaciones que no puede dejar de olvidar. En esas escenas, el niño, el adolescente, el muchacho observa cosas que le dan las respuestas a las preguntas del programa. Y es de esta manera como descubrimos, poco a poco, pregunta a pregunta, la triste vida, la miseria moral de un país con un crecimiento económico descomunal pero a costa de consentir los malos tratos, la miseria chabolista, ese Slum que el título señala, esos nuevos parias chabolistas. Es un conjunto de sufrimientos que sería demasiado prolijo de relatar pero podemos decir que Jamal y su hermano malviven y sufren explotación infantil, sobreviven en chabolas infectas, son reclutados en las calles en las que sobreviven robando, cual pilluelos, por una mafia terrorífica de la que logran escapar acabando en el Taj Majal engañando turistas. En esta secuencia suge una nueva crítica de Boyle, al turismo desmesurado que solo ve lo que quiere ver, que disfruta de la magnificencia de los monumentos y ve con parsimonia todo el hálito de miseria que se desarrolla alrededor (tercera denuncia social).

   Por otro lado tenemos la historia de amor del niño Jamal y Latika (Freida Pinto), su temprana separación en la huida de los hermanos de esa mafia infecta y torturadora y su posterior reencuentro, ya de mayores, cuando Jamal la encuentra como esclava del jefe de la mafia (cuarta denuncia social). Una argumento demasiado previsible y no muy emocionante. Es de esperar todo lo que va a suceder aunque Boyle trate de hacerlo atractivo con la historia de las preguntas y los consiguientes flashbacks a una realidad todavía peor que la deplorable actualidad de esa India trincona y desarrollista a toda costa, con esos lumpenes de miseria, con esos Slums de vergüenza. Nada que no supiéramos. Pero se pasa de frenada con la crueldad, los personajes son demasiado sádicos, desde esa mafia que deja ciegos a los niños para ponerlos a pedir en el metro hasta esa policía que se hicha a golpear a los niños. Un exceso de Danny.

  En lo que si acierta y mucho la película es en ser reflejo de la crueldad con que los medios de comunicación manipulan en sus programas ( quinta crítica social), especialmente en los concursos, algo magníficamente apuntado en la magnífica "Quiz Show". Desde que vemos al presentador del concurso ( el Sobera hindú) sabemos que no le está sentando nada bien que un mequetrefe se lleve el premio gordo, se nota en su rostro y hasta en su humor ácido que no hace nada de gracia. Después hasta intentará engañar al chaval de manera deplorable aunque no conseguirá su vil propósito. Es esta una de las  partes más destacadas del guión. 

Técnicamente Boyle realiza una labor un tanto deslabazada, mueve en exceso la cámar y ofrece planos generales de los barrios, contrapicados y picados. Resulta un tanto caótica su dirección, como poco pensada, asemejando en ocasiones un docudrama social o en ocasiones diríamos que a la estética de un videoclip. En cuanto a los actores, verdaderamente prodigiosos los niños, interpretando escenas de gran complejidad y dramatismo, muy duras y muy bien resueltas. Los adultos ya dejan mucho más que desear, por no hablar del final a lo Bollywood, lamentable. Por tanto lo que tenemos es una película entretenida que sobrecoje en buena parte de su metraje pero que ha sido demasiado sobrevalorada y que pierde fuerza con el tiempo, con la pérdida de novedad que arrojó su estreno. Lo positivo que debemos extraer de esta producción británica es la evidencia de la maldad, inherente al ser humano, desde la cuna hasta la tumba, aunque era algo que ya sabíamos. En eso acierta la película: es un magnífico documental de las injusticias, de las diferencias de casta y de clase social y un acicate para seguir en la lucha, una lucha que jamás terminará. 

EL CUERPO (2012)

  Sorpresa agradable del último cine español. Magnífico thriller que va increscendo a lo largo de su metraje en una película de misterio, asesinatos y supuestas apariciones sobrenaturales con un final auténticamente impactante que justifica plenamente su visionado. De esos finales que te dejan aturdido y sin aliento, sorprendido, pensativo, encajando piezas que no pensabas que fuera necesario encajar porque todo lo dejabas del lado de  lo sobrenatural pero finalmente la mano del hombre está más presente de lo que parece.

   Para ser la ópera prima de su director, Oriol Paulo, guionista también de otras películas de suspense como "los ojos de Julia", lo cierto es que está cuidadosamente rodada, con una fotógrafía oscura y mortecina que aumenta ese buscado suspense, esa intriga que nos acogota durante todo el metraje. La historia trata de la desaparición de un cuerpo en una morgue. El misterio está servido. ¿Dónde está el cuerpo y porqué el guardia de seguridad salió despavorido, presa del terror, siendo atropellado en la carretera por otro vehículo y falleciendo al instante?. La policía revisa las cintas del vídeo dónde se ve al segurata salir huyendo como alma que lleva al diablo.¿Ha visto un fantasma, es que acaso ha visto a la muerta fuera de su fría nevera en la sala de fiambres?. El misterio está servido. La muerta es Mayka Villaverde (Belén Rueda), una rica empresaria casada con Álex Ulloa (Hugo Silva). Cuando la policía llama a Álex este queda, como es lógico, tremendamente alterado. ¿Su mujer ha vuelto de entre los muertos o es que acaso algún gracioso ha robado el cuerpo?. Las dudas se acrecentan por ese sentimiento de culpa que tiene el que ha asesinado a su mujer para estar con su amante. ¿venganza, miedo?. Un conjunto de sensaciones embargan a Álex, que es reclamado por la policía e interrogado por el inspector Jaime Peña ( José Coronado), que no duda de su culpabilidad: alguien tiene que haber escondido el cadáver y ser el responsable de la muerte del guardia de seguridad. En una habitación lúgubre del edificio siniestro en el que se encuentra la morgue comienza el interrogatorio. Lo que sucede después es altamente perturbador e inexplicable y conduce al espectador a ese estado de nerviosismo y suspense que, mostrando a cuentagota y en estupendos flashbacks el asesinato de Mayka y la relación de Álex con su amante Carla ( Aura Garrido) que parece haber descubierto su mujer, no deja lugar a dudas de que alguien pretende amargar la existencia a Álex, a lo mejor la propia Mayka.

     Es una auténtica sorpresa porque el film es muy entretenido y atrapa, a pesar de que hay momentos en los que piensas que todo el guión es una completa chorrada. Y sin embargo la historia va enganchando progresivamente. Pasas de la típica película de fantasmas que se aparecen y regresan de la muerte para vengarse por su asesinato a algo mucho más profundo e incisivo, lejos del mundo del averno. Por tanto el guión está muy bien trabajado, consiguiendo un final de los que sorprenden, de esos que encajan todas las piezas del puzzle de una manera totalmente inesperada y justifican una entrada de cine o una descarga a diestro y siniestro.

  En lo que respecta a las interpretaciones merecen destacarse los papeles de un Jose Coronado últimamente muy inspirado, como el detective incisivo y sin escrúpulos que presiona lo indecible a Álex porque no se cree la vesión sobrenatural a pesar de que todo apunta a ella. Es el personaje clave que nos dejará helados al final de la trama. Belén Rueda regresa a una magnífica interpretación, llena de fuerza, en unos flashbacks en los que es fiel esposa enamorada de su marido y que después es traicionada, pero ella guardará su sublime venganza. Hugo Silva está correcto en el papel quizás más difícil, el de asesino incofeso que ya duda de todo porque no sabe que ha pasado con el cuerpo de su exmujer y lucha por salir del atolladero y regresar a los brazos de su amante, la jovencita Carla, interpretación muy lograda de Aura Garrido.

   Una magnífica ópera prima de un director que habrá que seguir con lupa, un prometedor hitchcock patrio. Esperamos que nos siga deleitando con más y más suspense. Un perfecto y deleitoso producto de entretenimiento que nos hará pasar un mal rato.